В этом посте я пообещала показать картины, которые остались в семье после развода. Вот одна из них. Она оставлена нашему сыну.
Картину, оставленную дочери, художник забрал обратно. Сказал, что она ему нужнее.
Ту картину, которую когда-то подарили мне, я покажу в другой раз.
Между Возрождением и Классикой в 17-18 веке расцвело искусство барокко, которое в своём пределе перешло в стиль рококо. Аллегории и усложнение формы с задачей потрясти зрителя, характерны и для эпохи и перекликаются с современностью. Закончился данный стиль примерно тогда, когда головы основных заказчиков подобных картин полетели в корзины под гильотинами. Имена многих художников, которые были популярны, оказались в тени, а то и прочно забыты, после политических катаклизмов сотрясавших 19 век.
Одним из таких имён оказался Жан-Оноре Фрагонар (Jean-Honoré Fragonard) (1732-1806) — Французский живописец и гравёр мастер пасторального и галантного жанра во всех его бесчисленных проявлениях.
Талант живописца проявился у ребёнка рано, но родителей более заботило материальное положение, поскольку семья в Провансе, откуда они родом, разорилась и они вынужденны были переехать и Жана Фрагонара определили младшим клерком в контору мелкого нотариуса. Именно этот человек обратил внимание на дарование мальчика и посоветовал семейной паре дать сыну художественное образование.
Первым учителем Фрагонара стал Жан-Батист Шарден, но его простота и академичность мало привлекали молодого художника. Настоящим открытием для него стал второй преподаватель — Франсуа Буше. Весёлые сельские девушки, роскошные цветы, кудрявые деревья, пухленькие младенцы стиля рококо пленили Жана-Оноре Фрагонара. Фрагонар учился, копируя работы мастера.
Но большую римскую премию Фрагонар получает за библейский сюжет, что позволит ему отправиться на стажировку в Италию.
По возвращении из Италии художник был принят в члены королевской академии художеств.
Произведения Фрагонара вошли в большую моду и продавались по высокой цене, благодаря чему он успел заработать себе хорошее состояние. Но вспыхнувшая революция разорила его, а классицизм, водворённый во французском искусстве Ж.Л. Давидом, лишил Жана Фрагонара прежней популярности.
Некоторое время Фрагонар служил хранителем в Лувре, входил в жюри различных выставок. Но его собственная живопись стала невостребованной и перестала приносить доход. Имя настолько потерялось, что не всегда упоминалось в каталогах посвящённых 18 веку.
Однако поскольку тема ивента ночь, то добавлю ещё немного произведений этого галантного живописца которые связаны с ночью, хотя его наследие обширно, и тянет на отдельный пост, правда с тегом 18+ и NSFW
Женщина поклялась дождаться его, а если он погибнет на чужбине – уйти в монастырь. Но вскоре, изменив своей клятве, вышла замуж за другого. Но когда она приехала на праздник, ее лицо на глазах у всех постарело и превратилось в череп. И слуги Сатаны утащили клятвопреступницу в ад.
Пост благодарности @Kukabara за проведение самого лучшего конкурса на капибаре КОНКУРС РИСУНКОВ «СРЕДА, МОИ ЧУВАКИ». UPD: продлен до 16.04.2025!.
Пусть и у тебя будет картинка на кружку. Распечатаешь и подаришь себе на ДР когда бы он там не был )))
Анатолий Михайлович Нестеров — фигура, оставившая значительный след в мире живописи, как в Советском Союзе, так и в современном Казахстане. Его работы охватывают широкий спектр тем, от пейзажей до натюрмортов.
Анатолий Нестеров родился 13 августа 1932 года в Ленинграде, ныне Санкт-Петербурге. Этот город, обладающий богатой историей культуры и искусства, оказал значительное влияние на его становление как художника. С раннего детства Нестеров проявлял интерес к живописи. Он активно изучал искусство и посещал художественные выставки, что потянуло его к мечте стать профессиональным художником.
После окончания средней и художественной школы, Нестеров поступил в Московский государственный академический институт имени Сурикова. В этом престижном учебном заведении он обучался под руководством таких известных мастеров, как Петр Корин, Сергей Чуйков и Манизер Михаил Григорьевич. Эти преподаватели привили Нестерову не только технические навыки, но и понимание глубины художественного выражения. Завершив обучение с отличием, он вышел на художественную сцену с мощным багажом знаний и опыта.
В 1975 году, после успешной учебы и первых шагов в мире искусства, Нестеров переехал в Алма-Ату, Казахстан. Этот миг стал поворотным моментом в его жизни. Нестеров в полной мере ощутил себя частью новой культурной среды, что обогатило его художественный стиль.
Алма-Ата с её живописными пейзажами и разнообразием природы вдохновила художника на создание множества работ. Нестеров быстро адаптировался к жизни в новом городе и начал активно участвовать в культурной жизни Казахстана. Его пейзажи отражали уникальность казахской природы, а натюрморты — красоту повседневной жизни.
Проживание в Казахстане также позволило Нестерову развивать свои навыки и экспериментировать с различными художественными техниками. Он использовал акварель, масло и даже пастель, создавая произведения, которые впоследствии стали известными во многих странах.
Нестеров принимал участие в многократных выставках, как республиканского, так и международного уровня. Его работы выставлялись не только в Казахстане, но и за его пределами, что свидетельствовало о высоком уровне Анатолий Нестеров стал не только значимой фигурой в художественном сообществе, но и активно участвовал в организации культурных мероприятий, выставок и мастер-классов. Его опыт и мастерство привлекали внимание молодежи, и Нестеров делился своими знаниями с новым поколением художников. Создавая свои работы, Нестеров часто использовал натуру, что позволило ему максимально реалистично передавать детали. Он предпочитал работать на пленэре, погружаясь в атмосферу природы и черпая вдохновение непосредственно из окружения.Натюрморты Нестерова также заслуживают внимания. Они, как правило, небольшого размера, но обладают невероятной деталью и изысканностью. Художник умело передавал текстуры объектов, будь то свежие фрукты или простая ваза. Каждый натюрморт повседневной жизни воспринимается как картина, наполненная смыслом. Анатолий Нестеров известен своим уникальным стилем, который сочетает реализм с элементами экспрессионизма. Его пейзажи выделяются яркостью и насыщенностью цветов, созданных с помощью мастерского смешивания красок. Нестеров великолепно передавал атмосферу времени года, будь то яркий, солнечный день или серое осеннее утро. Каждый его пейзаж дышал жизнью.
Нестеров ушел из жизни в 2011 году, оставив после себя богатое художественное наследие. Его работы хранятся в музеях и частных коллекциях многих стран. Исследователи и искусствоведы по всей стране продолжают изучать его творчество, пытаясь понять глубину его художественного видения и вклад в казахстанское искусство.
Художник вдохновил многих последующих мастеров живописи, продемонстрировав, как природа может быть источником утешения и вдохновения. Нестеров стал символом стойкости и преданности искусству, ведь его работы продолжают затрагивать сердца людей на протяжении многих лет.
Одним из немаловажных аспектов наследия Нестерова является его связь с природой и корнями. Он стремился показать не только красоту окружающего мира, но и его многообразие. Пейзажи, написанные им, представляет собой не просто картины, а окно в мир, который его окружал.
Анатолий Михайлович Нестеров — это имя, которое, безусловно, останется в истории искусства Казахстана и всего постсоветского пространства. Его талант и преданность делу стали основой его репутации как выдающегося художника, а его произведения — свидетельством глубоких чувств и впечатлений, которые он испытывал перед красотой окружающего мира.
Нестеров — это не просто художник, а творец, который не только смог передать истинную натуру своего времени, но и вдохновить будущие поколения. Его жизнь и творчество остаются явлением, которое важно помнить и обсуждать, чтобы сохранять культурное наследие Казахстана для будущих поколений.
Alison Friend — ирландская художница, которая предпочитает изображать животных, но не слишком стремится к реалистичности. Её герои обладают человеческими чертами и выглядят милыми и смешными.
Александр Николаевич Волков — выдающийся русский и советский живописец, график, поэт, художник театра. Автор жанровых и тематических картин, портретов, пейзажей, натюрмортов, абстрактных композиций. Рисовальщик, патриарх школы изобразительного искусства Узбекистана. Учился на естественном факультете Петербургского университета (1906-1908). С 1907 года посещал частную студию Д.Бартинкера в Петербурге. Учился в высшем художественном училище при Академии Художеств (1908-1911) у В.Маковского, в частной школе М.Бернштейна (1910-1912) у Н.Рериха, И.Шервуда, в Киевском Художественном училище (1912-1916) под руководством Ф.Кричевского. Испытал влияние М.А.Врубеля. Участник выставок с 1920 года. Член объединений и участник выставок АХРР (Ассоциация художников революционной России), АХР (Ассоциация художников России) (с 1927), “Мастера Нового Востока” (с 1928), Ташкентского объединения АРИЗО (с 1930). Был организатором “Бригады Волкова”, объединившей ряд художников Узбекистана. В 1924 года - участник “Первой дискуссионной выставки объединений активного революционного искусства”. В 1919 году был директором Государственного музея искусств Средней Азии, в 1922 году - руководитель “Пролеткульт-театра”. Преподавал в художественных учебных заведениях Ташкента.
Картины Александра Николаевича отличались глубоким философским содержанием и уникальным стилем, который сочетал в себе элементы реализма, символизма и восточного искусства. Его творчество, пронизанное глубоким пониманием человеческой природы и любовью к родной земле, и в наше время находит отклик в сердцах многих поколений. Волков сумел соединить в своих работах восточную и западную культурные традиции, создав уникальный художественный язык, который и по сей день вдохновляет и восхищает. Он умело сочетал элементы русского авангарда, европейского модернизма и традиционного восточного искусства. В его работах можно увидеть влияние кубизма, экспрессионизма и примитивизма, а также мотивы и техники, характерные для среднеазиатского искусства. Художник часто обращался к сценам повседневной жизни Средней Азии, изображая базары, чайные, ремесленников, музыкальные и танцевальные представления. Волков славился яркими, насыщенными цветами, которые подчеркивают экзотику и красоту Востока. Его картины, наполненные эмоциями, яркими образами и глубоким смыслом, стали отражением не только его времени, но и важными свидетельствами человеческих переживаний. Полная искренности и динамики его живопись продолжает впечатлять и вдохновлять новые поколения.
В течение своей долгой карьеры Волков создал множество произведений, которые продолжают внушать восхищение и любовь к искусству. Его работы были представлены на выставках как в России, так и за границей, что говорит о его значительном вкладе в художественный мир изобразительного искусства.
"Гранатовая чайхана" была создана в 1924 году и отражает увлечение художника национальными темами, бытом и культурой Средней Азии. В этой картине Волкова сливаются черты востока, модерна, кубизма и абстракции. На картине Волковым изображены три восточных мистика, погружённых в ритуал взаимодействия с параллельным миром. За их спинами находятся три музыканта, которые игрой на своих трёх инструментах помогают создать благоприятную атмосферу для открытия пути между мирами. Цвет граната на Востоке символизирует иной мир, запредельный мир, мир, который не может видеть непосвящённый в таинство человек.
Картина Александра Николаевича Волкова "Испания", написанная в 1937 год, изображает сцену из гражданской войны в Испании. Женщина с флагом — центральная фигура картины, она выражает силу и решимость, её поза и выражение лица передают дух сопротивления. Этот образ символизирует героизм и стойкость испанского народа в борьбе против фашизма. Картина выполнена в стиле, сочетающем элементы реализма и экспрессионизма, что позволяет зрителю прочувствовать всю глубину и напряженность изображенного момента.
Картина "Чайхана" 1920г. изображает традиционное место встреч и отдыха, характерное для Средней Азии. Чайхана – это своего рода общественное заведение, где люди собираются для общения, отдыха и чаепития. На картине можно увидеть троих мужчин, сидящих вокруг низкого столика, на ковре и подушках. Их позы и жесты передают атмосферу неторопливого общения и расслабления. Картина "Чайхана" передает не только визуальное восприятие сцены, но и атмосферу, чувства и дух того времени и места. Волков через свою работу стремится показать красоту и уникальность восточной культуры, ее традиции и образ жизни.
В настоящее время работы Александра Николаевича имеют высокую востребованность среди коллекционеров мира, вот некоторые данные по итогам продаж, полотно «Дети-музыканты» было продано за $3 168 165, торги состоялись на аукционе в Bonham’s (Лондон) в 2013 году, второе место занимает «Слушание беданы» $1 427 049, следующее полотно «Свадьба» стоимость которой составила $796 112 , «Мазары под луной» 433.000 фунтов и «Горная река Кок-Су» 337.000 фунтов в целом по данным мировых аукционов было продано более 60 работ мастера со средней стоимостью в 400 000 долларов. И подлинники только набирают в цене.
Привет, вомбатяне и вомбатянки! Сегодня хочу рассказать о новой картине, которая родилась на одном старом холсте. Назвать её можно так: «Ослик, облака и горы»
P.S. картина сразу целиком для Лиги Лени (есть тут такая?)
На прошлой неделе мама обнаружила за шкафом одну недоделанную работу – горы, написанные по мотивам видео Боба Росса. Кто знаком с его творчеством, сразу вспомнит про «фирменные характерные мазки, «счастливые деревца» и про ведерко с растворителем. И как-то меня очень уж зацепили его видео, и захотелось попробовать. Сделала сами горы, оставила сохнуть...и сначала руки не доходили эту работу доделать, а потом я о ней и вовсе забыла. Холст пролежал в конечном итоге лет десять.
И вот он снова у меня. Первая мысль была – пойти по пути наименьшего сопротивления: добавить внизу ярких полевых цветочков, и готово! Получилась бы милая декоративная картина в стиле «альпийский луг». Но что-то внутри сопротивлялось. Мне хотелось, чтобы работа была не просто красивой, но и живой, чтобы она рассказывала свою историю, чтобы зритель мог остановиться и задуматься: а что же здесь происходит?
Идея пришла не сразу. Сначала я покрыла холст лёгким фиолетово-розовым подмалёвком – это помогает краске ложиться ровнее и задаёт общий тон. Потом добавила горы по краям, наметила тени и ущелья. И тут я взглянула на чёрную вершину и поняла: такая гора может быть только где-то очень высоко, где её касаются облака. И вот тут-то всё и началось! На первый план захотелось добавить ослика, который идёт по извилистой тропе и, словно в сказке, несёт на спине кусочек облака. Получилась целая история, которая, кажется, только начинается. Что будет с этим облачком? Куда идёт ослик? Это уже загадка для следующей картины. Но я думаю, что кто-то делает из них одеялки!
И вот ещё этапы процесса
И фото крупным планом некоторых мест
Немного технических деталей: холст был небольшой, 40 на 50 см, грунтованный, на твёрдом картоне. Горы я писала в основном мастихином – для меня это идеальный инструмент, поскольку он даёт красивые реалистичные текстуры. Ну а вся работа заняла около четырех с половиной дней.
Ещё раз первое фото, чтобы не листать в начало
Вот такая история получилась. Иногда старые вещи, которые кажутся забытыми, вдруг оживают и превращаются во что-то совершенно новое. А вы когда-нибудь возвращались к своим «забытым» проектам?
Всем привет, вомбатяне и вомбатянки!
Меня зовут Катя, я художница и человек, который просто любит творчество. Здесь я буду делиться своими работами, мыслями, вдохновением и рабочими моментами. А ещё очень постараюсь участвовать в ивентах, если, конечно, лень не победит=)
Чуть-чуть расскажу о себе. Пока училась в школе, я закончила художку, но в художественную сферу не пошла, а пошла учиться на экономиста. Сменила несколько разных сфер деятельности, а если точнее мне их «помогли» сменить сначала COVID, а потом СВО и санкции =)
И я решила, фиг с ним, жизнь одна, буду рисовать! Сейчас в свободное время пытаюсь наверстывать упущенное и двигаться в другом, в более творческом русле.
Пишу в основном маслом и пастелью. Акварелью тоже умею и могу, но просто не люблю. А что касается сюжетов, то пока у меня в основном пейзажи, но я пытаюсь себя перебороть и рисовать разное, поскольку только это и повышает скилл.
Вот несколько моих работ из более новых
Ну и фото с автором и очень экспериментальными яблоками на черной бумаге. (Народная мудрость любого художника: "Не фигня, а эксперимент!")
Интересный факт: никогда не начинаю новый рисунок, пока не сделаю себе чашку чая. Это мой личный ритуал, который помогает сосредоточиться. Без чая у меня почему-то ничего не выходит!
Моё хобби это кактусы, а мамино хобби писать картины.
Нашла коса на камень и получилась небольшая серия работ с Кактусами. Картины можно приобрести, забронировав в комментариях, или в группе https://t.me/korben_cactus
Астрофитум. Холст. Масло. Размер 20*15см 1500р
Цветение астрофитума. Холст. Масло. Размер 20*15см 1500р
Тефрокактус. Холст. Масло. Размер 20*15см Продан!
Кактус. Холст. Масло. Размер 20*15см Продан!
Другие работы:
Черная мальва, Холст. Масло. 20*40см - 2000р
Мальва. Холст. Масло. 40*40 см - 3000р
Озеро, Холст. Масло. 25*30 - 1200р
Мой сказочный кит, бумага для масла, масляные краски
Яркого настроения)
Скучали? Даже если нет, то все равно не могу вас оставить без новой картины))
Бумага для масла, мастихин, масляные краски)
