ТОП-60 фильмов из 90-х, Золотая эпоха кинематографа

На конкурс "Твой любимый фильм"

Из зарубежных однозначно "Апокалипсис сегодня"

из наших Хотиненковский "Зеркало для героя".

Почему я их люблю? Да потому что!!!

В этом году я долго и упорно откладывал составление топа, чтобы точно дождаться и посмотреть всех потенциальных кандидатов. Кто-то как всегда скажет, что год был слабым на фильмы, но если вдуматься – в 2023 вернулись многие крутые режиссеры: Скорсезе, Финчер, Нолан, Скотт, Лантимос, Вендерс. Я постарался сделать список разнообразным на жанры, чтобы каждый нашел что-то интересное для себя.

***

10. Без обид / No hard feelings
реж. Джин Ступницки
Фильм с непосредственной и очень смешной Дженнифер Лоуренс (и как вообще я ее хейтил раньше?). Чтобы оплатить счета и сохранить дом, ее героиня соглашается на авантюру: богатенькие родители готовы заплатить, если она начнет встречаться с их сыном-ботаном. Милая и в чем-то глуповатая история, напоминающая мне местами любимую “Соседку” и другие простенькие комедии из 2000-х. Уморительные гэги и файт-сцена с голой Лоуренс против нескольких подростков прилагается.

***

9. Создатель / The Creator
реж. Гаррет Эдвардс
Давно я не видел столь качественной научной фантастики, которая радует необычной концепцией мира. Здесь можно перенести разум погибшего на 20 секунд в робота, военные корабли сканируют леса прямо из космоса, а здешние обитатели Новой Азии считают ИИ вехой в эволюции. Конечно, не без греха – что-то подобное мы уже видели не раз, есть недоработки в сценарии, немного сумбурный финал. Но благодаря динамике лента отлично смотрится как приключенческий экшен, в котором сюжет не провисает ни на секунду. А красоты Тайланда, редкая музыка Ханца Циммера и отдача Вашингтона-младшего добавляет очков картине – на мой взгляд, работа весьма качественная и недооцененная, и определенно зайдет любителям «Района №9» - все-таки, качественный CGI тут наиболее сильная сторона.

***

8. Анатомия падения / Anatomie d'une chute
реж. Жустин Трие
Судебная драма из Европы. Картина рассказывает о таинственной смерти мужа писательницы и последующем расследовании, в котором подозревают ее. Мы попеременно оказываемся то в зале суда, то узнаем все новые подробности о личной жизни в их браке. Сценарий водит за нос даже самых искушенных ценителей детективов и задает интересные вопросы о семейных проблемах. Отменная режиссура, крутая актерская игра Сандры Хюллер, зачет!

***

7. Прошлые жизни / Past Lives
реж. Селин Сон
Искренняя и минималистичная корейско-американская мелодрама, в которой вся романтика прячется между строк и в микромимике актеров. Очень душевная и жизненная история, в которой каждый способный тонко чувствовать зритель найдет что-то близкое себе.

***

6. Оставь мир позади / Live the world behind
реж. Сэм Эсмэйл
Драматический разговорный по большей части триллер о конце света. Автор «Мистера Робота» выдал одно из самых реалистичных воплощений Третьей мировой войны. Тут не будет экшена, эпичности и ядерных взрывов – мы видим просто быт нескольких человек, укрывшихся в доме, и их реакцию на происходящее. Фильм о том, какими беспомощными и чужими друг другу становятся люди, еще недавно казавшиеся сплоченными и уверенными в своем будущем.

***

5. Идеальные дни / Perfect Days
реж. Вим Вендерс
Медитативный философский фильм об уборщике туалетов в Японии. Каждодневные ритуалы немногословного главного героя, поэзия повседневности, созерцательность и практически полное отсутствие классического сюжета. Нам предстоят приятные часы в компании мужчины, который научился радоваться простым вещам - и нас он тоже учит этому. Добрый и потому важный сегодня фильм, который вряд ли оставит вас равнодушным.

***

4. Убийца / The Killer
реж. Дэвид Финчер
Вдумчивый экшн-триллер Дэвида Финчера о рутинных буднях киллера, основанный на французском комиксе. Фассбендер воплотил на экране этакого молчаливого Хитмана: на первом месте у него скрытность, осторожность и профессионализм. У него нет суперспособностей как у типичного героя боевика, он может ошибаться или промахиваться, а в драке с амбалом получить люлей. При просмотре я как и всегда кайфовал от Финчеровской формы: монтаж, операторская работа и прочие визуальные приемы радуют. Но из-за упора на реализм в повествовании, одни начнут скучать на первых минутах, а другие начнут придираться к поступкам или мотивам персонажей. Поэтому нужно быть готовым к тому, что фильм не динамичен и ярок, как “Джон Уик”, а скорее холоден и расчетлив, как “Sicario”, однако и тут найдется пару сцен, которые порадуют любителей боёвки и перестрелок.

***

3. Все страхи Бо / Beau is afraid
реж. Ари Астер
Тот случай, когда автор заслужил и получил большую творческую свободу – и расширил границы своего уже проверенного хоррор-жанра. Фильм получился сумбурным и триповым, состоящим будто из разных кусков, но каждый из них впечатляет по-своему. На мой взгляд, получилось захватывающее и интересное зрелище, сравнимое с приключенческой притчей: путь героя захватывает и насыщен событиями, которые заставляют округлять глаза. Как минимум, интересно наблюдать за очередным перевоплощением Феникса в нерешительного нытика со странностями. К минусам можно отнести: неудавшийся баланс между юмором и триллером, затянутость отдельных сцен, и скажем прямо, местами некоторый кринж, к которому не все будут готовы. Можно назвать “Все страхи Бо” и лучшим, и худшим фильмом режиссера – смотря с какой стороны посмотреть. Поэтому оценивать сложно. Но учитывая смелость автора, который, кажется, выдал свой самый экспериментальный проект – все ему прощаю, и ставлю на один уровень с его предыдущими работами.

***

2. Бедные-несчастные / Poor Things
реж. Йоргос Лантимос
Великолепный в своем безумии фильм, в котором сошлись комедия, сюрреализм, гротеск, трагедия и антураж из смеси Викторианской эпохи и стим-панковского фэнтези. Лантимос продолжает экспериментировать с формой, доходя до небывалых высот - работа с костюмами, декорациями и необычными операторскими приемами порадуют любого киномана. А творческий тандем с Эммой Стоун показал, на что актриса способна – ей предстояло сыграть ребенка, подростка и зрелую женщину без всяких внешних изменений. Что касается сюжета, то большего всего описывает его фраза «Барби для взрослых», ведь здесь героиня проходит похожий путь самоопределения, но не в пластмассовом мире потребления, а в жестоком мужском мире.

***

1. Оппенгеймер / Oppenheimer
реж. Кристофер Нолан
Монументальный биографический фильм об одной из важнейших личностей в истории человечества, который еще и удачно попадает в нерв нашего времени, когда разговоры о ядерном апокалипсисе снова стали актуальными. Нолан в очередной раз сделал невыполнимое - снял перегруженный информацией разговорный фильм так, что смотреть не скучно. Ему уже удавалось сделать это в «Начале» и «Доводе», когда половину хронометража зрителю объясняют концепцию и правила мира, а тут мы с головой погружаемся в работу ученых, работавших над атомной бомбой. Невероятный Киллиан Мерфи, превосходная техническая составляющая и точно лучший саундтрек этого года - все, чтобы назвать этот фильм лучшим и остаться как значимая работа в культурном наследии.

***

Достойны упоминания:

• Наполеон
• Рептилии
• Стальная хватка
• Бескрайний бассейн
• Убийцы цветочной луны
• Маэстро
• Солтберн
• Американское чтиво

Спасибо за прочтение!

Источник: https://vk.com/@skalkino-top-10-filmov-2023

В российском прокате все еще гремит "Однажды в Голливуде" Квентина Тарантино, который отлично показал атмосферу конца 1960-х. По этому поводу мы вспоминаем другие современные фильмы про эпоху 60-х — время расцвета рок-музыки, французской новой волны, сексуальной революции, культуры хиппи и психоделической эстетики.

Пойдем по порядку годов, во время которых происходило действие.

_________________________

1960 год в фильмеРомовый дневник (2010)

Рейтинг: КП 6,5 / IMDb 6,2

Жанр: драма, комедия, приключения

В ролях: Джонни Депп, Аарон Экхарт, Эмбер Хёрд, Джованни Рибизи, Ричард Дженкинс и др.

Талантливый журналист Пол Кэмп, которого достала лживая глянцевая жизнь Нью-Йорка, бросает работу в престижном издании и уезжает в Пуэрто-Рико, где ром льется рекой, где дешево все — машины, яхты, девушки, здесь саму жизнь продают за копейки… Здесь много юмора и красот: пейзажи, красивые женщины и их наряды, а также много ретро-автомобилей. Фильм снят по мотивам одноименного романа Хантера С. Томпсона, автора "Страх и ненависть в Лас-Вегасе", в котором главного героя тоже сыграл Депп.

* Материалы по теме: "10 ярких киноперсонажей: Пьяницы в кино"

Сам фильм не шедевр, но его делают яркие актерские работы, жаркая атмосфера Пуэрто-Рико 60-х и обворожительная красота Эмбер Херд.

_________________________

1961 – Воспитание чувств (2008)

Рейтинг: КП 7,4 / IMDb 7,3

Жанр: драма

В ролях: Кэри Маллиган, Питер Сарсгаард, Доминик Купер, Розамунд Пайк и др.

Дженни 16 лет, она способная ученица, талантливая виолончелистка и просто хорошая девочка. Она мечтает об образовании, и конкретно об Оксфорде. На дворе начало 60-х, а Дженни живет в сонной и скучной провинции. Оксфорд — ее шанс. И тут Дженни знакомится с обаятельным красавцем Дэвидом, который вдвое ее старше, но зато водит спортивную машину, носит модную одежду, знает о джазе, арт-аукционах и закрытых клубах, уикендах в Париже и прочих шикарных вещах. После этого Оксфорд перестает казаться Дженни обязательным пунктом программы.

* Номинации на Оскар-2010: Лучший фильм, Лучшая женская роль, Лучший адаптированный сценарий.

Размеренная британская драма, которую смотреть приятно из-за образов и отлично воссозданной атмосферы начала шестидесятых.

_________________________

1962 –  Одинокий мужчина / A Single Man (2009)

Рейтинг: КП 7,8 / IMDb 7,6

Жанр: драма, мелодрама, ЛГБТ-тема

Режиссер: Том Форд ("Под покровом ночи")

В ролях: Колин Фёрт, Джулианна Мур, Николас Холт, Мэттью Гуд, Джон Кортахарена и др.

Перенесемся в Лос-Анджелес 1962 года. Профессор английской литературы Джордж отводит себе один день для ответа на вопрос, есть ли у него будущее после внезапной смерти любовника Джима, с которым он прожил 16 лет. В рассыпающемся на части мире Джордж ищет утешения у давней подруги Шарлотты, пытается зацепиться за красоту окружающей реальности, чтобы заново открыть смысл жизни.

Неимоверно красивое, на грани вычурности, кино с массой световых и цветовых заморочек, обрабатывающих кадры в угоду затейливого взгляда его создателей, представляя их в цепи открыточно-журнальных планов и этикеточных композиций, легко создающих ощущение времен ушедших годов, как набор старья в магазине подержанных вещей. Разнообразные фильтры и сепии, фиксированные композиции и статичные сцены, модельные лица, крупные, разглядывающие планы, типичные позы и ракурсы напоминают яркие обложки и рекламные плакаты далёких лет - знаки прошлого, между которыми прочно укладываются воспоминания главного героя и самое дорогое ему фото того, с кем была связана, как ему кажется, уж прожитая жизнь.

_________________________

1963 – Парклэнд (2013)

Рейтинг: КП 5,9 / IMDb 6,4

Жанр: драма, история, триллер

В ролях: Зак Эфрон, Билли Боб Торнтон, Пол Джаматти, Дэвид Харбор, Колин Хэнкс и др.

Что произошло в 1963? Для американской культуры это в первую очередь убийство президента Кеннеди. Одним из самых серьезных фильмов на эту тему является "Парклэнд". Что стало поводом к убийству президента? Как это произошло? Одна из версий громких и неразгаданных преступлений XX века, в которой большое внимание уделено деталям.

Картина намеренно уходит в сторону от самого события (например, в заглавие вынесено название госпиталя, куда отвезли тело президента, а затем и тело его предполагаемого убийцы Харви Ли Освальда) и рассказывает о том, что происходило после убийства и вокруг него, причем обо всем сразу. Дебютировавший в режиссуре бывший журналист Питер Ландесман стилизовал фильм под документ: этот подход даже позволил ему принять участие в конкурсе Венецианского фестиваля, правда, жюри и критики попытку не оценили.

_________________________

1965 – Я соблазнила Энди Уорхола / Factory Girl (2006)

Рейтинг: КП 7,4 / IMDb 6,4

Жанр: драма, биография

В ролях: Сиенна Миллер, Гай Пирс, Хейден Кристенсен, Джимми Фэллон, Мена Сувари и др.

Энди Уорхол — художник и режиссер, превративший банку томатного супа в фетиш 20-го века. Фильм повествует об этом короле богемной тусовки 60-х и основателе известного в Нью-Йорке глэм-клуба «Фабрика». Для Уорхола «Фабрика» была своего рода игрой: кто выдержит, а кто сломается? Там же Уорхол познакомился со своей музой — Иди Седжвик. Иди была частью его души, пока не влюбилась в еще одну икону того времени — Боба Дилана…

Калейдоскоп людей, пестрые краски, необычные ракурсы, оригинальный монтаж — фильм, аккомпанементом которому служат шедевры музыкальной индустрии тех лет, смотрится на одном дыхании. Зрителя подкупает филигранная картинка 60-х, с их легендарными группами, развитием поп-арта, богемными тусовками, экспрессивной модой, наркотиками, беспорядочным сексом, вечеринками и многим другим. И пусть это только часть огромной общественной жизни, стереотипная и оттого больше всего заимствованная, необычное ощущение от соприкосновения с целой эпохой не покидает на протяжении всего просмотра.

_________________________

1966 – Рок-волна / The Boat That Rocked  (2009)

Рейтинг: КП 7,9 / IMDb 7,4

Жанр: драма, комедия, музыка

Режиссер: Ричард Кёртис ("Бойфренд из будущего", "Реальная любовь")

В ролях: Том Стёрридж, Билл Найи, Филип Сеймур Хоффман, Рис Иванс, Ник Фрост, Кеннет Брана, Джек Девенпорт, Талула Райли, Крис О’Дауд, Риз Дэрби и др.

История о диджеях британского пиратского радиошоу 60-х. Сюжет фильма рассказывает правдивую историю британской пиратской радиостанции, которая вещала с корабля в северном море. Такие радиостанции, вещавшие с нейтральных вод, вдоль побережья Британии, внесли огромнейший вклад в популяризацию британской рок-музыки в 60-е годы. Секс, алкоголь и много-много рок-н-ролла обеспечено на протяжении всего фильма.

Отличительные черты рок-н-ролла — это чёткий ритм, быстрый темп, раскованность исполнения. Все это отлично описывает эту британскую комедию. А еще тут потрясный саундтрек, целая куча колоритных персонажей, которых сыграли хорошие актеры, и отличный юмор. Добавьте к этому отличные голоса дубляжа с радио "Маяк", особенно Романа Трахтенберга, и получите невероятно душевных и смешных персонажей. (из отзыва)

_________________________

1966 – Джими Хендрикс / Jimi: All Is by My Side (2013)

Рейтинг: КП 5,9 / IMDb 5,7

Жанр: драма, биография, музыка

В ролях: Андре Бенджамин, Хейли Этвелл, Имоджен Путс, Рут Негга и др.

Неизвестный музыкант Джими Хендрикс со своей группой выступает в одном из клубов Нью-Йорка. Линда Кит, подружка Кита Ричардса из Rolling Stones, покорена его талантом. Она страстно влюбляется в Джими и дарит ему билет в мир большой музыки и всемирной славы.

Довольно красочная биографическая лента о Джими Хендриксе, которую я советую взять на заметку любителям его музыки, а также любителей жанра биографии известных личностей. Хорошая история, с качественной игрой актеров и отличной работой оператора, но к сожалению не без грехов – если бы добавили музыку Джими, то это был бы совсем другой разговор.

_________________________

1967 – Молодой Годар / Le Redoutable (2017)

Рейтинг: КП / IMDb

Жанр: драма, мелодрама, комедия, биография

Режиссер: Мишель Хазанавичус

В ролях: Луи Гаррель, Стэйси Мартин, Беренис Бежо и др.

Перенесемся в Париж. Жан-Люк Годар — лидер «новой волны», режиссёр, изменивший язык кино, снимает «Китаянку». Он безумно влюблён в исполнительницу главной роли, актрису Анн Вяземски, которая моложе его на 20 лет. Они счастливы и сочетаются законным браком. Последовавший за этим скандальный приём фильма и вспыхнувший в мае 68 года молодёжный бунт увлекают бескомпромиссного гения в пучину революции…

Фильм делает игра Луи Гарреля – он показал культового режиссера эксцентричным, странным и немного смешным. Так же хочется выделить красавицу Стэйси Мартин, которой невероятно идет стиль 60-х, ну и реалистичные сцены митингов, напоминающие еще один фильм про Париж конца 60-х – "Мечтатели" с тем же Гаррелем.

_________________________

1968 – Через Вселенную (2007)

Рейтинг: КП 7,8 / IMDb 7,4

Жанр: мюзикл, фэнтези, драма, мелодрама, история, музыка

В ролях: Эван Рэйчел Вуд, Джим Стёрджесс, Джо Андерсон, Боно и др.

История любви Джуда и Люси, которые встретились и полюбили друг друга в Америке. Отсюда и последствия: герои не остаются безучастными ни к экспериментам над сознанием, ни к политике, ни к войне во Вьетнаме. Бурное время затягивает их жизни в настоящий водоворот общественных событий. Фильм сопровождается песнями «Битлз», которые, так или иначе, иллюстрируют все происходящее на экране. Паре предстоит многое пережить, чтобы в конце-концов убедиться в одной непреложной истине: «All you need is love».

Прекрасный мьюзикл, полностью построенный на песнях Битлз, романтизирующий культуру хиппи и имеющий яркий антивоенный посыл.

_________________________

1969 – Штурмуя Вудсток (2009)

Рейтинг: КП 6,5 / IMDb 6,7

Жанр: драма, комедия, биография, музыка

Режиссер: Энг Ли ("Жизнь Пи", "Горбатая гора", "Халк" 2003)

В ролях: Деметри Мартин, Эмиль Хирш, Пол Дано и др.

Главный герой фильма — успешный дизайнер интерьеров — однажды оказывается вынужден вернуться домой в американское захолустье и заняться семейным бизнесом. Но летом 1969 года он уже не жалеет об этом, ибо отдает свой мотель под базу для организации Вудстока.

Вудсток в этой картине - не главный герой, это всего лишь декорации для истории, очень милой, жизненной и в то же время фантастической (у вас когда нибудь был миллион гостей одновременно?), трогательной и оптимистичной, Вудсток - это квинтэссенция протеста, лейтмотив эпохи, который стал фоном для истории простого парня. Этим фоном могла стать война, реформы, шпионский детектив, но стал трехдневный фестиваль музыки и мира и, естественно не случайно. Ничего не бойся, будь свободен, а музыка и мир (как любовь ко всему сущему) сделают твои мечты реальностью. Именно вот так я поняла этот фильм, и мудрая и просветленная после просмотра отхожу ко сну.

_________________________

Достойны упоминания:

- Гагарин. Первый в космосе

- Зеленая книга

- Мечтатели

- Дорз

- Люди в черном 3

- Зодиак

- Игры разума

- Человек на Луне

- Спасти мистера Бэнкса

- Внутри Льюина Дэвиса

- Форрест Гамп

- Хичкок

- Без изъяна

_________________________

А какие еще современные фильмы про эпоху 60-х вспомнились вам? Пишите в комментах :)

Источники:

https://www.wonderzine.com/wonderzine/entertainment/movies/1...

https://rockcult.ru/po/films-about-60s-music/

https://www.kinopoisk.ru/user/1479/comment/782897/

https://www.kinopoisk.ru/user/619326/comment/758338/

https://www.kinopoisk.ru/user/133008/comment/766067/

https://www.kinopoisk.ru/user/9380/comment/292286/

https://www.kinopoisk.ru/user/3590168/comment/2111155/

Источник: https://www.reddit.com/r/Popular_Science_Ru/

Всем привет! Сегодня мы наконец-то объявляем первую часть победителей киноопроса «Золотая печенька»! В этом году в опросе участвовало около 4500 человек! Результаты были как предсказуемые, так и не самые очевидные. Одним постом всех не уместить, поэтому смотрим первых 16 победителей: фильмы по жанрам, сериалы и киноперсонажи. Поехали!

Под каждой номинацией будут указаны первая тройка победителей и количество голосов в %. А заодно в некоторых подходящих категориях сравним результат с выбором критиков (кто победил в схожей номинации на Оскаре, Золотом глобусе и др.) и с выбором редакции (адмодеров Все о кино, кроме пунктов, где наши мнения слишком разделились).

____________________________________

ФИЛЬМЫ ПО ЖАНРАМ

____________________________________

Лучший супергеройский фильм

На супергероику этот год был не богат, поэтому мы добавили пару мультфильмов на эту тему. Но все равно вперед вырвалась "Чудо-женщина: 1984". 28% выбрали "пропустить".

1. Чудо-женщина: 1984 - 16%

2. Тёмная Лига справедливости: Война Апоколипса - 12%

3. Бессмертная гвардия - 9%

Х Выбор редакции: Тёмная Лига справедливости: Война Апоколипса.

_________________________________

Лучший семейный фильм или мультфильм

Мультфильм "Душа" покорил сердца как зрителей, так и критиков – он набрал аж 37% голосов. Ну а мы больше топим за "Легенды о волках", который попал лишь на 3-е место.

1. Душа - 37%

2. Вперед - 11%

3. Легенды о волках - 9,8%

БЛИЗКО: Зов предков - 9,6%

Х Выбор редакции: Легенды о волках
✔ Выбор критиков: "Душа" (Оскар)

_________________________________

Лучшая комедия

Тут побеждают "Джентльмены" с огромным отрывом, набрав больше половины голосов. Мы с таким выбором согласны: фильм Гая Ричи порадовал юмором и колоритными персонажами.

1. Джентльмены - 53%

2. Зависнуть в Палм-Спрингс - 13%

3. Пушки Акимбо - 8%

БЛИЗКО: Еще по одной - 7,2%

✔ Выбор редакции: Джентльмены
Х Выбор критиков: Борат 2

_________________________________

Лучшая мелодрама

В этой категории традиционно большинство выбрали "пропустить". Да, этот жанр не особенно популярен, но из тех что не пропустили – выбрали "Эмму." – экранизации романа Джейн Остин с Аней Тейлор-Джой в главной роли.

1. Эмма. - 9,3%

2. Пара на праздники - 9,2%

3. Прекрасная эпоха - 7%

_________________________________

Лучший боевик

Победа "Довода" Кристофера Нолана, который удивлял изобретательным экшеном. Серебро забирает "Тайлер Рейк", в пользу которого проголосовали большинство из наших адмодеров сообщества.

1. Довод - 33%

2. Тайлер Рейк: Операция по спасению - 17%

3. Пушки Акимбо - 10%

✔ Выбор редакции: Тайлер Рейк: Операция по спасению

_________________________________

Лучшая драма

Датский фильм "Еще по одной" с Мадсом Миккельсеном – беспрекословный лидер по количеству голосов, что вполне заслуженно. Мнение редакции же склоняется в пользу "Отца", который занял второе место.

1. Еще по одной - 26%

2. Отец - 13%

3. Темные воды - 8%

Х Выбор редакции: Отец

_________________________________

Лучший криминальный триллер или детектив

Побеждает "Дьявол всегда здесь", мрачный триллер о жизни в глубинке в США с крутым актерским составом. Второе и третье место занимают "Аферистка" и "Побег из Претории", между которыми минимальная разница – всего 14 голосов в пользу "Аферистки".

1. Дьявол всегда здесь - 17%

2. Аферистка - 13,4%

3. Побег из Претории - 13%

Х Выбор редакции: Офицер и шпион.

_________________________________

Лучшая фантастика или фэнтези

Тут мы оказались полностью на стороне пользователей: у "Довода" по части креативности просто нет конкурентов в фантастическом жанре в этом году. Тем не менее, 11% проголосовали за "Зависнуть в Палм-Спрингс" и 6% – за "Человека-невидимку".

1. Довод - 49%

2. Зависнуть в Палм-Спрингс - 11%

3. Человек-невидимка - 6%

✔ Выбор редакции: Довод

_________________________________

Лучший психологический триллер или фильм ужасов

Выбор опрошенных упал на "Платформу" – психологический триллер с социальным подтекстом. Фильм не оценили критики и он не получил никаких крупных наград, поэтому надеемся, что "Золотая печенька" порадует создателей, ха-ха.

1. Платформа - 31%

2. Человек-невидимка - 10%

3. Взаперти - 7%

_________________________________

Лучший арт-хаус или нестандартное кино

Одну из самых неожиданных побед одерживает российский арт-хаус "Человек из Подольска" (кто еще не смотрел, зацените эту сатиру на жизнь в России). Это единственная жанровая категория под разделом "дополнительные", кино ведь не для всех – так и вышло, аж 67% выбрали "пропустить". Ну а мы топим за "Думаю, как все закончить", но и эту победу признаем достойной.

1. Человек из Подольска - 8%

2. В чужой шкуре - 6%

3. Думаю, как все закончить - 5%

Х Выбор редакции: Думаю, как все закончить

_________________________________

ПЕРСОНАЖИ ФИЛЬМОВ

_________________________________

Самый привлекательный/крутой персонаж

Галь Гадот в роли Чудо-женщины побеждает безоговорочно, и мы с этим согласны. Эта победа интересна тем, что 3 года назад, на самой первой Золотой печеньке Галя уже выигрывала в этой номинации с первой частью "Чудо-женщины"! Что тут сказать, она украшает фильм и круто смотрится в этом образе, и может когда-нибудь попадет сюда еще.

1. Чудо-женщина (Галь Гадот, "Чудо-женщина: 1984") - 28%

2. Харли Куинн (Марго Робби, "Хищные птицы...") - 17%

3. Энди (Шарлиз Терон, "Бессмертная гвардия") - 9%

✔ Выбор редакции: Чудо-женщина

_________________________________

Самый привлекательный/крутой мужской персонаж

Пожалуй, трудно назвать еще одного такого перса, которого столько цитировали и восхищались его стилем в этом году. Тренер в исполнении Колина Фаррелла из "Джентльменов" понравился как мальчикам, так и девочкам. Поздравляем Коляна и сёрфим али-экспресс в поисках крутого тренерского костюма! Вторая победа "Джентльменов" после комедийной категории.

1. Тренер (Колин Фаррелл, "Джентльмены") - 51%

2. Мартин (Мадс Миккельсен, "Еще по одной") - 15%

3. Тайлер Рейк (Крис Хэмсворт, "Тайлер Рейк...") - 12%

✔  Выбор редакции: Тренер

_________________________________

Лучший кинозлодей

Да-да-да, многие спорили, что этого персонажа не назовешь полноценным злодеем. Но чего не отнять у Хью Гранта в роли Флэтчера из тех же "Джентльменов" – это яркая харизма, светящаяся хитростью и цинизмом. Ну чем не антагонист? Уже третья награда уходит "Джентльменам". В первую тройку так же попали русский олигарх из "Довод" (Кеннет Брана) и пухленький озверевший Рассел Кроу из "Неистового". Буквально чуть-чуть не хватило Роберту Паттинсону и его злодейской роли из "Дьявол всегда здесь", ну, в другой раз, Кабачок.

1. Флетчер (Хью Грант, "Джентльмены") - 31%

2. Андрей Сатор (Кеннет Брана, "Довод") - 18%

3. Том Купер (Рассел Кроу, "Неистовый") - 12,6%

Близко: Отец Прэстон (Роберт Паттинсон, "Дьявол всегда здесь") - 12%

✔ Выбор редакции: Флетчер (Хью Грант, «Джентльмены»).

_________________________________

Самый забавный/смешной персонаж

Это довольно странно, но Тренер из "Джентльменов" становится не только самым крутым, но и самым забавным киноперсонажем этого года по версии опроса. Мы разводим руками, как можно внушать мужественность и смешить одновременно, но Колину Фарреллу кажется это удалось. Серебро уходит Энди Сэмберг из "Зависнуть в Палм-Спрингс", а бронза – Дэниэлу Рэдклиффу из «Пушек Акимбо» (и где-то рядом печально смотрит Борат).

1. Тренер (Колин Фаррелл, "Джентльмены") - 41%

2. Найлс (Энди Сэмберг, "Зависнуть в Палм-Спрингс") - 13%

3. Дэниэл Рэдклифф («Пушки Акимбо») - 12,4%

Близко: Борат (Саша Барон Коэн, "Борат 2") - 11,9%

✔ Выбор редакции: Тренер (Колин Фаррелл, "Джентльмены").

_________________________________

Лучший экранный дуэт

Эта категория придумана, чтобы выделить отличных персонажей и их взаимодействие друг с другом, в расчете на более разнообразных победителей. Но тут – снова "Джентльмены", на этот раз ловкий предприниматель, сыгранный Мэттью Макконахи и его педантичный помощник в исполнении Чарли Ханнэма. Парочка, надо сказать получилась мощная, хотя и мало появлялась на экране вместе. Это уже пятая победа фильма Гая Ричи и почти полное его господство в разделе Киноперсонажей.

1. Мэттью Макконахи и Чарли Ханнэм ("Джентльмены") - 50%

2. Джон Вашингтон и Роберт Паттинсон ("Довод") - 13,3%

3. Уилл Смит и Мартин Лоуренс ("Плохие парни навсегда") - 13,1%

✔ Выбор редакции: Макконахи и Ханнэм («Джентльмены»)

_________________________________

СЕРИАЛЫ

_________________________________

Лучший новый сериал

Первое место занимает мини-сериал о шахматистке с Аней-Тэйлор Джой. Заметили, что она у нас и в мелодрамах и в сериалах в победителях? Отдаем должное актрисе с инопланетной внешностью, ну и конечно качеству фильма, который вернул многим интерес к шахматам. "

Ход королевы

" побеждает с большим отрывом, оставив где-то далеко "Перевал Дятлова" и "Дивный новый мир".

1. Ход королевы (мини-сериал) - 43%

2. Перевал Дятлова - 7%

3. Дивный новый мир - 5,3%

Близко: Разрабы (мини-сериал) - 4,9%

✔ Выбор редакции: Ход королевы
✔ Выбор критиков: Ход королевы (лучший телефильм или мини-сериал, "Золотой глобус")

_________________________________

Лучшее продолжение сериала

Тут было не все так однозначно: борьба развернулась между "Пацанами" и "Мандалорцем". Однако сериал о команде, борящейся с произволом супергеров, все же вырвался вперед. Третье место занял немецкий фантастический сериал "Тьма" с его финальным сезоном.

1. Пацаны (2 сезон) - 30%

2. Мандалорец (2 сезон) - 24%

3. Тьма (3 сезон) - 8%

✔ Выбор редакции: Пацаны
Х Выбор критиков: Корона

_________________________________

На этом пока все! Ближайшие дни выложим вторую часть результатов.

Там будут Технические категории, Киноперсоны года и главные номинации: Разочарование года, Лучший русскоязычный фильм и Лучший фильм!

Как вам первая часть итогов? Какие ставки делаете на финальную часть?

Хотя каждое десятилетие выпускает потрясающие анимационные фильмы , 90-е годы во многом стали временем наибольшего влияния на этот жанр. Студия анимации Уолта Диснея переживала эпоху своего культового возрождения , покадровая анимация подарила миру несколько легендарных релизов, а компьютерная анимация стала настоящим хитом.

В разных странах мира также вышло несколько потрясающих анимационных фильмов. Все они были великолепны сами по себе, но также сыграли важную роль в формировании жанра на десятилетия вперёд. Каждый год появлялось несколько отличных фильмов, но лишь один из них можно считать лучшим.

1990: Спасатели в Австралии

Бернард и мисс Бьянка едут в машине из фильма «Спасатели в Австралии».

90-е годы не стали самым успешным началом для анимационных фильмов. Вышли спин-оффы популярных сериалов, таких как «Джетсоны», «Утиные истории» и «Чудеса на виражах» , а также несколько фильмов серии Dragon Ball Z, но если говорить о крупных релизах, вышедших в кинотеатрах, то выделяется лишь один.

«Спасатели в Австралии» — продолжение фильма 1977 года «Спасатели» . Это стало историческим событием, поскольку до этого момента Disney не выпускала продолжений своих известных фильмов. Популярность оригинального фильма в 80-х годах способствовала этому, и «Спасатели в Австралии» стали очередным успехом.

Фильм снова рассказывает о героических мышах-агентах Мисс Бьянка и Бернарде, которые отправляются в Австралию, чтобы спасти ребёнка от жестокого браконьера, похитившего орла. Фильм имеет рейтинг 85% на Rotten Tomatoes и стал первым полнометражным фильмом, полностью созданным с помощью цифровых технологий .

1991: Красавица и чудовище

Белль выглядит шокированной, прикрыв рот руками в «Красавице и чудовище»

Изображение предоставлено Walt Disney Studios Motion Pictures

1991 год был более успешным для анимационных фильмов, чем 1990-й, хотя и не достиг пика своего развития. Помимо «Красавицы и чудовища», наиболее заметными релизами стали «Пятёрка едет на Запад: Американская история» и недооценённый японский фильм « Ещё вчера» .

Однако превзойти «Красавицу и Чудовище» практически невозможно . Легендарная экранизация культовой сказки до сих пор упоминается многими при обсуждении величайших анимационных фильмов всех времён, и это вполне заслуженно, учитывая её историческую номинацию на премию «Оскар» в категории «Лучший фильм».

«Красавица и чудовище» – это впечатляющая анимация, трогательная романтическая история и фильм, получивший премии «Оскар» за лучшую оригинальную музыку и лучшую песню. Эта история была пересказана множество раз и по- разному, но версия 1991 года, безусловно, лучшая.

1992: Аладдин

Аладдин 1992 Аладдин в роли принца Али разговаривает с Жасмин

1992 год – это время, когда 90-е стали поистине фантастической эпохой для анимации. «Долина папоротников» – недооценённая жемчужина той эпохи, спин-офф «Мультяшек» был хорошо принят, а «Порко Россо» открыл миру великого Хаяо Миядзаки.

Однако полоса успеха студии Walt Disney Animation продолжилась с выходом мультфильма «Аладдин» . «Аладдин» , рассказывающий историю уличного мальчишки, которому джинн помогает произвести впечатление на принцессу, в которую он влюблён, стал настоящим хитом.

Фильм собрал в прокате более 500 миллионов долларов и получил ещё два «Оскара» для Disney за лучшую оригинальную музыку и лучшую песню . Стиль анимации потрясающий, сценарий сильный, а музыка неотразима, что делает его одним из лучших саундтреков Disney, что заслуживает высокой похвалы.

1993: Кошмар перед Рождеством

Джек Скеллингтон и Салли в «Кошмаре перед Рождеством»

Изображение предоставлено Disney

Впервые в 90-х годах студия Walt Disney Animation Studios не выпустила ни одного фильма в 1993 году. Это открыло дорогу другим, в том числе сильным фильмам We're Back, Ocean Waves и одному из лучших фильмов о Бэтмене, Batman: Mask of the Phantasm .

Лучший анимационный фильм 1993 года — «Кошмар перед Рождеством» , фильм, который до сих пор пересматривают ежегодно на Хэллоуин и Рождество . Кроме того, он стал настоящим прорывом в области покадровой анимации.

«Кошмар перед Рождеством» рассказывает историю короля Хэллоуина Джека Скеллингтона, который попадает в Рождественский городок и влюбляется в этот праздник. Фильм настолько популярен, что по нему появились книги, комиксы, игрушки и многое другое, а рейтинг на Rotten Tomatoes составляет 95%.

1994: Король Лев

Хакуна Матата в «Короле льве»

Независимо от жанра, 1994 год стал одним из величайших в истории кино благодаря «Форресту Гампу», «Побегу из Шоушенка», «Криминальному чтиву» и другим фильмам. Хотя в тот год вышло не так много крупных анимационных релизов, «Король Лев» остаётся, пожалуй, лучшим фильмом 1994 года.

«Король Лев» — самый успешный фильм Disney, созданный по оригинальной истории после многих лет адаптации сказок и народных сказок . Фильм собрал в прокате почти миллиард долларов, был экранизирован на Бродвее, породил множество сиквелов и ремейк 2019 года, кассовые сборы которого превысили миллиард долларов.

История Симбы, от его детства, до становления полноправным наследником своей родины, захватывает дух. В «Короле Льве» вас ждет потрясающая музыка, один из величайших злодеев Диснея и невероятно трогательная сцена, которая запомнится детям на долгие годы.

1995: История игрушек

Вуди смеётся над Баззом Лайтером в «Истории игрушек»

Можно утверждать, что 1995 год был лучшим годом для анимационных фильмов 90-х. «Призрак в доспехах» был новаторским, «Юродивый мультик» остаётся самым недооценённым фильмом Disney, «Шёпот сердца» великолепен, а «Балто» действительно хорош — и это лишь некоторые из них.

Несмотря на жёсткую конкуренцию, нельзя отрицать, какое значение «История игрушек» имела для Голливуда . Этот фильм ознаменовал дебют Pixar в полнометражном кино и вошёл в историю как первый в истории фильм, полностью созданный с помощью компьютерной анимации. Без неё анимационные фильмы, вероятно, не выглядели бы так, как сегодня.

«История игрушек» имела колоссальный успех, получив редкий рейтинг 100% на Rotten Tomatoes и собрав 400 миллионов долларов . Сосредоточение внимания на игрушках позволило аниматорам добиться потрясающего вида фильма, что положило начало франшизе, которая продолжается и по сей день. Многие считают первые три части величайшей трилогией всех времён, независимо от жанра.

1996: Джеймс и гигантский персик

Джеймс и гигантский персик с мистером Кузнечиком и мистером Сороконожкой в ​​фильме 1996 года

В 1996 году вышло несколько анимационных фильмов, которые выделялись на фоне остальных. Для традиционных фанатов был выпущен диснеевский «Собор Парижской Богоматери», а также любимый всеми «Космический джем» , в котором герои «Луни Тюнз» смешивались с игроками НБА, такими как Майкл Джордан. Был даже «Бивис и Баттхед уделывают Америку» , воспользовавшийся популярностью этого мультфильма.

Примечательно, что именно Генри Селик снял свой второй анимационный фильм, ставший лучшим в 90-х. «Джеймс и гигантский персик», созданный в том же визуальном стиле, что и «Кошмар перед Рождеством» , — это великолепная экранизация романа Роальда Даля .

Фильм «Джеймс и гигантский персик» начинается с игрового кино, а затем переходит к покадровой анимации, где Джеймс отправляется в путешествие с различными насекомыми на гигантском персике. Фильм был номинирован на семь премий «Энни» и имеет рейтинг 91% на Rotten Tomatoes.

1997: Принцесса Мононоке

Сан высасывает яд из раны своей матери Моро и выплевывает его, глядя на Ашитаку в «Принцессе Мононоке».

«Геркулес» студии Disney стал самым громким анимационным хитом 1997 года, и хотя он претендует на звание лучшего мультфильма года, ему пришлось столкнуться с серьёзной конкуренцией. «Анастасия» недооценена, но лучшие анимационные фильмы того года были созданы в Японии. «Конец Евангелиона» и «Идеальная грусть» — потрясающие фильмы, которые победили бы в большинстве лет.

Тем не менее, с «Принцессой Мононоке» сложно конкурировать . Ещё один фантастический фильм Хаяо Миядзаки и великолепной студии Ghibli , «Принцесса Мононоке» , претендует на звание лучшей работы, что само по себе о многом говорит.

Фильм рассказывает историю принца, который должен разрешить конфликт между леди Эбоси и девушкой, воспитанной волками, а также между лесом богов и Железным городом. «Принцесса Мононоке» — фильм, который обязательно стоит посмотреть, и его наследие до сих пор живо и актуально даже спустя почти 30 лет.

1998: Мулан

Мулан со счастливым сверчком в «Мулан 2»

1998 год был интересным годом для анимационных фильмов, включая выход «Муравей Антц» и «Приключения Флика» — двух хорошо принятых фильмов со схожим сюжетом. Также вышли «Принц Египта», «Покемон: Первый фильм» и «Ох уж эти детки в кино» .

Disney возвращает себе титул лучшего анимационного фильма 1998 года благодаря «Мулан» . Фильм рассказывает историю главной героини Мулан, которая переодевается в мужчину, чтобы сражаться на войне, спасаясь от смерти своего престарелого отца.

«Мулан» хвалили за то, как он раскрыл гендерную тематику и создал одну из лучших принцесс Disney . Фильм также может похвастаться потрясающим саундтреком, включая великолепные песни «I'll Make a Man Out of You» и «Reflection». Ремейк 2020 года получил больше экшена, но ему не хватило очарования этой классики.

1999: Железный гигант

Железный гигант с Хогартом, которого держит робот

90-е закончились с большим успехом для анимационных фильмов. «Покемон в кино» (2000) стал хитом, «Южный Парк: Большой, длинный и необрезанный» — великолепным, но неожиданным мюзиклом, а «Тарзан» стал ещё одним успехом анимационной студии Disney.

Тем не менее, в этом году выбор был ограничен двумя вариантами, и хотя «История игрушек 2» — замечательное продолжение оригинала, «Стальной гигант» его немного превосходит. Режиссёром фильма выступил Брэд Бёрд, снявший такие классические фильмы, как «Рататуй» и «Суперсемейка», но «Стальной гигант» всё равно может стать его лучшей работой.

Действие фильма «Стальной гигант» разворачивается во времена Холодной войны и рассказывает историю о связи между мальчиком и инопланетным роботом. От впечатляющих визуальных эффектов до невероятно эмоционального сюжета, «Стальной гигант» впечатляет на каждом уровне и до сих пор заставляет зрителей плакать.

Источник: screenrant.com

Только к 1920-м годам, спустя почти 30 лет с момента появления кинематографа, как искусства в мире стали доступны такие базовые технологии, как ламповые усилители и высококачественные громкоговорители.

В следующие несколько лет началась гонка за разработку, внедрение и продажу нескольких конкурирующих звуковых форматов: «звука-на-пластинке (диске)» и «звука-на-плёнке». Между собой вели ожесточённую борьбу такие компании и соответствующие им изобретения звуковых систем, как Photokinema (1921), Phonofilm (1923), Vitaphone (1926), Fox Movietone ( 1927) и Photophone RCA (1928).

Звуковая система Vitaphone

В этот же промежуток времени, а именно к середине-концу 1920-х годов, были созданы киношедевры, оказавшие влияние не только на немой, но и на будущий звуковой кинематограф.

Такие картины, как например, «Броненосец Потёмкин» (1925) Эйзенштейна и «Мать» (1926)

Пудовкина стали произведениями, поневоле представшими своеобразным мостом между двумя эпохами. Попытки создать звуковой кинематограф начали восприниматься большинством кинодеятелей негативно, как прямая угроза киноискусству.

«Мать», реж. Всеволод Пудовкин, 1926 год

Очень многие закоренелые деятели кино и владельцы киностудий выступали против использования звука в фильмах. Не без оснований их пугала вероятность того, что всё, чем они жили долгие годы попросту исчезнет. Бытовало мнение, что появление звука нанесёт сокрушительный удар по интернациональности немого кинематографа.

Американские продюсеры боялись снижения доходов Голливуда в связи со снижением экспорта фильмов, а кинокритики и кинопроизводители в один голос предрекали падение художественного уровня звуковых картин.

Съёмочная группа 1920-е годы

В каком-то смысле всё именно так и произошло. Да, какое-то время «немые» фильмы существовали параллельно с «говорящими». Но время это, к сожалению для первых, продлилось не столь долго.

В 1928 году советские кинематографисты Всеволод Пудовкин, Сергей Эйзенштейн и Григорий Александров выступили со «Звуковой заявкой», предостерегая от злоупотребления звуком в кино.

Тем не менее, развитие технологий и появление первого коммерческого полноценного телефона в 1927 году наряду с нарастающей конкуренцией радиовещания, не сказать иначе — требовали и неумолимо приближали наступление эры звукового кинематографа.

Когда кино заговорило

Самым первым звуковым фильмом, вышедшим в широкий прокат, стала американская кинокартина «Певец джаза» (1927), снятая Аланом Крослендом. Впервые в истории на экранах зритель столкнулся с полностью синхронизированной записанной музыкальной партитурой, а также синхронным пением и озвучиванием некоторых реплик, записанных при помощи технологии Vitaphone и воспроизведённых на отдельной пластинке.

Именно эта картина считается произведением, положившим начало заката эпохи немого кинематографа.

Фрагмент из фильма «Певец джаза», реж. Алан Кросленд, 1927 год

Британский кинорежиссёр Джордж Пирсон очень интересно отозвался о картине, сидя на премьере.

Я сидел рядом с женой и я сказал ей: «Дорогая, ты знаешь, мы присутствуем при кончине немого кино»
Джорж Пирсон
Британский кинорежиссёр

Несмотря на ошеломительный успех «Певца джаза» (1927) преимущественное производство немых фильмов продолжалось ещё как минимум год. Звуковые фильмы стали преобладать на экранах США лишь с 1929 года.

Первым советским звуковым фильмом стала картина «Путёвка в жизнь» (1931) режиссёра Николая Экка. Одним из последних советских немых фильмов предстал «Космический рейс» (1935) Василия Журавлёва, сценарий которого был написан при участии самого Константина Циалковского.

Немые фильмы в СССР просуществовали несколько дольше, чем на Западе. Было ли это связано с распространением соответствующих технологий, нежеланием менять привычные в искусстве устои или обычная любовь к экранной тишине — сказать сложно.

«Космический рейс» — один из последних фильмов эпохи немого кино

Как было сказано выше по тексту, почти всегда показ немых фильмов сопровождался живой музыкой. Естественно, как только в этом не стало никакой нужды, сотни и тысячи музыкантов потеряли работу.

Да, некоторые могли остаться на студии, чтобы учувствовать в записи музыки к новому виду фильмов, но подобный подход не оказался панацеей. По крайней мере точно не для всех. Лишь единицы смогли сохранить свои места, оставив остальных на обочине кинопроизводства.

Один из ассистентов оператора того времени Питер Хопкинсон рассказывал.

Возле вокзала играл на скрипке приличного вида господин в хорошем, но поношенном костюме. На мостовой возле его ног лежала шляпа, в которую прохожие бросали монеты. На его груди висела табличка с надписью «Разорен говорящими фильмами»
Питер Хопкинсон
Ассистент оператора

После триумфального успеха «Певца джаза» (1927) многие киностудии задумались о выпуске своих звуковых фильмов. В 1929 году киностудия BIP решилась на довольно интересный эксперимент. Работая над картиной «Китти» режиссёр Виктор Сэввил после разговора с продюсерами решил переснять последнюю часть фильма, добавив в неё синхронизированный звук.

В кинотеатрах картина вышла, как немой фильм и все зрители шли на него, как на немой фильм. Однако каково было удивление всех присутствующих в зале, когда как гром среди ясного неба чудесным отзвуком на экране раздались голоса и титры сменились речью, раздававшейся не откуда-то из под сцены, а напрямую с экрана. Это был фурор.

На некоторых постерах всё же было упоминание того, что фильм «говорящий»

С появлением звукового кино вслед за музыкантами, на обочине кинопроизводства оказались и многие актёры, не имевшие хорошо поставленного голоса или говорившие с акцентом. Так, например, британская актриса Лилиан Хилл-Дэвис, имевшая проблемы с речью, покончила с собой, не справившись с переживаниями от потери работы.

В кинематографе Франции жертвами звукового кино в основном стали русские эмигранты. Кому-то, кто вообще не говорил по французски пришлось становиться либо гримёрами, либо художниками по костюмам, в лучшем случае для таких людей оставалось место помощника оператора. Кто из актёров говорил плохо, но всё же говорил, с ролей первого плана был вынужден переключиться на роли плана второго.

Что уж говорить, если даже многие актёры, родившиеся во Франции не могли сниматься в определенных ролях, потому что у них не было «настоящего парижского произношения».

В немом кино все эти люди были звёздами, ведь их никто не слышал.

Актриса Лилиан Хилл-Дэвис

На территории Европы первым фильмом с синхронизированной звуковой дорожкой стал «Атлантик» 1929 года, снятый Эвальдом Андре Дюпоном. Фильм, основанный на пьесе Эрнеста Реймонда «Скала», рассказывал трагическую историю гибели знаменитого Титаника.

В Берлине ленту считали на сто процентов произведённой в Германии и, как итог — первым немецким звуковым фильмом. Это было правдой лишь отчасти. Картина была снята на американской студии BIP, хоть и с немецкими актёрами и режиссёром.

«Атлантик», реж. Эвальд Андре Дюпон, 1929 год

Изначально американцы придерживались идеи с помощью звукового кино сделать английский язык международным — попытаться обучить людей по всему миру их родному языку, как этому учат только что родившихся младенцев. Европейцами эта идея была воспринята в штыки.

В связи с этим было принято решение снимать «Атлантик» на трёх языках. Именно снимать, а не просто озвучить. Для этого работать с Дюпоном был приглашён лучший американский кинооператор, выходец из Англии, Чарльз Рошер.

Более известные немецкая и английская версии фильма в корне отличались друг от друга. При работе с английскими актёрами Дюпон не ощущал той уверенности, с которой он подходил к работе со своими соотечественниками. Немецкая версия фильма получилась более серьёзной, тяжеловесной и художественно лучше выверенной. Пример немецкой режиссуры стал основополагающим для всего остального мира.

В Англии картина демонстрировалась на двух языках — немецком и английском. До съёмок картины на третьем языке дело так и не дошло

Постер английской версии фильма «Атлантик»

Постепенное внедрение звукового кино в постоянную практику стало вынуждать многих не американских кинодеятелей возвращаться из Голливуда на родину. В попытках сохранить свою профпригодность и нежелание расставаться с тем «прекрасным миром совершенного кино».

Постепенное внедрение звукового кино в постоянную практику стало вынуждать многих не американских кинодеятелей возвращаться из Голливуда на родину. В попытках сохранить свою профпригодность и нежелание расставаться с тем «прекрасным миром совершенного кино».
Альфред Хичкок
Британский кинорежиссёр

Действительно, нельзя отрицать того факта, что первые звуковые фильмы, как и предрекалось, продемонстрировали ощутимое снижение художественной ценности. В основном это происходило из-за сложности ранней звукозаписи и ограничений при монтаже фонограммы.

Скупость и несовершенство технологии синхронной съёмки первых нескольких десятилетий привело к преобладанию длинных диалоговых монтажных планов, немыслимых в немом кинематографе. Кино стало более вязким и затянутым. От былой бойкости прошлых лент не осталось и следа.

Более того, огромные размеры дополнительно появившегося звукозаписывающего оборудования и объёмы усовершенствованных кинокамер вынуждали намного чаще прибегать к съёмкам в павильоне с использованием специально изготавливаемых задних фонов, а не на натуре. Кино стало более плоским и менее выразительным.

В конце эпохи немого кино великие кинематографисты — практически все — достигли уровня, близкого к совершенству. Введение звука поставило их достижения под угрозу. Дело в том, что в тот период блестящее мастерство замечательных художников оттенило жалкое непотребство прочих, и люди малодостойные потихоньку вытеснялись из профессии. Теперь же с приходом звука серость благополучно вернулась на свои позиции.
Франсуа Ролан Трюффо
Французский кинорежиссёр, сценарист, актёр и критик

Художественная ценность кинокартин заметно снизилась, многие актёры и кинодеятели уходили из профессии, и не всегда по собственной воле. Зрители же скорее радовались приходу новых технологий, но и среди них оставалось очень много недоумевающих и недовольных людей. Казалось, что кинематограф, как направление в искусстве, умирает.

На самом деле, он не сколько умирал, сколько перерождался.

Примером этому неожиданно стали всё те же немецкие кинематографисты.

Эмилю Янингсу, завоевавшему в Голливуде «Оскар», пришлось вернуться в Германию из-за того, что он недостаточно хорошо говорил по-английски. По иронии судьбы, его пригласили в фильм «Голубой ангел» (1930) на роль учителя английского языка. Сам Янингус порекомендовал на пост режиссёра Джозефа фон Штернберга, который, в свою очередь, спустя долгие недели кастингов утвердил на главную роль тогда ещё начинающую актрису, как она сама про себя говорила — Марлен Дитрих.

Немецкая и английская версии «Голубого ангела» имели такой успех, что компания Universum Film AG впервые, после длительного периода, получила прибыль.

«Голубой ангел», реж. Джозеф фон Штернберг, 1930 год

Совершенно иная судьба оказалась у немецкой актрисы Лени Рифеншталь. С приходом звука в кино она не престала быть востребованной. Ещё больше укрепив свои позиции в качестве кинозвезды, она решила взяться за режиссуру. В её голове к тому времени уже очень давно сидела идея поставить фильм по горной легенде «Голубой свет».

Лени хотела снимать на натуре, на что продюсеры в один голос отвечали ей, что из-за громоздкого оборудования ничего не выйдет, а тот результат, который нужен режиссёру можно получить только в павильоне за очень больше деньги. Лени стояла на своём.

Через несколько дней ей пришла в голову идея — покрыть близлежащие к студии скалы искусственным туманом. Когда через туман проходил свет, он казался нереальным, как и должно было быть по сценарию.

Фильм стал сенсацией. Самое влиятельное киноиздание Германии того времени «Фильм-критик» писало: «Рядом с этой картиной меркнут все фильмы Голливуда».

«Голубой свет», реж. Лени Рифеншталь, Бела Балаж, 1932 год

В конечном итоге всё привело к тому, что в Европе все фильмы старались снимать, как минимум на двух, а то и трёх языках, чтобы хоть как-то поддерживать конкуренцию с картинами Голливуда.

На территории самого Голливуда, а точнее всех Соединённых Штатов в 1929 году случился «крах Уолл-стрит» — обвальное падение цен акций почти всех компаний США — который в итоге стал началом Великой депрессии.

Советский Союз ещё поддерживал жизнь немого кино, но скорее это было искусственное сохранение былого величия прошлых лент, которое также спустя какое-то время кануло в лету.

Протесты людей, связанные с обвальным падением акций на Уолл-стрит, США, 1929 год

Таким образом, серьёзные социальные и экономические потрясения, движение технического прогресса вперёд по всему миру, развитие человеческой мысли и банальное желание публики к всё более новым и не менее усовершенствованным зрелищам закономерно привели к истинному концу эпохи немного кинематографа.

Создавать то, что будет неинтересно зрителю, и за что он не будет готов отдать свои деньги — неизбежное банкротство.

Мир кинематографа вступил в совершенно новую эпоху. Эпоху звукового кино.

Наследие

Конечно, немые фильмы не переставали выходить и после завершения «золотого времени», как не перестают выходить и по сей день. Однако, как культурное явление, эпоха немого кино была завершена безоговорочно. Вновь выходящие «беззвучные» картины становились больше данью уважения, нежели продолжением ушедшего.

Тот же Чарли Чаплин ещё снимал немые фильмы, как это делал и Орсон Уэллс с «Современными временами» (1936) и «Слишком много Джонсона» (1938) соответственно. Людям, вышедшим из той эпохи было приятно придаться ностальгии по былому.

Чарли Чаплин и Полетт Годдар в фильме «Современные времена», реж. Чарльз Чаплин, 1936 год

На протяжении всего последующего столетия немые фильмы не переставали выходить, являясь то художественным экспериментом, то авторским реверансом к прошлому, то признанием в любви.

Например, в «Самозванцах» (1998) Стэнли Туччи есть вступительный немой эпизод в стиле ранних немых комедий. В телесериалах и фильмах о Мистере Бине, хотя и не совсем без звука, всегда использовалось характерное поведение главного героя для создания подобного эффекта, присущего юмору немого кинематографа.

Менее известным примером является фильм Жерома Савари «Дочь привратника» (1975) — дань уважения фильмам немой эпохи, в котором используются титры и сочетаются бравурная комедия, драма и откровенные сексуальные сцены, за которые в свою очередь фильму было отказано в прокатном сертификате.

Мистер Бин

Немецкий фильм «Тувалу» (1999) в основном немой. Небольшое количество диалогов — это странная смесь европейских языков, множащая универсальность фильма. Гай Мэддин получил награды за его дань уважения немым фильмам советской эпохи сначала сняв короткометражный фильм «Сердце мира», а затем разработав полнометражный немой фильм «Клеймо на мозг!» (2006).

«Тень вампира» (2000) — это художественное изображение съёмок классического немого фильма о вампирах Фридриха Вильгельма Мурнау «Носферату» (1922).

«Тень вампира», реж. Эдмунд Элиас Меридж, 2000 год

В некоторых фильмах по теме проводится прямой контраст между эпохой немого кино и эпохой звукового кино. «Бульвар Сансет» (1950) Блли Уайлдера показывает разрыв между двумя эпохами в персонаже Нормы Десмонд, которую играет звезда немого кино Глория Суонсон, а «Поющие под дождем» (1952) — это история о голливудских актрисах, которые приспосабливаются к появлению звука в кино.

Фильм Питера Богдановича «Никелодеон» 1976 года повествует о предпроизводственной голливудской суматохе эпохи немого кино в начале 1910-х годов, основанной на историях со съёмочной площадки «Рождения нации» (1915) Дэвида Уорка Гриффита.

«Никелодеон», реж. Питер Богданович, 1976 год

В 1999 году финский режиссер Аки Каурисмяки снял фильм «Юха» в чёрно-белом цвете, передав через него ощущения от просмотра фильма эпохи немого кино. Вместо диалогов в картине использовались интертитры. Для международного распространения ленты были выпущены специальные печатные издания с титрами на нескольких языках.

Анимационный фильм «Фантазия» 1940 года, представляющий собой восемь различных анимационных короткометражек, положенных на музыку, можно считать немым фильмом, в котором есть только одна короткая сцена, включающая диалог.

В шпионском фильме «Вор» (1952) есть музыка и звуковые эффекты, но нет диалогов, как в «Вазе свадебных платьев» Тьерри Зено 1974 года и фильме «Ангел» Патрика Бокановски 1982 года.

«Юха», реж. Аки Каурисмяки, 1999 год

В 2005 году Историческое общество Говарда Филлипса Лавкрафта выпустило немую версию рассказа писателя «Зов Ктулху». Этот фильм сохранил точный стиль съёмок и был принят как «лучшая адаптация Лавкрафта на сегодняшний день». Решение сделать картину «немой» оказалось максимально выигрышным.

Французский фильм «Артист» (2011) сценариста и режиссёра Мишеля Хазанавичуса представляет собой немой фильм, действие которого происходит в Голливуде в эпоху немого кино. Он также включает в себя фрагменты вымышленных немых фильмов с главными героями. Фильм завоевал «Оскар», как лучшая картина года.

«Артист», реж. Мишель Хазанавичус, 2011 год

Японский фильм о вампирах «Sanguivorous» (2011) не только снят в стиле немого кино, но даже гастролировал с живым оркестровым сопровождением. Американский гитарист Юджин Чадборн был среди тех, кто играл живую музыку для фильма.

К разговору о живой музыке, стоит упомянуть, что в нынешнее время американское театральное органное общество отдаёт дань уважения музыке немых фильмов, а также органам театра, которые были задействованы в показе тех или иных немых картин. Имея более 75-ти местных отделений, организация стремится сохранять и популяризировать театральные органы и музыку, как вид искусства.

Вурлитцер театр орган в Парамаунт Северо - Западного театра , в Сиэтле, штат Вашингтон. Театральные органы Wurlitzer обычно называют «Mighty Wurlitzer». Американское театральное органное общество

В 2012 году также был выпущен короткометражный фильм «Пикник», отсылающийся к стилистике ранних немых мелодрам и комедий. Картина стала частью выставки No Spectators: The Art of Burning Man 2018–2019 годов, куратором которой был Смитсоновский музей американского искусства.

Фильм демонстрировался в миниатюрном 12-местном кинотеатре под названием The Capitol Theater, выполненном в стиле ар-деко и расположенном на автомобильных покрышках. Оформление кинотеатра было подготовлено художественным коллективом Five Ton Crane из города Окленд, штат Калифорния.

Британский анимационный фильм «Барашек Шон» 2015 года по мотивам одноимённого сериала получил положительные отзывы и имел кассовый успех. Характер поведения и действий персонажей в фильме во многом вдохновлялись работой актёров эпохи немого кинематографа.

«Барашек Шон», реж. Марк Бёртон, Ричард Старзак, 2015 год

С недавних пор интерес ко временам экранной тишины в какой-то степени начал набирать новые обороты, выходя то ли на новый виток развития, то ли просто напоминая о себе с новой силой.

С 2015 года стал проводиться Международный фестиваль немого кино Globe (GISFF). Это ежегодное мероприятие, посвященное имиджу и невербальному кино, которое проводится в авторитетной университетской или академической среде и является платформой для демонстрации и оценки фильмов от кинематографистов, активно работающих в этой области.

Например, в 2018 году победителем фестиваля стала полнометражная немая картина «Тихие времена», рассказывающая историю Оливер Генри III, мелкого мошенника, ставшего владельцем театра водевилей. Лента всецело отдаёт дань уважения множеству событий и персонажей мира кино 1920-х годов, в частности изображая на экране офицера Кистоуна, которого в своё время играл Чарли Чаплин.

Эпилог. Итоги

Отголоски эпохи немного кинематографа продолжают и всегда будут продолжать существовать в мире кино. Безусловное величие фильмов времён экранной тишины было, есть и будет бескомпромиссным постулатом в вопросах красоты совершенного кино и её художественного наполнения.

Являясь прародителем, первыми шагами целого направления в искусстве немое кино вписало себя в историю, как что-то приближенное к идеалу, по крайней мере в конце своего официального существования.

Пройдя через огромное количество взлётов и падений немой кинематограф смог подарить человечеству главное — цель для дальнейшего развития. Люди той эпохи были самыми настоящими авантюристами, экспериментаторами и изобретателями.

Как технические, так и художественные открытия совершались даже чаще, чем это можно было себе представить. Мир кино кипел, проживая один из самых ярких, несмотря на чёрно-белые тона, отрезков жизни.

Рождая настоящих звёзд и забирая с собой серую посредственность, создавая и совершенствуя определяющие голос общества технологии, однако разбивая в прах не оправдавшие себя изобретения, развивая человеческую мысль и даря истинное художественное наслаждение, даже такое мощное явление в искусстве, как целая эпоха немного кинематографа не смогла справиться с главным оппонентом всего на Земле — со временем.

Следуя закономерным идеям самосовершенствования немое кино переродилось в нечто большее, став незаметной частью любого экранного произведения, своей основной оболочкой тихо уйдя на покой исторического контекста, но оставшись скелетом прекрасного мира, который мы привыкли называть «Кинематографом».

Увлекательное путешествие в мир экранной тишины и захватывающих зрелищ «совершенного» кино.

Эта статья позволит вам заглянуть за кулисы того времени, когда его величество фильм ещё не был лично познакомлен с чудом синхронизированного звука.

Из текста вы узнаете абсолютно всё о том, какой была эпоха безмолвия в кино, как она возвела общемировой кинематограф к тому величию, о котором принято говорить сейчас и что привнесла в искусство в целом. Вы сможете досконально проследить все цепочки событий, повлиявшие на развитие и становление, как технических, так и художественных аспектов киноязыка. С головой погрузившись в изучение темы, после прочтения у вас не останется и доли сомнения в том, что вы можете что-то не знать об эпохе немого кино.

Приятного чтения!

Предисловие. Молчание не показатель того, что нечего сказать

Для общемировой истории искусства немое кино, как и кино в целом, является пусть и очень значительной, но тем не менее просто очередной вехой внутреннего развития.

Однако для истории развития кинематографа, как искусства отдельно, фильмы с отсутствующим звуком синхронной фонограммы представляют собой в первую очередь основу иного вида реализации творческой мысли человека, а уже потом закономерность или, вернее сказать, реальность, обусловленную отсутствием определённой технологии.

Конечно, техническое безмолвие картин того времени ни в коем случае не уменьшало их возможностей взаимодействия со зрительским сознанием. Наоборот, исходя из принципа вынужденного положения режиссёрам приходилось более изобретательно подходить к работе над донесением тех или иных идей, используя все доступные средства, исключающие звук. Тем самым фильмы конца XIX - начала XX века, выходившие до того момента, когда у первого из них появился «голос» представляли самую чистую форму кинематографа.

В определённой точке истории кино зародилось посредством сопоставленных и показанных друг за другом фотографий. Появление звука на фоне движущихся картинок оставалось лишь вопросом времени. Однако в связи с отставанием инженерной мысли это время наступило не сразу. На несколько десятилетий волшебный мир кино был лишён мелодии собственной речи. Впрочем, вряд ли язык повернётся сказать, что это оказалось проклятьем, а не добродетелью.

«На Запад», реж. Бастер Китон, 1925 год

Глава I. Развитие технологий

Считается, что рождение кинематографа произошло в 1895 году с появлением на свет фильмов братьев Люмьер «Выход рабочих с фабрики Люмьер» и чуть более знаменитого «Прибытия поезда на вокзал Ля Сьота». Однако, очевидно, что возникновению этих картин в частности и всех последующих лент, вплоть до современного кино в целом, предшествовало изобретение многих и многих технологий.

Волшебный фонарь

Самым ранним предшественником кино стоит назвать особое устройство, известное под названием «Волшебный фонарь», появившееся в обиходе ещё в XVII веке благодаря голландскому учёному Христиану Гюйгенсу. Устройство было способно проецировать изображения на любые поверхности (в основном стены или со временем натянутые простыни) за счёт стеклянной линзы, затвора и постоянного источника света внутри (например, мощного фонаря, лампады или даже обычной свечи).

Изображения проецировались со специальных, заранее расписанных вручную стеклянных слайдов и представляли собой наборы различных картин или витражей. Таким образом, прототип современного проектора был известен человечеству уже несколько веков назад.

К слову, многие люди XVII века называли фонарь далеко не «волшебным». Из-за того, что зачастую демонстраторы использовали аппарат в религиозных целях, показывая прихожанам ужасы преисподней, пряча устройство в клубах дыма, в народе ходило более прозаичное название — «фонарь ужаса».

Устройство «волшебного фонаря»

Маленькая машина, которая показывает в темноте на белой стене различные призраки и страшные чудовища; таким образом, тот, кто не знает секрета, думает, что это делается с помощью магического искусства
Сезар-Пьер Ришлэ
Французский филолог и лексикограф, редактор одного из первых словарей французского языка

Время важных изобретений

Однако более очевидным шагом к появлению кинематографа, как искусства стало создание целого ряда приборов, способных непрерывно воспроизводить друг за другом движущиеся картинки. Первым подобным изобретением можно считать зоотроп — устройство для демонстрации движущихся рисунков, конструкция которого основана на явлении персистенции, то есть инерции человеческого зрения.

Принцип работы зоотропа заключался в особенности работы зрительного восприятия дискретных последовательных событий, которые в конечном итоге кажутся непрерывными.

Иными словами, персистенция — это способность мозга соединять несколько быстро сменяющихся изображений в одно.

Принцип работы зоотропа

Первые упоминания подобного изобретения датируются ещё 180 годом Н.Э. Самый простой по конструкции зоотроп был создан китайским изобретателем Дин Хуанем. Современная же модель впервые появилась в 1833 году в мастерской британского математика Уильяма Джорджа Горнера, который лично назвал свою работу «дедалеум», в честь персонажа древнегреческой мифологии, выдающегося художника и инженера — Дедала. Иначе название изобретения читалось, как «колесо дьявола».

Через 27 лет француз Девинь и американец Уильям Ф. Линкольн официально зафиксировали за всеми подобными приборами название «зоотроп».

Хотя само по себе устройство зоотропа и является одной из вариаций фенакистископа бельгийскоо физика Жозефа Плато, который был представлен миру чуть ранее, имеет смысл считать именно зоотроп первым подобным изобретением за счёт стараний древнекитайского инженера.

Зоотроп является новой формой зубчатого диска Плато, созданного до описания колеса Фарадея. Наиболее замечательным в зоотропе является то, что рисунки в нём нарисованы на ленте из тонкого картона. Это было не что иное, как прототип современной кинопленки. Мысль продолжить эту ленту до бесконечности привела Рейно, а возможно и Марэ и Эдисона, к представлению о современном фильме
Жорж Садуль
Французский историк, теоретик и критик кино

Принцип работы фенакистископа

Примерно в одно и то же время вместе с зоотропом и фенакистископом были созданы многие другие устройства, предполагающие быструю смену картинок, составляющихся в одно цельное изображение. В частности, мир увидел стробоскоп профессора геометрии Венского политехникума Симона фон Штампфера, первенство изобретения которого, к слову, отошло всё тому же Жозефу Плато за счёт того, что Штампфер не смог изложить принципы работы прибора с той точностью, с которой это сделал физик из Бельгии.

Однако важен тот факт, что съёмка и последующее воспроизведение последовательных изображений была бы невозможна без открытия и дальнейшего развития технологии фотографии, начиная с первой половины XIX века.

Фотография во времени

Важнейшей вехой в развитии кинематографа — промежуточным этапом при переходе от фотографии к полноценному кино — стало появлении на свет методики сопоставления изображений, получившей название «хронофотография», которая, как это обычно и происходит, изначально предназначалась далеко не для художественных целей.

Использование хронофотографии с целью исследования умения кошки приземляться на четыре лапы после переворота в воздухе на 180°. Работа выполнена французским изобретателем Этьеном-Жюль Маре для журнала Nature, 1894 год

Впервые термин «хронофотография» был введён французским физиологом Этьеном-Жюлем Марэ, который использовал технологию с целью изучения особенностей движения птиц и животных.

Как таковое возникновение хронофотографии обязано совершенствованию технологии классической фотографии, а конкретно увеличению светочувствительности фотоматериалов, благодаря которой у фотографов появилась возможность делать снимки с моментальными выдержками.

В силу развития инженерной мысли, а также с появлением чувствительных фотоэмульсий и быстродействующих затворов, у фотоаппаратов того времени значительно уменьшилось время, в течение которого свет экспонировал на светочувствительную матрицу камеры за счёт чего резко возросло количество кадров, способных быть заснятыми в секунду. Это способствовало возможности получения подлинных снимков фаз движения живых существ.

Фазы движения верблюда, запечатлённые благодаря хронофотографии

В споре рождается истина

Однако Этьен-Жюль Марэ был не первым, кто успешно смог применить опыт хронофотографии на практике. Позицию лидера в этом вопросе удерживает английский и американский художник и фотограф Эдвард Мэйбридж, который в 1878 году был нанят бывшим губернатором Калифорнии Леландом Стэнфордом для разрешения спора между ним и двумя другими любителями скачек. Предметом пари на 25 тысяч долларов выступало положение того, поднимает ли лошадь во время галопа все четыре конечности от земли или нет. Как обычно, в споре рождалась истина.

Для проведения эксперимента Стэнфорд лично построил у себя на ферме в Пало-Алто «фотодром». По ходу бегового трека с одной стороны были распложены 12 кабин с фотоаппаратами, с другой стороны была обычная белая стена. К затворам фотоаппаратов были привязаны нити, натянутые поперёк трека через равное расстояние.

«Фотодром» Мэйбриджа в Пало-Алто

Получалось, что бегущая лошадь сама поочерёдно активировала фотосъёмку с каждого из устройств, фиксирующих фазу движения животного с выдержкой в 1/25 секунды. При срабатывании механизма помощник, находившийся в кабине моментально обрабатывал отснятый фотоматериал.

В результате была получена серия из 12 фотографий фаз движения лошади по кличке Сэлли Гарднер. Леланд Стэнфорд спор выиграл — на одном из кадров у лошади были подняты все четыре конечности.

«Салли Гарднер в галопе», 1878 год

В конечном итоге Мэйбриджу удалось усовершенствовать собственную технологию и довести общее количество используемых фотоаппаратов до 24. Движения записанных животных стали в два раза плавней. Полученные снимки наносились на барабан зоотропа, а в дальнейшем и зупрасископа, полученного с лёгкой руки инженерной мысли всё того же Мэйбриджа.

Мир кино столкнулся с понятием «количество кадров в секунду».

В 1888 году с использованием хронофотографии был снят двухсекундный фильм о людях, гуляющих в Западном Йоркшире, Англия, по саду на Оквуд-стрит под названием «Сцена в саду Раундхей».

«Сцена в саду Раундхей», 1888 год

Её величество кинокамера

Технология Эдварда Мэйбриджа стала пользоваться безумной популярностью. Многие учёные и инженеры начали массово повторять подобный опыт записи в других странах, в том числе совершенствуя и изобретая новые вариации устройства.

В результате, с появлением на свет рулонной фотобумаги, а затем и целлулоидной плёнки, разработанной компанией Eastman Kodak, были созданы полноценные хронофотографические камеры, которые стали предшественниками киносъёмочного аппарата.

В 1889 году изобретатели Луи Лепренс и Уильям Фриз-Грин практически одновременно запатентовали подобные устройства.

Хронофотографический аппарат, 1891 год

Развитие киноаппаратуры приобрело довольно стремительные обороты. Буквально за пять лет технология прошла больший путь, чем ей удалось пройти за последнюю половину века.

На основе разработанной инженером лаборатории Эдисона Ульямом Диксоном целлулоидной плёнки, сам Томас Эдисон получил патент на два устройства: «Кинетограф» — по факту первую кинокамеру и «Кинетоскоп» — устройство, ставшее первым массовым киноаппаратом, использующим перфорированную киноплёнку.

20 мая 1891 года Эдисон смог запечатлеть при помощи изобретённого аппарата своего инженера Диксона. Публике был показан короткометражный немой фильм «Приветствие Диксона».

«Приветствие Диксона», реж. Томас Эдисон , 1891 год

В 1894 году на Бродвее открылся первый «кино-кабинет», в котором были установлены десять «Кинетоскопов», предлагавших десяти людям по отдельности посмотреть за деньги разные киноролики. Чуть позже подобные «кабинеты» были открыты в Чикаго и Сан-Франциско.

Интересен тот факт, что за счёт того, что Томасу Эдисону не удалось получить международные патенты на свои изобретения (действие его патентов распространялось только на территории США), подобные устройства были «изобретены» по всему миру. Например, во Франции братья Огюст и Луи Люмьер создали аппарат под названием «Синематограф», который стал результатом усовершенствования «Кинетоскопа» Эдисона.

«Синематограф» оказался более портативным и практичным устройством, чем оба устройства Эдисона, поскольку он сочетал в себе камеру, кинопроцессор и проектор одновременно. В отличие от кинетоскопа Эдисона, который мог демонстрировать фильмы только одному человеку, синематограф позволял одновременный просмотр для нескольких людей.

Синематограф братьев Люмьер

Впервые публика ознакомилась с демонстрацией работы «Синематографа» 22 марта 1895 года в зале дома 44 на улице Ренн в Париже. Братья Люмьер показали фильм «Выход рабочих с фабрики братьев Люмьер в Лионе». Сюжет был до банального прост и полностью заключался в названии картины, однако публика была в восторге. Вскоре мир увидел другой фильм Люмьеров — более знаменитое «Прибытие поезда на вокзал Ля Сьота».

Первый же полностью коммерческий сеанс «Синематографа» состоялся спустя пол года в индийском салоне «Гран-кафе» на бульваре Капуцинок в Париже. На сеансе были продемонстрированы 10 короткометражных фильмов продолжительностью не больше одной минуты. Там же была показана первая постановочная кинокомедия — «Политый поливальщик», для которой был создан первый в истории киноплакат.

Естественно все фильмы были «немыми». Однако зритель того времени выстраивался в огромные очереди, чтобы оценить новое чудо техники и стать уже не просто зрителем, а кинозрителем.

«Политый поливальщик», реж. братья Люмьер, 1895 год

Длинна первых немых фильмов составляла не больше 15 метров (по продолжительности длились они обычно меньше минуты экранного времени). Это было обусловлено чисто технически. Стандартная катушка «Эдисон-Кодак» банально не могла вместить в себя плёнку большей длины. Более того, к тому времени ещё не были изобретены лентопротяжные механизмы, способствующие тому, чтобы слишком длинная плёнка не разрывалась внутри катушки киноаппарата.

Проблему удалось решить в 1897 году изобретателю Вудвилу Латаму, который создал так называемую «петлю Латама», благодаря которой киноплёнка больше не разрывалась.

Устройство петли Латама

Со временем киноплёнка обрела технические стандарты, заключающиеся в наличии перфораций — отверстий, предназначенных для точного перемещения киноплёнки на шаг кадра при помощи скачкового механизма. В проекторах появились холостые лопасти обтюратора.

В совокупности эти нововведения устранили неустойчивость и мелькание изображения, характерные ранее выпущенным фильмам. Зрительский глаз перестал уставать уже спустя несколько минут после начала просмотра. Увеличилась общая длина метража киноплёнки и соответственно количество воспроизводимых минут.

Кинематограф подошёл к моменту полноценного становления, как отдельного вида искусства.

«Американская» перфорация плёнки эпохи немого кинематографа

Принцип действия обтюратора в кинопроекторе

Глава II. Терминология и технические стандарты

Вообще называть немое кино «немым» не совсем правильно. Исходя из определения, немой фильм — это фильм, в котором отсутствует записанный и синхронизированный звук.

В частности при просмотре немного фильма зритель лишается возможности слышать диалоги между персонажами. Однако в подавляющем большинстве случаев немые картины конца XIX - начала XX века сопровождались живой музыкой, а поэтому совсем беззвучными назвать их было нельзя.

Идея комбинировать движущиеся картинки на экране с заранее записанным звуком почти также стара, как и идея эти картинки на экране показывать. Но в связи с техническими ограничениями и отставанием развития аудио-составляющей процесса кинопроизводства внедрение синхронизированного диалога и фоновых звуков в фильмы стало возможным только в конце 1920-х годов с появлением звукозаписывающей системы Витафон.

Легенда немого кино Чарли Чаплин

Почему кино «немое»?

Термин «немое кино» является ретронимом, то есть обозначает новое имя или название предмета, явления или действия, изменённое после того, как первоначальное наименование было использовано для обозначения нового предмета или комплекса предмета нового и ранее существовавшего.

Иными словами, до появления звукового кинематографа, как такового понятия «немое кино» не существовало. Для зрителей того времени это было просто кино и являлось оно не большим, чем технически более совершенной и привлекательной альтернативой театра.

С появлением в картинах синхронизированного звука ранее вышедшие фильмы стали нуждаться в новом определении. Кинематограф конца XIX - начала XX века обрёл название «немое кино», в конечном итоге отграничившись рамками целой эпохи.

«Пугало», реж. Бастер Китон, Эдвард Ф. Клайн, 1920 год

По тому же принципу, к слову, «акустическая гитара» появилась только после создания электрогитары, а Первая мировая война стала «первой» исключительно после того, как мир столкнулся со Второй мировой войной и тд.

С точки зрения техники

Эпоха немного кино подарила индустрии множество технических решений, часть из которых имеет место и в сегодняшнем дне.

Почти все кинокартины того времени выпускались на 35-мм киноплёнке с двухсторонней перфорацией и шагом кадра в 19 мм. Изначально система обработки киноплёнки существовала в двух вариациях: «американской» и «французской».

«Американская» была разработана Томасом Эдисоном для его «Кинетосокопа», тогда как вариант из Европы был представлен братьями Люмьер. Главным отличием этих двух систем являлось количество и положение перфораций на плёнке в пределах одного кадра. Эдисон предлагал четыре прямоугольные перфорации на шаг кадра, Люмьеры отдавали предпочтение одной круглой.

Отличие американского (слева) и французского (справа) формата перфораций киноплёнки

Несмотря на популярность и большую распространённость люмьеровского «Синематографа» именно система Эдисона была выбрана Конгрессом кинопредпринимателей в качестве общемирового стандарта, который к 1932 году стал основой для классического формата звукового кино.

Если раньше шаг кадра составлял размер 18×24 мм, то есть «прямоугольник с картинкой внутри» был именно с таким соотношением сторон, то для размещения сбоку оптической совмещённой фонограммы потребовалось уменьшить размер до 16×22 мм.

Вследствие этого «классическое» соотношение сторон экрана 1,33:1, характерное для немого кино слегка изменилось до «академического» 1,375:1. В современном кинематографе привычные для немого кино размеры кадра используются в кинематографической системе «Супер-35».

Форматы кадра киноплёнки

Скорость проецирования

До стандартизации скорости проецирования в 24 кадра в секунду для звуковых фильмов в период с 1926 по 1930 годы немые фильмы снимались с переменной скоростью от 12 до 40 кадров в секунду.

Стандартной скоростью проецирования немого кино в то время считалась частота кадров, равная шестнадцати в секунду. Такая скорость закрепилась после успеха «Синематографа» братьев Люмьер, которые посчитали, что это более чем достаточный показатель для комфортного просмотра фильмов. В принципе, сказать, что они ошибались было нельзя. Однако в противовес работам Люмьеров, Эдисон снимал свои фильмы с частотой 30-40 кадров в секунду. И ровно также, считать его подход неправильным было довольно сложно.

Особенность заключалась в том, что в отличие от звукового кино, в котором было недопустимо изменение скорости проецирования, так как из-за этого искажался звук, качество немого кино никак не зависело от темпа воспроизведения.

«Пожарный», реж. Чарльз Чаплин, 1916 год

Первые кинопроекторы в своей конструкции не были оснащены стабильными электроприводами. Вместо автоматизированной системы плёнку вручную прокручивали киномеханики. В то время человек, крутящий ручку проектора считался не менее важной персоной, чем тот, кто кино снимал. Подбор скорости и темпа воспроизведения фильма было отдельным видом искусства.

Более того, это была весьма ответственная работа. Слишком медленное проецирование плёнки на основе нитрата целлюлозы было сопряжено с риском возгорания, поскольку каждый кадр в течение длительного времени подвергался воздействию высокой температуры проекционной лампы. Слишком же быстрое воспроизведение было чревато появлением головокружения и чувства тошноты у зрителей. В балансе находилась истина.

Бастер Китон и киноплёнка

Однако зачастую скорость воспроизведения того или иного фильма предопределялась заранее, исходя из жанровой принадлежности, характера публики, популярности картины или времени суток её показа.

Например, для «оживлённой» публики было принято проецировать фильмы с частотой кадров 20-30 в секунду, тогда как для публики более спокойной частоту снижали до 18-24 кадров. Комедии показывались в ускоренном формате, фильмы ужасов обычно замедляли. Также имело место банальное увеличение скорости воспроизведения с целью повышения «проходимости» залов ради финансовой выгоды.

Доходило до того, что фильмы проецировались с невероятной для того времени скоростью в 50-60 кадров в секунду. Изображение искажалось до неузнаваемости, а зрителям становилось не по себе. В связи с этим немецкая полиция даже выпустила постановление о запрете проецирования кинофильмов с частотой кадров выше стандартной.

Продолжение 1, 2, 3

Автор Сергей Киташов

Окрашивание киноплёнки

Из-за отсутствия естественной обработки цвета плёнку с фильмами эпохи немого кино часто окунали в красители и окрашивали в различные оттенки для передачи настроения того или иного кадра, или для отображения времени суток. Например, многие сцены из фильма «Кабинет доктора Калигари» (1920) с Фридрихом Фехером в главной роли имели янтарный оттенок.

С конца XIX века в кинематографе появилось понятие «тонирование» плёнки. Суть этого процесса заключалась в химической обработке чёрно-белого позитива (или отдельного кадра), приводящей к изменению окраски (тона) этого кадра. Фильм целиком или отдельные сцены не становились разноцветными, однако они приобретали один общий оттенок, характеризующий то или иное настроение экранного действия. Чаще всего картины тонировались в синие, жёлтые, красные оттенки, или оттенки сепии.

«Кабинет доктора Калигари», реж. Роберт Вине, 1920 год

Ручное нанесение краски на плёнку началось в 1894-1895 годах в Соединенных Штатах, когда Томас Эдисон выпустил в прокат отобранные вручную и склеенные части тонированной плёнки под названием «Танец бабочек» или «Змеиный Танец Аннабель» (1895).

В этом, к слову, первом цветном фильме, по крайней мере, произведённом Томасом Эдисоном, Аннабель Уитфорд, юная танцовщица с Бродвея танцует в красивом платье в течение тридцати секунд. По ходу танца цвет платья девушки меняется от белого до красного и наоборот.

Такая техника окраски киноплёнки была разработана, чтобы запечатлеть эффект живых выступлений американской актрисы Лой Фуллер, начиная с 1891 года, в которых сценическое освещение с особыми цветными гелями создавало ощущение художественных движений рукавов и подола её прекрасного платья.

Эксперименты с цветной плёнкой продолжались до 1909 года. Потребовалось гораздо больше времени, чем ожидалось изначально, чтобы цвет в кино вошёл в более массовый оборот, перейдя из категории опытного исследования в полноценную разработку.

«Змеиный Танец Аннабель», реж. Томас Эдисон, 1895 год

Однако кино не сразу стало цветным именно в том понимании, о котором мы привыкли думать сейчас. Первые, так называемые, «цветные» фильмы представляли собой скорее небольшие палитры с набором нескольких красок, нежели полноценные разукрашенные полотна.

В самых ранних цветных фильмах синий цвет обычно означал ночные сцены, жёлтый или оранжевый — дневные. Красный символизировал огонь или любовные настроения, а зелёный — таинственную атмосферу. Сочетание различных цветов и эффектов давало поистине поразительные результаты для того времени.

«Франкенштейн», реж. Дж. Сирл Доули, 1910 год

Если говорить о чисто технической стороне вопроса, то окрашивание плёнки в тот или иной цвет основывалось на различных химических реакциях, проводимых между собственно плёнкой и специальными реагентами.

Так, например, для получения красного тона окрашивание производили раствором 85 грамм цитрата калия, 5 грамм нитрата меди и 6 грамм гексацианоферрата калия на 1 литр дистиллированной воды, жёлто-коричневые оттенки получали добавлением 12 грамм тиосульфата натрия, 30 грамм алюмокалиевых квасцов и 10 мл 10% раствора хлорида натрия в раствор, а синий цвет являлся результатом реакции плёнки с раствором, содержащем 5 грамм гексацианоферрата калия, 1.5 грамма лимонной или винной кислоты.

Также довольно часто использовались и такие органические красители, как пиронин, фуксин, родамин — для красного цвета; метиленовый голубой — для голубого и синего; малахитовый зелёный или метиленовый зелёный для зелёного оттенка плёнки.

Фотографии, тонированные в разные цвета. Вверху исходный цветной снимок, в центре его редукция до чёрно-белого, внизу — сепия

Ручная окраска киноплёнки часто использовалась в ранних европейских фильмах жанра фэнтези, особенно в фильмах Жоржа Мельеса. Мельес начал ручную тонировку своих работ ещё в 1897 году, а в фильмах «Золушка» 1899 года и «Жанна д'Арк» 1900 года были представлены ранние образцы тонированных вручную плёнок, на которых цвет был важной частью сценографии.

Максимально точное тонирование плёнки применялось в мастерской Элизабет Тюилье в Париже, где группы художников-женщин вручную добавляли слои цвета к каждому кадру, вместо того, чтобы использовать более распространенный и менее затратный процесс трафарета, при котором краска на плёнку наносилась за раз по заранее готовым лекалам.

Например, отреставрированная версия фильма Жоржа Мельеса «Путешествие на Луну» 1902 года демонстрирует обильное использование цвета, призванного добавить изображению текстуру и объёмность.

«Путешествие на Луну», реж. Жорж Мельес, 1902 год

В начале XX века больше всего к окрашиванию немых фильмов прибегали во Франции. Об этом свидетельствуют данные каталога американских дистрибьюторов кинолент от 1908 года.

Исходя из этих данных становится очевидно, что за окрашенные вручную фильмы дистрибьюторы просили большие суммы, чем за более классические чёрно-белые варианты. В каталоге такие фильмы именовались, как «ленты высокого класса».

Например, обычная копия фильма «Бен Гур» 1907 года предлагалась за 120 долларов (3415 нынешних долларов), а цветная версия того же 12-минутного фильма стоила уже 270 долларов (7683 доллара), включая дополнительные 150 долларов за тонирование картинки. Да, тонировать киноплёнку вручную было удовольствием не из дешёвых.

И пусть причины указанной надбавки были, вероятно, очевидны для покупателей и владельцев кинотеатров того времени, французские дистрибьюторы объясняли, почему цветные плёнки в их каталогах имели значительно более высокие цены и требовали большего времени для доставки в кинотеатры, сравнивая свои технологии с процессом раскрашивания киноплёнки, характерным для Соединённых Штатов Америки.

Постер фильма «Бен Гур» 1907 года

Ручное раскрашивание кинофильмов требовало огромного количества времени и трудозатрат. Шутка ли, но каждый колорист должен был обработать до 16000 отдельных кадров на каждые 300 метров плёнки. В связи с отсутствием технологии трафаретного окрашивания на территории США, американские художники очень неохотно брались за работу по тонированию фильмов.

Противоположная ситуация обстояла во Франции. Поскольку окраска плёнок в стране любви и багетов прогрессировала намного быстрее, чем в любой другой, все работы по тонированию фильмов выполнялись в лучших мастерских Парижа методом трафаретного нанесения красок, о котором говорилось выше и который ускорял работу художников в разы, сокращая и расходы, и время.

«Первая любовь», реж. Евгений Бауэр, Вячеслав Висковский, 1915 год

К началу 1910-х годов, с появлением полнометражных фильмов, тонирование использовалось как ещё один параметр передачи настроения сцены, столь же обыденный, как и оркестровая фоновая музыка.

Режиссёр Д. В. Гриффит проявлял большой интерес к разному цвету отдельных кадров и использовал тонирование, как особый эффект во многих своих фильмах. В его эпосе 1915 года «Рождение нации» использовалось несколько цветов, в том числе янтарный, синий, лавандовый и яркий красный оттенок, для таких сцен, как, например, «сожжение Атланты» или «появление Ку-клукс-клана».

Позже Гриффит лично изобретёт цветовую систему, в которой цветные огни вспыхивали на областях экрана за полотном кинотеатра для получение того или иного оттенка разных частей кадра.

Сцена с красным оттенком, в которой демонстрируются участники Ку-клукс-клана в фильме «Рождение нации» Д. В. Гриффита

В конечном итоге технологии тонирования плёнки так и не удалось прижиться в мире массового кинопроизводства. Преградой для дальнейшего развития подобного раскрашивания фильмов стало появление звука, интегрируемого непосредственно на плёнку.

Именно с появлением звукового кино кинопроизводители отказались от техники тонирования плёнки. Причина была до банальности проста — красители, используемые в процессе тонирования нарушали работу звукового сопровождения, приводя киноплёнку в негодность.

«Немые» актёры

Почти все актёры эпохи немого кино нарочито подчёркивали язык тела и выражение лица, чтобы зрители могли лучше понять, что именно актёр чувствует и изображает на экране.

И если в то время это не было чем-то необычным, то, конечно, для современного зрителя подобный подход к воплощению роли, скорее покажется комичным, упрощённым или вовсе манерным.

«Огни большого города», реж. Чарльз Чаплин, 1931 год

Искусство актёрского мастерства эпохи немого кинематографа корнями напрямую нисходило к театральным подмосткам. Именно из закулисья театральных сцен XIX века, сделав решительный шаг вперёд и встав перед камерой подавляющее большинство актёров ступили на новый виток собственных карьер. Отсюда и зародилась изначальная карикатурность демонстрируемых на экране образов того времени.

Всё позапрошлое столетие, что, к слову, было обусловлено ещё драматургическими законами античности, сценарно-исполнительское дело всецело умещалось в рамки определённых формальных категорий. Театральный репертуар составляли в основном мюзиклы, водевили, мелодрамы и оперы.

Сцена из водевиля «Беда от нежного сердца», 1901 год

Все эти жанры объединяла одна характерная черта — грубый иллюстративный актёрский стиль исполнения. В то время актёр был в большей степени инструментом, причём инструментом не заточенным — актёр всегда оставался лишь физическим воплощением отдельных эмоций. Его основную роль видели исключительно в оживлении идей произведения в грандиозно-символической манере.

И как в своё время театр был местом, где повествование всегда находилось выше жизни, так и кинематограф на этапе своего становления перенял эту гротескную особенность сполна.

Единственно важной вещью, требуемой от актёров того времени была коммуникативная ясность в отношении к зрителю, зачастую граничащая с противоположением реализму. Всё внимание отдавалось анализу того, какие жесты и методы вокальной артикуляции способствовали чистому воплощению драматических эмоций, как на сцене, так и на экране. Ведь по своей сути многие фильмы эпохи немого кино представляли собой более усовершенствованные театральные постановки.

«Иммигрант», реж. Чарльз Чаплин, 1917 год

Конечно, хотя подобное «карикатурное поведение» актёров перед кинокамерой и оказалось совершенно естественным продолжением одной формы искусства в другую, люди довольно быстро почувствовали, что в кино так быть не должно. Например, американский сценарист и режиссёр Маршалл Нейлан в 1917 году активно критиковал безоговорочную монополию театральных актёров в мире кинематографа.

Чем раньше люди пришедшие в мир кино с театральной сцены и принёсшие с собой оттуда все законы, уйдут, тем лучше будет для кинокартин
Маршалл Нейлан
Американский сценарист и режиссёр

В других случаях, не пытаясь критиковать или обвинять кого-то, многие режиссёры просто требовали от актёров на съёмочной площадке больше выразительности, экспрессии и эмоционального отыгрыша. Одним из таких режиссёров, например, был Джон Гриффит Рэй. Уже с середины 1910-х зрители начали заявлять о своём предпочтении в демонстрации большей естественности на экране.

Именно с этого времени немое кино стало менее водевильным, поскольку различия между сценой и экраном стали куда более очевидны. Благодаря работе таких режиссёров, как Дэвид Уорк Гриффит, кинематография стала менее «театральной», а развитие крупного плана позволило добиться большего реализма в актёрском мастерстве.

Слева направо: Мэри Пикфорд, Дэвид Уорк Гриффит, Чарльз Чаплин, Дуглас Фэрбенкс

Самый известный актёр эпохи немого кинематографа — Чарли Чаплин — в 1910-х годах ещё активно продолжал использовать приёмы пантомимы и буффонады в короткометражных комедиях, сюжет которых выстраивался вокруг образа «бродяги» и которые были поставлены на поток киностудией Кистоун.

Однако начиная с 1920-х в его творчестве стали фигурировать значительно более серьёзные социальные темы, чем это было в раннем периоде короткометражного кино. Что, конечно, отражалось и на актёрской игре.

Ровно тоже самое можно сказать и про другого, не менее важного человека, определившего вектор развития кинематографа в эпоху его безмолвия. Бастер Китон, будучи выходцем из водевильной семьи идентично Чаплину со временем переступил порог в сторону большего реализма в исполнительском ремесле.

Бастер Китон и Чарли Чаплин, 1918 год

Тем не менее, изначально тренд на натуралистичность и глубину эмоционального окраса в работе актёра начал зарождаться ближе к концу XIX века в Русском Театре. Новая тенденция захватила умы молодых актёров и режиссёров, бросая вызов вековым традициям театрального искусства. Тенденция эта обрела довольно прозаичное название — «Реализм».

Новые театры «Реализма» стали полагаться на полную естественность пребывания на сцене, копая вглубь основополагающих допущений в символической структуре исполнения.

Зачинщиком этого сценического переворота и главным вдохновителем идеи «Реализма» был Константин Станиславский. Создавая альтернативный подход, он пытался найти не просто новый набор символов или жестов, а открыть во всех отношениях иную методологию, через которую зритель сможет воспринимать актёрское мастерство.

Русский театр конца XIX — начала XX века

Станиславский считал, что по-настоящему прожить роль своего персонажа актёру помогают не определённый набор действий, демонстрирующий идеи произведения и чувства актёра, а его внутренние переживания, подкреплённые жизненным опытом. Самый чистый перфоманс по Станиславскому — тот, который актёр не ожидает сам. Тот, когда личность актёра растворяется в персонаже.

Как говорил об этом сам Константин Станиславский, оперируя собственными понятиями, «искусство репрезентации» должно перерасти в «искусство представления». Иными словами, маска должна стать лицом актёра. Именно этот принцип со временем и обрёл статус основополагающего на поле мирового кинематографа.

Константин Станиславский

Используя наработанные методики Станиславского, по ту сторону океана такие режиссёры, как Альберт Капеллани и Морис Турнер, начали настаивать на реализме в своих фильмах. К середине 1920-х годов многие американские немые фильмы приняли более натуралистический стиль актёрской игры, хотя не все актёры и режиссёры сразу приняли эти изменения.

Ещё в 1927 году фильмы с гротескными перфомансами, например, «Метрополис» Фрица Ланга, всё ещё продолжали выпускаться. Конечно, их доля с каждым годом становилась всё меньше.

Также, по словам Антона Каеса, специалиста по немому кино из Калифорнийского университета в Беркли, в американском немом кино в период с 1913 по 1921 год, помимо воздействия идей Станиславского, начался сдвиг в актёрских техниках под влиянием приемов немецкого немого кино. В основном это было связано с притоком иммигрантов из Веймарской республики, включая режиссёров, продюсеров, операторов, светотехников, а также актёров и актрис.

«Метрополис», реж. Фриц Ланг, 1927 год

В конечном счёте, по ходу становления кинематографа, как искусства в эпоху экранной тишины актёрская игра перестала быть лишь чёткой репрезентацией или симулякром, а стала содержать тонкие оттенки уязвимости, начав фокусироваться на личности, подтексте и подсознательном. В 1950-х годах «искусство представления» дало на экране жизнь таким актёрам, как Марлон Брандо, Джеймс Дин и Монтгомери Клифт.

К концу эпохи немого кинематографа актёры научились полностью проживать собственные роли, пропуская через себя все душевные переживания персонажей. И даже сам театр принял те изменения, причиной которых стал изначально, оставив карикатурное исполнения в прошлом, лишь изредка прибегая к нему в виде исключения, но не правила.

Глава III. Жизнь в эпоху экранного молчания

В пике своего рассвета эпоха немого кинематографа просуществовала примерно до начала 1930-х годов, когда первые кинофильмы стали обзаводиться полноценной звуковой дорожкой. Конечно, с точки зрения общемировой истории период, насчитывающий в своём активе не более тридцати пяти-сорока лет покажется одним мгновением. Однако и в рамках просто мировой истории кинематографа эта цифра с каждым годом становится всё менее масштабна, хоть и не менее значительна.

Так или иначе, это было время становления. Становления новой формы искусства. Становления отдельного направления творческой мысли. Становления живо изменяющихся технологий, под стать стремительно движущемуся прогрессу. Становления целого отдельного мира, не похожего ни на что, и одновременно, напоминающего обо всём сразу.

Это была настоящая жизнь. А, как известно, жизнь — штука совсем непростая.

Первые киностудии

Самые первые официальные студии, занимающиеся производством и показом фильмов появились практически сразу, как свет увидели сами кинокартины.

И если основоположники кинематографа — братья Люмьер — снимали свои фильмы, что называется, под крылом личной инициативы, то Томас Эдисон, конкурировавший с Люмьерами, как в техническом, так и в художественном планах, довольно быстро довёл эту идею до инициативы студийной.

Томас Эдисон и его кинетограф

Свою первую киностудию Эдисон основал в Вест-Ориндж, штат Нью-Джерси в 1892 году спустя год после того, как презентовал публике фильм «Приветствие Диксона», главную роль в котором исполнил инженер, работавший вместе с Эдисоном над аппаратом кинетографа, о котором говорилось ранее.

Студия получила лаконичное название «Edison» в честь имени собственного создателя. Со временем, в 1907 году Эдисон изменил расположение студии, переместив её в Бронкс, штат Нью-Йорк. Помимо этого, в 1893 году Эдисон также смог открыть съёмочный павильон под названием «Чёрная Мария».

Подавляющее большинство киностудий того времени также базировались в Нью-Йорке, распределяясь лишь по разным районам. Например, такие студии, как Fox (1909) и Biograph (1906) начали свою деятельность на Манхэттене, со студиями в Сент-Джордж, Статен-Айленд. Все остальные фильмы снимались в Форт-Ли, штат Нью-Джерси.

Здание киностудии Эдисона в Бронксе, приблизительно 1907 год. Фотография сделана самим Эдисоном

В декабре 1908 года Томас Эдисон принял решение о создании компании Motion Picture Patents Company, основной целью которой выступал контроль отрасли в попытке отстранения от производства и проката фильмов более мелких компаний. В ассоциацию, так называемых «крупных студий Edison Trust» входили кинокомпании: Edison, Biograph, Essanay Studios, Kalem Company, George Kleine Productions, Lubin Studios, Georges Méliès, Pathé, Selig Studios и Vitagraph Studios. Распределение и управление кинокомпаниями также осуществлялось дочерней студией General Film Co.

Содружество двух этих компаний смогло полностью захватить рынок кинопроизводства на Восточном побережье, вынуждая многие другие киностудии мигрировать на побережье Западное, где в это же самое время начинали зарождаться такие нынешние гиганты мира кино, как Universal Pictures (1912), Paramount Pictures (1912), Warner Bros. (1903) и Columbia Pictures (1924).

Многие студии перебирались или основывались именно в пригороде Лос-Анджелеса Голливуде, где были хорошие условия для натурных съёмок — много солнечного света и редкие осадки.

Карл Лемме в молодости, основатель Universal Pictures

Конечно, безапелляционная монополия компаний Эдисона на рынке кинопроизводства очень сильно насторожила правительство Соединённых Штатов того времени. Motion Picture Patents Co. и General Film Co. были признаны виновными в нарушении антимонопольного законодательства в октябре 1915 года и были распущены.

Киностудия Thanhouser была основана в Нью-Рошель, штат Нью-Йорк, в 1909 году американским театральным импресарио Эдвином Танхаузером. В период с 1910 по 1917 год компания произвела и выпустила 1086 фильмов, в том числе первый в истории сериал «Тайна на миллион долларов», выпущенный в 1914 году.

Постер фильма «Тайна на миллион долларов», реж. Хауэлл Гензель, 1914 год

Первые вестерны снимались на киностудии Fred Scott's Movie Ranch в Саут-Бич, Статен-Айленд. Актёры в костюмах ковбоев и коренных американцев скакали по съёмочной площадке ранчо Скотта, где была приграничная главная улица, широкий выбор дилижансов и 56-футовый частокол.

Остров Статен-Айленд стал удобной заменой декораций таких разнообразных мест, как например, пустыня Сахара. Сцены военных баталий обычно снимались на равнинах Грасмера, Статен-Айленд. Фильм Дональда МакКензи и Луи Ганье «Опасные похождения Полины» 1914 года с его ещё более популярным сиквелом «Подвиги Элейн» того же 1914 года в основном снимались на острове. Там же снимался и блокбастер 1906 года «Жизнь ковбоя» компании Эдвина С. Портера.

Примерно к 1912 году основная масса студий и работ над различными кинокартинами переместилась на Западное побережье, что, как уже говорилось ранее, было связано с деятельностью Томаса Эдисона.

Кино-ранчо Фреда Скотта, 1902 год

На территории тогда ещё Российской империи первые киностудии начали появляться в начале XX века. Правда, тогда они назывались не студиями, а ателье или киноателье. Основателем первого такого ателье стал Александр Дранков, севастопольский фотограф, который ещё в конце XIX века переехал в Петербург и основал там своё фотоателье, которое со временем и сменило основной вид деятельности.

В 1907 году Александр Дранков побывал во Франции и Великобритании. За границей он посещал киносеансы, а после возвращения в Россию решил основать «первое в России синематографическое ателье», которое получило название «Торговый дом Дранкова».

Первые фильмы, вышедшие из под крыши этого ателье были документальными. Дранков нанял операторов, которые создали хронику Первой русской революции 1905–1907 годов.

Александр Осипович Дранков (1886-1949)

В 1907 году силами своего ателье Дранков предпринял попытку снять первый художественный фильм в России — трагедию «Борис Годунов» по книге Александра Пушкина. Съёмки провалились. Создатели ленты ещё не понимали, как правильно располагать декорации, а актёры — как вести себя в кадре.

В кинотеатрах «Бориса Годунова» всё же показали. В прокат картина вышла в незаконченном виде под названием «Сцены из боярской жизни».

Тем не менее, год спустя Александру Осиповичу Дранкову удалось снять полноценный художественный фильм. Картина получила название «Понизовая вольница» («Стенька Разин»). Ленту считают первой короткометражкой Российской империи.

Интересно, что из-за ленты возник спор об авторских правах. Изначально Дранков создавал киноиллюстрации к спектаклю режиссёра Василия Гончарова, а потом составил из этих же кадров свой фильм. После премьеры картины Гончаров подал на Дранкова в суд. Однако по законодательству тех времен сценарии не считались литературным произведением, поэтому иск Гончарова суд не удовлетворил.

Фильм «Понизовая вольница» («Стенька Разин»), реж. Владимир Ромашков, 1907-1908 год

Также Дранков является создателем и первого в России сериала, причём детективного. Фильм из восьми эпизодов под названием «Приключения знаменитой авантюристки Софии Блювштейн» продвигался среди населения через продажу открыток с кадрами из картин. Александр Дранков одним из первых придумал кинофлаеры.

Начало XX века вообще стало «урожайным» сезоном на появление киностудий по всему миру. Франция, Англия, многие другие страны Европы, страны Южной Америки и отчасти страны Востока вступили в эту гонку.

Человечество осознало, что, как и в любом другом бизнесе, связанном с производством чего-либо очень важно поставить во главу угла определённое имя — компанию, отвечающую за все внутренние процессы. Этими компаниями и стали киностудии в мире кинематографа.

Кино на практике

Следует сказать, что самые первые немые фильмы представляли собой скорее результаты экспериментов и предназначались для демонстрации состоятельности новых технологий, чем несли художественную ценность. Сюжеты коротких роликов кинетографа и синематографа были примитивны и повторяли тематику зоотропа — обычно зрителям демонстрировалось одно последовательное зацикленное действие, навсегда выхваченное кинокамерой из течения окружающей жизни.

В конце 1894 года каталог кинороликов для кинетосокопа насчитывал уже около 60-ти наименований. В основном он был представлен картинами о дрессированных животных, акробатах, танцах, борьбе и прогуливающихся по улицам людях.

Первое время зрителям было достаточно лишь наличия «движущихся картинок» на экране, повествовательная и художественная стороны кино их мало интересовали. Кинематограф воспринимался не больше, чем ярмарочное развлечение, способное приносить лёгкие деньги.

«Акробатическая смесь», реж. Макс Складановский, 1895 год

Зрелость киноискусства наступила в эпоху немого кино (1894 г. в кино - 1929 г. в кино). Промежуток с начала 1910-х до конца 1920-х был особенно плодотворным периодом, полным художественных новшеств.

В этот период зародились кинодвижения классического Голливуда, французского импрессионизма, немецкого экспрессионизма и советского монтажа. Также, появившаяся со временем конкуренция среди кинопроизводителей заставила постановщиков совершенствовать сюжеты. Хотя делали они это не то чтобы охотно.

Сюжеты комедий строились на глупых положениях или на контрастах. Герои гнались друг за другом, падали в речку или в грязную лужу; жена избивала мужа, приходившего домой пьяным; героя обливали водой при проходах его по улицам и садам; муж (что было обычным сюжетом) ссорился с тёщей, ссора оканчивалась, как всегда, дракой и победой тёщи.
Луи Форестье
Французский, русский и советский кинооператор, с 1910 года работавший в России

В результате сформировалось целое направление немого кинематографа, позднее названное «комедией затрещин». Фирменным приёмом таких фильмов стало метание торта, быстро превратившееся в штамп. От актёров зачастую требовались не драматические способности и не талант проживать жизнь своего персонажа, как свою собственную, а умение комично падать перед камерой. Впрочем, об этом уже говорилось ранее.

Продолжение 2,3

«Кони-Айленд», реж. Роско Арбакл, 1917 год

Создатели немого кино стали первопроходцами в этой форме искусства, поскольку практически каждый стиль и жанр кинопроизводства XX-го и XIX-го веков уходят своими художественными корнями в эпоху немого кинематографа.

Конечно, изобразительные и художественные возможности немого кино в начале его развития были чрезвычайно примитивны. Самые первые немые фильмы вообще снимались без какого либо монтажа и панорамирования — проще говоря, одним кадром.

Съёмки фильма были скорее похожи на запись спектакля. Актёры на сцене отыгрывали свои роли, а кинооператор записывал их действия на плёнку, заранее устанавливая камеру таким образом, чтобы кадр под прямым углом захватывал всю сцену. Декорации представляли собой нарисованные на холсте предметы и здания, размещённые в деревянной раме на заднем фоне.

К моменту первых шагов кинематографа, как искусства фундусная система декораций, позволяющая собирать и разбирать окружение частями, ещё не была изобретена.

Непоколебимым условием было также и то, что актёры всегда снимались в полный рост без использования крупных, средних или общих планов. Если случалось так, что во время съёмок сцены актёр случайно или целенаправленно заходил за заранее обозначенные приколоченными досками границы, кадр браковали и снимали заново. Объяснение было простым — «человек не может ходить без ног».

Освещение сцен также не представляло собой ничего хоть сколько то технологичного и зависело исключительно от погоды и доступности солнечного света. Солнечные лучи обычно пробивались на площадку через стеклянную крышу или светили напрямую, если таковая отсутствовала, а декорации монтировались прямо во дворе студии.

Исходя из ориентирования на движение солнца по небосводу первый съёмочный павильон «Чёрная Мария», построенный Томасом Эдисоном имел поворотную конструкцию. Здание вращалось в зависимости от того, в каком положении находилось небесное светило. Искусственное же освещение в редких случаях устанавливалось только со стороны кинокамеры, не создавая светотеневого рисунка. Кадры ранних немых фильмов часто теряли нужный объём композиции.

Съемочный павильон "Черная Мария", схема павильона  и поворотного круга под ним.

Кроме того, ещё до наступления эпохи звукового кино, в связи как раз с отсутствием этого самого звука многие режиссёры были вынуждены искать дополнительные возможности организации немого изобразительного ряда. Таким образом сложилась «немая» школа изложения сложного сюжета средствами монтажа и искусства пантомимы.

Постоянные попытки превзойти те или иные технические ограничения со стороны кинопроизводителей в конечном итоге привели к таким незаменимым аспектам, в том числе и современного кинематографа, как трёхточечное освещение, крупный план, средний план, дальний план, панорамирование, непрерывное редактирование сценария в процессе съёмок и, конечно, умение работать с актёром.

Эпоха немого кинематографа взрастила саму суть понятия «киноязык» и его визуальную сторону.

Первый в мире мультфильм

Второе российское киноателье после Александра Осиповича Дранкова основал Александр Алексеевич Ханджонков. Будучи военным в отставке в 1906 году он впервые посетил кинотеатр и сразу же загорелся идеей связать остаток своей жизни с кинематографом. На сбережения, откладываемые с пенсии ему удалось открыть в Москве торговый дом «А. Ханжонков и Ко».

Александр Алексеевич Ханджонков

Первые годы после создания ателье Ханджонков занимался исключительно тем, что закупал за границей иностранные художественные фильмы и с помощью лингвистов переводил их на русский язык. А в стенах самого ателье создавались короткометражки о российской природе.

В 1909 году торговый дом Ханджанкова выпустил свой первый художественный фильм. В двухминутной «Драме в таборе подмосковных цыган» у Ханжонкова впервые снялись настоящие актёры.

«Драма в таборе подмосковных цыган» (или «Драма под Москвою»), реж. Владимир Сиверсен, 1909 год

Вплоть до 1912 года торговый дом «А. Ханжонков и Ко». продолжал работать над художественным и документальным кино, выпустив годом ранее свой самый масштабный проект — полнометражный фильм «Оборона Севастополя» (1911), деньги на который по просьбе самого Ханджонкова лично выделил император Николай II. Также по его распоряжению в батальных сценах ленты участвовали регулярные подразделения Русской армии.

Примерно в 1910 году киноателье Александра Ханджонкова заключило сотрудничество с Владиславом Старевичем. К этому времени Старевич был уже довольно видным кинодеятелем, снявшим несколько документальных фильмов о природе. Преимущественно Владислав Александрович специализировался на съёмке насекомых.

Владислав Александрович Старевич и его «кукольное искусство»

После знакомства Ханджаков лично подарил Старевичу подержанную кинокамеру и несколько рулонов плёнки с единственным условием, что Старевич будет передавать ему права на все снятые фильмы. Помимо этого Ханджаков снял для Старевича квартиру. Владислав Александрович просто не мог пойти против условий своего нового знакомого.

В ближайшие два года Владислав Старевич работал над короткометражными документальными фильмами. За успехи ему был выделен отдельный павильон, новая съёмочная аппаратура и полная творческая свобода.

Это привело к тому, что однажды Старевич решил снять фильм о жуках-оленях, а именно сражение двух жуков-рогачей. Во время съёмок выяснилось, что искусственное освещение, используемое в кадре вгоняло жуков в заторможенное состояние. Было принято находчивое решение сделать из панцирей рогачей импровизированные «куклы» и снять нужные сцены покадрово.

Так мир стал свидетелем рождения кукольной анимации.

Именно из таких жуков Старевич и сделал своих первых «кукол»

Развивая идею, заложенную в «Lucanus Cervus» (сейчас картина считается утраченной) в 1912 году с разницей в несколько месяцев Владислав Старевич создаёт два настоящих киношедевра.

Из под крыши киноателье «А. Ханжонков и Ко» выходит сначала «Прекрасная Люканида, или Война рогачей с усачами» (1912) — драма, рассказывающая о любовной истории среди средневековой жизни, главными героями которой выступают насекомые, а затем на свет появляется «Месть кинематографического оператора» (1912) — пародийная картина, в основе сюжет которой лежит любовный треугольник. И в первом, и во втором случае главными актёрами выступали уже знакомые нам жуки.

Картины вызвали неподдельный резонанс среди всего мирового культурного сообщества. Доходило до того, что многие люди не верили в искусственность происходящего и восторгались мастерству дрессировки насекомых.

Как всё это сделано? Никто из видевших картину не мог объяснить. Если жуки дрессированные, то дрессировщик их должен был быть человеком волшебной фантазии и терпения. Что действующие лица именно жуки, это ясно видно при внимательном рассмотрении их внешности. Как бы то ни было, мы стоим лицом к лицу с поразительным явлением нашего века…
Из статьи лондонской газеты «Evening News»

С не меньшим удивлением о картинах писали в отечественные издания

Но то были достижения российской мультипликации. И считать картины про жуков самыми первыми мультфильмами не совсем верно. Первой кукольной анимацией — да, но первым художественным мультипликационным достижением — вряд ли.

Конечно, существует знание того, что ещё в 1898 году, спустя два года после того, как поезд братьев Люмьер всё же прибыл на станцию, свет увидел картину «Цирк лилипутов» (1898), показанную ограниченному кругу зрителей. Создатели фильма Джон Стюарт Блэктон и Альберт Э. Смит использовали обычные детские деревянные игрушки, переставляя их между кадрами.

Декорации фильма «Цирк лилипутов»

Однако следует сказать, что в полной мере присуждать этой картине звание, как первого кукольного мультфильма, так и мультфильма вообще не совсем правильно. Популяризировали кукольную анимацию «жуки Старевича», а первый действительно значимый мультфильм вышел несколько позже.

Более того, так как работа Блэктона и Смита была показана лишь ограниченному кругу друзей авторов и в итоге оказалась безвозмездно утеряна, оставив упоминания о себе лишь на бумаге, говорить о ней имеет смысл только как об интересном опыте прошлого, но не как о первопроходце.

Джеймс Стюарт Блэктон

Спустя два года после своих экспериментов с игрушками Джеймс Стюарт Блэктон представил двухминутную картину под названием «Очарованный рисунок» (1900). На экране зритель сталкивался с человеком, рисующим портрет. Выражение лица портрета менялось посредством склейки кадров.

Ещё через шесть лет Блэктон снял картину «Комические фазы смешных лиц» (1906). Тематически она была идентична предыдущей работе. Как таковые герои, сюжет или художественные подтексты в этих лентах отсутствовали. А поэтому считать их мультфильмами или нет, сказать сложно.

Комические фазы смешных лиц», реж. Джеймс Стюарт Блэктон, 1906 год

Отсюда, как о первом полноценном мультфильме принято говорить о «Фантасмагории» (1908) французского изобретателя Эмиля Коля.

Вышедший в 1908 году двухминутный мультфильм уже нёс в себе некое развитие сюжета и имел честь рассказывать историю вполне определённого героя с определённым характером, что, конечно, выделяло ленту на фоне предыдущих работ в этом направлении. Лента была полностью нарисована мелом на чём-то похожем на обычную школьную доску.

«Фантасмагория», реж. Эмиль Коль, 1908 год

Именно с этого момента мировая мультипликация начала свой путь, впоследствии придя к тому, каким мы представляем «искусство движущихся нарисованных картинок» сегодня.

Интертитры

Эпоха немого кинематографа, во многом опять же вследствие наличия технических ограничений, ознаменовала развитие одного из основополагающих элементов киноязыка. В своё время интертитры — текстовые вставки, которые давали пояснения по сюжету, воспроизводили реплики персонажей или комментировали происходящее для аудитории — стали настоящим художественным открытием.

Голосом персонажи немых фильмов не обладали, уточнять что происходит посредством сторонних лиц в кинозале было бы глупо, поэтому лучшим решением проблемы коммуникативной ясности между зрителем и экраном стали буквы на этом самом экране.

Основной функцией интертитров, как несложно догадаться, была замена звуковой речи актёров. Помимо этого они часто обозначали заглавия монтажных частей фильма или излагали сюжетные фрагменты и связи между ними.

По ходу развития кинематографа, как искусства, будучи элементом этого мира интертитры были осмыслены, как неотъемлемая и эстетически важная часть любой кинокартины. Они специально подбирались, оформлялись и согласовывались со всеми используемыми материалами в фильме.

Конечно, по мере расширения художественных средств немого кино появилась возможность создавать полнометражные фильмы без интертитров. Прежде всего это было характерно для немецкой камерной драмы, наиболее важным примером которой является фильм Мурнау «Последний человек» 1924 года.

Немая экспрессионистская картина Фридриха Вильгельма Мурнау рассказывает историю престарелого портье высококлассного отеля, к несчастью и неожиданно для себя получающего другую должность из-за возраста.

«Последний человек», реж. Фридрих Вильгельм Мурнау, 1924 год

Отсутствие интертитров в картине заменяли экспериментальные операторские приёмы, многие из которых использовались впервые. Например, сползающая вниз шатающаяся камера, показывающая мир глазами пьяного портье. Сюжет же и происходящие события разъяснялись лучшей постановкой мизансцены и более внимательным обращением к деталям.

На территории России в начале XX века частым явлением были титровые мастерские, которые выполняли для прокатчиков изготовление монтажных фрагментов с интертитрами. Таким образом удавалось экономить при закупках иностранных картин, поскольку стоимость полного метра киноплёнки с титрами, часто безграмотно переведёнными на русский язык, не отличалась от стоимости такого же отрезка с уже готовым изображением. Из заграницы фильм обычно поставлялся с уже заранее освобождённым местом для написания русских интертитров.

К слову, главным изготовителем интертитров к иностранным кинокартинам дореволюционной России было киноателье уже упомянутого Александра Алексеевича Ханджонкова.

Голос музыки

В эпоху немого кино первой свой голос подала музыка. Что, конечно, естественно. В угоду полного отсутствия звуковых дорожек и технических возможностей озвучивания фильмов аудиосоставляющую практически каждого киносеанса заменял собой живой оркестр.

Даже на самом первом публичном показе картины «Прибытие поезда на вокзал Ла Сьюта» братьев Люмьер 28 декабря 1895 года в «Гранд-кафе» на бульваре Капуцинок в Париже присутствовал специально приглашённый гитарист.

«Прибытие поезда на вокзал Ла Сьюта», реж. Луи и Огюст Люмьер, 1895 год

Дальнейшему закреплению оркестровой музыки в немом кино способствовала выставка достижений отрасли в США в 1896 году в Мюзик-холле Костера и Биала в Нью-Йорке. На этом мероприятии Томас Эдисон создал пакт, согласно которому все кинопоказы должны были сопровождаться музыкой живого оркестра.

Конечно, не все киноэнтузиасты того времени впоследствии придерживались наставлений Эдисона, однако сам факт витания этой идеи в производственном и показном воздухе создавал нужный настрой для развития звукового сопровождения в кино.

С самого начала музыка считалась важной составляющей, способствующей созданию атмосферы и дающей публике жизненно важные эмоциональные сигналы. Ровно по этим же причинам иногда музыканты присутствовали и на съёмочной площадке, передавая нужное настроение теперь уже не зрителям, а актёрам.

Вид оркестровой ямы с оркестром в кинозале

Стоит сказать, что в зависимости от размера выставочной площадки, музыкальное сопровождение могло резко меняться по масштабу. Небольшие городские и районные кинотеатры обычно ограничивались одним пианистом.

Начиная с середины 1910-х годов в крупных городских театрах обычно выступали органисты или ансамбли музыкантов. Массивные театральные органы, которые были разработаны, чтобы заполнить пробел между простым соло-исполнением на фортепиано и мощью большого оркестра, имели широкий спектр спецэффектов.

Например, такие театральные органы, как знаменитый «Mighty Wurlitzer», могли имитировать некоторые оркестровые звуки вместе с рядом ударных эффектов, таких как бас-барабаны и тарелки, а также звуковые эффекты совершенно не музыкальных вещей, начиная от свиста поезда или лодки и заканчивая автомобильными гудками и пением птиц. Некоторые более совершенные инструменты могли даже имитировать выстрелы из пистолета, звонки телефонов, шум прибоя, копыт лошадей, разбивающуюся керамику, и звуки таких природных явлений, как гром и дождь.

Звучание органа «Mighty Wurlitzer» в исполнении пианиста Чарли Балога

Музыкальные партитуры для ранних немых фильмов создавались либо посредством импровизации, либо были составлены из классической или театральной музыки. Однако, когда оркестровая музыка в кино стала обычным явлением, партитуры начали подбираться пианистами, органистами, дирижёрами оркестра или даже самой киностудией в зависимости от настроения той или иной сцены.

Каждая кинолента того времени имела так называемый «контрольный лист», на котором были отмечены все переходы настроения по ходу сюжета, были сделаны особые заметки о различных звуковых эффектах, важных в определённые моменты повествования, а также были указаны места, где музыка вообще не должна была применяться. Для успешного показа фильма было очень важно следить за всем, что написано в «контрольном листе».

Часть музыкальной партитуры к фильму Чарльза Чаплина «На плечо!» 1918 года

Ситуация с музыкальным сопровождением в кино принципиально начала меняться с 1915 года. Именно в этот год в прокат вышла картина Дэвида Уорка Гриффита «Рождение нации».

Лента была новаторской во многих направлениях. Масштабность батальных сцен, высокобюджетность постановки, монтажно-постановочные находки — всё это практически сразу возвело ленту в статус культовых произведений.

Помимо всего прочего работа Гриффита популяризировала такое понятие, как официальный саундтрек. С момента выхода «Рождения нации» все крупнобюджетные картины в обязательном порядке стали обзаводиться специально написанной для них музыкой.

Фрагмент фильма «Рождение нации» с музыкальным сопровождением

Самые же первые полноценные партитуры (или саундтреки) были написаны в 1908 году Камилем Сен-Сансом для картины «Убийство герцога Гиза» (1908) Шарля Ле Баржи и Андре Кальметта, и Михаилом Ипполитовым-Ивановым для Стеньки Разина» (1908) Владимира Ромашкова.

Интересен также и тот факт, что несмотря на точность написанных для той или иной сцены нот музыканты зачатую могли позволить себе лёгкую импровизацию, чтобы усилить драматизм на экране. Например, пианист мог начать сильнее ударять по клавишам во время сцены с скачущими лошадьми или органист пытался передать шум ветра более продолжительным воспроизведением духовых секций.

«Убийство герцога Гиза», реж. Шарль Ле Баржи и Андре Кальметт, 1908 год

Эпоха немного кинематографа стала для музыкантов самой настоящей золотой жилой. Возможности работы для людей, владеющих искусством игры на музыкальных инструментах были колоссальны, по крайней мере, в Соединенных Штатах.

Тем не менее, появление звуковых фильмов в сочетании с примерно одновременным началом Великой депрессии оказалось разрушительным для очень многих людей музыки.

Пианист играет музыку во время показа фильма с Бастером Китоном

Стоит отметить, что во многих других странах в отличие от США к способу озвучивания фильмов подходили несколько иначе.

В раннем кинематографе Бразилии, например, были популярны фитас-кантаты (поющие фильмы) — просто снимались оперетты с певцами, выступавшими за экраном. В Японии в фильмах звучала не только живая музыка, но и бэнси, живой рассказчик, который давал комментарии и озвучивал персонажей.

Бэнси стал центральным элементом японского кино, а также обеспечивал перевод иностранных (в основном американских) фильмов. Популярность рассказчика-бэнси была одной из причин, почему немое кино сохранялось в Японии до 1930-х годов, задержавшись на экранах почти на десять лет в сравнении со всем остальным миром, разве что за исключением Советского Союза.

Карикатурный пример того, как выглядел бэнси на показах немого кино в Японии

Глава IV. Закат эпохи

Ничему не суждено длиться вечно. Двигатель прогресса неумолимо направлял абсолютно все шестерёнки механизма жизни только вперёд. С каждым днём приближался тот момент, когда человек сможет соединить изображение и звук на экране кинотеатра.

Сами того не замечая, люди входили в совершенно новую эпоху существования. И речь тут идёт не только о мире киноискусства.

Переломный момент

Конечно, попытки создать фильм с полностью синхронизированной звуковой дорожкой стали предприниматься практически сразу — с самого рождения кинематографа. Ещё в 1896 году Томас Эдисон, уже известный нам, как по огромному количеству экспериментов на этом поле, так и внёсший неоценимый вклад в развитие кино с технической точки зрения, пытался на плёнке подружить актёров с их голосами.

Ясно, что в то время совершенно не было подходящих технологий и любые попытки в этом направлении заканчивались, не успев начаться.

Окончание

Подобную музыку слушали тогда все, принимая безысходность своего бытия. В 90-е наркоманило очень много подростков и молодых людей, более взрослые просто спивались и дохли от палёной водки. Подобная музыка была им всем по душе. Да и сейчас подобный трек неплохо звучит для олдов, оставшихся в живых и не спившихся в хлам, но уже как ностальгия. Живы будем!

С каждым годом удивить привередливого зрителя становится все сложнее, но в 2025 году работникам киноиндустрии мастерски удалось это сделать. Рассказываем о 10 лучших картинах уходящего года по версии редакции TechInsider.

No other choice («Метод исключения»)

Новая картина от создателя «Олдбоя», режиссера Пак Чхан-ука, покорившая мир. Премьера фильма состоялась 29 августа 2025 года на 82-м Венецианском кинофестивале, а широкий прокат начался 24 сентября с Южной Кореи.

В главной роли — Ли Бён-Хон, звезда южнокорейского кинематографа, обаятельный и харизматичный актер, сыгравший Ю Ман-су. Проработав двадцать пять лет в бумажной промышленности, персонаж обрел все, что хотел — приличный доход, хорошую должность, собственный загородный дом и счастливую семью. Однако внезапное увольнение стало для Ю Ман-су тяжелым ударом, из-за которого ему пришлось пойти на крайние меры.

В отчаянии Ман-су приходит к радикальному решению — физически устранить своих конкурентов за вакансию в желанной компании, которыми, как и он, оказались квалифицированные специалисты, оставшиеся без работы.

One Battle After Another («Битва за битвой»)

Именно эту картину эксперты называют главным претендентом на «Оскары» в 2026 году. Фильм с Леонардо ДиКаприо в главной роли рассказывает историю Пэта Калхуна, который, разделяя взгляды своей спутницы, в начале 2000-х годов примкнул к радикальному левоэкстремистскому движению. Их деятельность приняла роковой оборот, когда в ходе одной из акций было совершено убийство, после чего всем участникам группы пришлось в срочном порядке скрываться, разъехавшись в разные стороны.

Спустя полтора десятилетия этот человек, теперь известный как Боб Фергюсон, ведет тихую жизнь в Южной Калифорнии, воспитывая дочь-подростка. Постоянный страх разоблачения превратился в паранойю, настолько, что герой даже запрещает девочке пользоваться сотовым телефоном. Его тревоги оправдываются, когда за ним и ребенком начинает охоту старый враг — полковник Локджо.

Hamnet («Хамнет»)

Чувственный фильм, основанный на романе Мэгги О’Фаррелл, где исторические факты о жизни Уильяма Шекспира и его жены Агнес тесно связываются с мистикой и художественным вымыслом.

В центре повествования оказывается семейная драма Уильяма и Энн Шекспир, переживающих страшную утрату — смерть единственного сына Хамнета (Якоби Джуп). После его кончины у семьи остаются две дочери, Сюзанна и Джудит (Бодхи Рэй Бретнах и Оливия Лайнс). Именно в этот период глубочайшего личного горя драматург начинает работу над знаменитой трагедией «Гамлет», созданной в 1603 году и впоследствии признанной вершиной его творчества.

Sentimental Value («Сентиментальная ценность»)

Спустя четыре года после выпуска картины «Худший человек на свете» скандинавский режиссер Йоаким Триер представил миру фильм «Сентиментальная ценность», 8 раз номинированный на «Золотой глобус»-2026.

Смерть бывшей жены вынуждает постаревшего некогда знаменитого режиссера Густава Борга прервать затворничество и явиться на прощание. Там он впервые за много лет видит повзрослевших дочерей. Густав предлагает Норе, старшей из них и актрисе театра, ключевую роль в своем новом, исповедальном фильме, который планирует снимать в стенах фамильного дома. Но Нора, не простившая отцу старых обид, отказывается от предложения. Не теряя времени, Борг находит замену в лице восходящей звезды Голливуда.

The Chronology of Water («Хронология воды»)

Режиссерский дебют Кристен Стюарт, получивший высокую оценку на Канском фестивале. В основе фильма — исповедальная проза американской писательницы Лидии Юкнавич, хроника крушения ее спортивной карьеры в плавании, опыта насилия, борьбы с зависимостями и целительной силы слова, ставшей ее опорой.

В картине Кристен Стюарт в роли режиссера исследует темы женского опыта и телесности с поразительной прямотой, а бескомпромиссная игра Путс превращает просмотр в почти физическое переживание. Хотя критики упрекали Стюарт в перегруженности и излишней метафоричности, этот любопытный фильм точно заслуживает вашего внимания.

It Was Just an Accident («Простая случайность»)

Ночная поездка оборачивается кошмаром для супружеской пары с ребенком, когда их автомобиль ломается посреди дороги. Этой завязкой начинается ирано-французский триллер Джафара Панахи «Простая случайность».

Помощь приходит от местных жителей, но тишину ночи нарушает скрип протеза отца семейства — звук, который Вахид, один из братьев, узнает слишком хорошо. Для него это знак от человека, который когда-то пытал его в тюремных застенках, лица которого он так и не увидел.

Охваченный жаждой мести, Вахид похищает предполагаемого мучителя и уже готов совершить самосуд, закопав его заживо, когда в нем просыпаются сомнения. Чтобы подтвердить личность пленника, он отправляется на поиски других жертв режима, превращаясь из палача в сомневающегося следователя. Картина была удостоена чести участвовать в Основном конкурсе 78-го Каннского кинофестиваля, где и состоялась ее мировая премьера 20 мая 2025 года.

Eddington («Эддингтон»)

Режиссер Ари Астер представил публике свой новый проект — американскую черную комедию в стиле вестерна. В звездный состав картины вошли Хоакин Феникс, Педро Паскаль, Эмма Стоун, Остин Батлер, Люк Граймс, Дирдри О’Коннелл и Майкл Уорд. Мировая премьера фильма прошла в рамках основного конкурса Каннского кинофестиваля в 2025 году, а в широкий прокат он вышел 18 июля того же года.

Действие разворачивается в мае 2020-го, на пике пандемии, в тихом городке Эддингтон, охваченном карантином и обязательным масочным режимом. Здесь назревает конфликт между шерифом Джо Кроссом и действующим мэром Тэдом Гарсиа. Амбициозный градоначальник, готовящийся к переизбранию, затевает масштабное строительство дата-центра с искусственным интеллектом. Шериф же, испытывая к Гарсиа глубокую личную антипатию, отказывается не только смириться с его планами, но и подчиниться правилам ношения маски. Бросая вызов мэру, Кросс решает вступить с ним в борьбу за власть, выдвинув свою кандидатуру на предстоящих выборах.

Kontinental '25 («Континенталь '25»

В абсурдистской комедийной драме «Континенталь '25» режиссера Раду Джуде бывший профессор права Оршойя, имеющая венгерские корни, работает судебным приставом в Клуж-Напоке. Ее новое задание кажется рутинным — выселить бездомного, проживающего в подвале многоквартирного дома, который был выкуплен немецким инвестором под снос.

На его месте планируется возвести фешенебельный отель «Континенталь». Однако встреча с отчаявшимся мужчиной заканчивается трагедией — он сводит счеты с жизнью прямо у нее на глазах. Это событие глубоко ранит Оршойю, оставляя в ее душе тяжелейшее чувство вины, с которым ей теперь предстоит жить.

Bugonia («Бугония»)

«Бугония» — это фантасмагорическая черная комедия, созданная по сценарию Уилла Трейси под руководством режиссера Йоргоса Лантимоса. В главных ролях — Эмма Стоун и Джесси Племонс. Фильм представляет собой ремейк южнокорейской ленты «Спасти зеленую планету!».

В центре сюжета — одержимый параноидальными идеями рабочий Тедди, который вместе со своим кузеном похищает влиятельную бизнес-леди. Мужчина убежден, что она — посланница из галактики Андромеды, чья тайная миссия заключается в уничтожении Земли. Заточив свою пленницу в подвале, Тедди принуждает ее записать обращение к правителю ее родной цивилизации с ультиматумом: принять его на борт инопланетного корабля для переговоров об экстренной эвакуации всех пришельцев с нашей планеты.

If I Had Legs I'd Kick You («Я бы тебя пнула, если бы могла»)

Критики высоко оценили американский фильм Мэри Бронштейн 2025 года, главную роль в котором исполнила Роуз Бирн, получившая за эту работу «Серебряного медведя» на Берлинале.

Картина погружает зрителя в изолированный мир Линды, одинокой матери, чья дочь питается только через гастростомическую трубку. Муж героини практически все время находится в командировках, и их общение ограничивается телефонными звонками. Когда в их доме внезапно обваливается потолок, Линда с ребенком вынуждены перебраться в мотель, что лишь усиливает ее стресс.

Женщина все больше сомневается в эффективности терапии для дочери, пропускает сеансы и выслушивает упреки от специалиста. Под давлением обстоятельств ее нервное напряжение достигает предела, и Линда оказывается на грани срыва.

Источник

Стартуем! Представляем наш 4-й ежегодный опрос – мы с вами будем выбирать лучшие фильмы минувшего года в различных номинациях, как кинокритики на Оскаре. Около 100 фильмов, мультфильмов и сериалов 2020 года; 34 различных категории; более 40 актеров и режиссеров – все это в формате опроса на гугл-формах. Выбери свои любимые фильмы, персонажей и актеров за год!

Единственная просьба перед голосованием – пропустите категории, в которых вы не смотрели больше половины фильмов, "для чистоты эксперимента".

Ссылка на опрос:

https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSc82geDlTJsXoo5I61d...

Кстати, опрос может занять 10-15 минут.

Опрос будет открыт до конца недели, не откладывай на потом!)

___________________________________________

Через некоторое время мы объявим победителей, как в прошлом году. Подробнее о прошлогодних опросах и подготовке смотри тег Золотая печенька. Конкретно анонс этого опроса был тут.

У Британского института кино есть своя подборка лучших за всю историю кинематографа фильмов, в которых роботы играют не последнюю роль для сюжета. И пусть этот список не первой свежести, это не значит, что он стал менее интересным.

Составляя подборку, они отталкивались от того, какую роль роботы играют в жизни человека, помогают ли понять нам, насколько мы действительно эмпатичны, узнать грани нашей человечности. А еще эти фильмы о нашей личной свободе, душевной и физической раскованности.

• "Голем: как он пришел в мир" (немой) (1920) (реж. Пауль Вегенер и Карл Бёзе)
• "Метрополис" (1927) (реж. Фриц Ланг)
• "День, когда Земля остановилась" (1951) (реж. Роберт Уайз)
• "Степфордские жены" (1975) (реж. Брайан Форбс)
• "Потомство демона" (1977) (реж. Дональд Кэммелл)
• "Чужой" (1979) (реж. Ридли Скотт)
• "Бегущий по лезвию" (1982) (реж. Ридли Скотт)
• "Призрак в доспехах" (аниме) (1995) (реж. Мамору Осии)
• "Искусственный разум" (2001) (реж. Стивен Спилберг)
• "Из машины" (2014) (реж. Алекс Гарленд)

В последние пару лет интересные фильмы про роботов чаще встречаются среди авторских малобюджетных проектов. Хочется отметить, например, "После Янга", "Мой создатель" (2020), "Апгрейд", "Сбой сознания". Здесь есть и интересные идеи, интересные операторские решения, неплохая графика, а главное — хороший сценарий.

"Создателя" 2023 года я не вписала, поскольку это масштабный фильм с немаленьким бюджетом, который впитал в себя множество идей из прошлых сай-фай проектов.

На экранах — девятый фильм Квентина Тарантино. В его основу легла реальная история убийства актрисы Шэрон Тейт в 1969-м, ассоциирующаяся в массовой культуре с концом целой эпохи. Одновременно это и детские впечатления самого режиссера о 1960-х, помноженные на ассоциации с увиденным уже позднее кино того же периода. Зрителю 2019-го непросто разобраться в этой галерее реальных и вымышленных персонажей. Рассказываем, кто есть кто в Голливуде 1969-го и чем они интересны.

Текст без спойлеров к фильму, только реальные факты из истории.

___________________________

Марго Робби в «Однажды в... Голливуде» — Шэрон Тейт

Одна из главных героинь фильма, за повседневными делами которой мы наблюдаем в ожидании трагической развязки. Тейт была моделью и актрисой, одним из секс-символов своей эпохи. Снимаясь, как правило, в развлекательных фильмах, в 1967-м она была номинирована на «Золотой глобус» за роль в драме «Долина кукол», где сыграла звезду кино, постепенно деградирующую от барбитуратной зависимости. На съемках «Бала вампиров» Тейт познакомилась с режиссером и актером Романом Полански, который стал ее мужем. В 1969-м 26-летняя беременная Тейт и несколько ее друзей были жестоко убиты членами «Семьи» Чарльза Мэнсона. Бойня произошла в особняке Полански в Голливуде.

___________________________

Робби и Рафаэль Заверуха в «Однажды в... Голливуде» — Шэрон Тейт и Роман Полански

Выдающийся режиссер и муж Шэрон Тейт. Баловень судьбы, выживший в краковском гетто во время войны и начавший успешную карьеру в советской Польше. В 1960-е Полански сбежал в Западную Европу, работал во Франции и Англии, где и познакомился с Тейт. В 1968-м Полански перебрался в Голливуд и снял свой первый американский фильм — «Ребенка Розмари». После гибели жены режиссер снова переехал в Старый Свет, вернулся оттуда в 1974-м, чтобы делать «Китайский квартал», а через три года опять бежал из Америки после обвинений в совращении несовершеннолетней.

___________________________

Эмиль Хирш в «Однажды в... Голливуде» — Джей Сибринг и Шэрон Тейт

Знаменитый голливудский стилист, изменивший представление о мужских прическах. Сибринг имел роман с Тейт до ее встречи с Полански и потом оставался другом их семьи. В ночь с 8 на 9 августа 1969-го был убит вместе с Тейт.

___________________________

Дэймон Херриман в «Однажды в... Голливуде» — Чарльз Мэнсон

Преступник, неудавшийся музыкант и глава секты своего имени. Считается, что по его прямому указанию были убиты все имевшие несчастье оказаться в особняке Полански-Тейт в ту роковую ночь. Мэнсон стал героем множества фильмов, его образ был поэтизирован в массовой культуре, но не в фильме Тарантино.

___________________________

Дакота Фаннинг в «Однажды в... Голливуде» — Линетт Фромм по прозвищу Пискля

Одна из наиболее принципиальных последовательниц Мэнсона. Она не участвовала в доказанных убийствах, но в фильме есть эпизод, где Фромм вступает в психологическую борьбу с героем Брэда Питта, который не вовремя заехал прямо в логово «Семьи», чтобы повидать старого приятеля. Через шесть лет после событий 1969-го Фромм попытается убить президента Форда и сядет пожизненно, но выйдет по УДО в 2009-м.

___________________________

Джордж Спэн — Брюс Дерн

Хозяин ранчо, где поселился Мэнсон с компанией в 1969-м. В 1950-е годы на ранчо проходили съемки телевестернов, подобных тем, в которых снимались персонажи Питта и ДиКаприо. Самый известный из таких сериалов — «Бонанца». Считается, что Мэнсон за постой расплачивался со Спэном сексуальными услугами своих последовательниц.

___________________________

Николас Хэммонд в «Однажды в... Голливуде» — Сэм Уонамейкер

Режиссер ковбойских телефильмов, который предлагает герою ДиКаприо роль злодея в проекте «Лансер». Уонамейкер действительно ставил сериалы в США, но предпочитал жить в Англии, куда эмигрировал в эпоху маккартизма, опасаясь преследования за коммунистические взгляды. После 1969-го он активно участвовал в восстановлении шекспировского театра «Глобус» в Лондоне.

___________________________

Тимоти Олифант в «Однажды в... Голливуде» — Джеймс Стэйси

Американский актер, звезда сериала «Лансер». В фильме он из нового поколения телезвезд, которые обошли персонажа ДиКаприо на пути к успеху. В реальности судьба Стэйси сложится печально. В 1973-м он попал в аварию на мотоцикле, его девушка погибла, а сам актер потерял руку и ногу (но сниматься не перестал). В 1990-е он отсидел за совращение малолетней и умер в 2016-м. В фильме также появляются его бывшая жена, певица и актриса Конни Стивенс и еще один партнер по «Лансеру», Уэйн Мондер.

___________________________

Майк Мо в«Однажды в... Голливуде» — Брюс Ли

Гонконгско-американский актер и мастер боевых искусств. Он популяризировал восточные единоборства в кино и тренировал актеров, в том числе Шэрон Тейт. Ранняя смерть в 1973 году сделала его легендой. О Ли снято множество фильмов, однако у Тарантино его образ скорее иронический (что уже вызвало гневную отповедь дочери Ли).

___________________________

Дэмиен Льюис в«Однажды в... Голливуде» — Стив МакКуин

Один из самых высокооплачиваемых актеров своего времени, сумевший перейти из телевестернов в большое кино, также бывший морской пехотинец и автогонщик. Для героя ДиКаприо МакКуин — недосягаемый идеал. В жизни актер был личным другом Брюса Ли и Джея Сибринга. В фильме он рассказывает о треугольнике Сибринг—Тейт—Полански на вечеринке в особняке Playboy (на самом деле основатель журнала Хью Хефнер купил здание только в 1971-м). Там же появляются певицы Мама Касс и Мишель Филлипс из The Mamas And The Papas. В действительности, по свидетельству Майкла Кейна, однажды группа давала вечеринку, где были и Тейт, и Сибринг, и Мэнсон.

___________________________

Рик Далтон (Леонардо ДиКаприо) и Клифф Бут (Брэд Питт)

Актер, чья слава угасает и дублер-каскадер, его верный друг. Эти персонажи вымышлены, больше всего их отношения напоминают дружбу Берта Рейнолдса с его дублером Хэлом Нидэмом. Рейнолдс, кстати, должен был играть старика Спэна, но умер в 2018-м. В целом ДиКаприо напоминает сразу всех второстепенных актеров старого Голливуда, которым трудно далась смена киноэпох.

Образ Клиффа Бута частично вдохновлен Гари Кентом, каскадером эксплуатационного кино 1960-х, который также работал в поминаемых Тарантино «Зеленом Шершне» с Брюсом Ли и «Агентах А.Н.К.Л». В 2000-е он написал мемуары, где рассказал и о съемках на ранчо Спэн.

Также на образ Бута повлиял Билли Джек, странный герой четырех боевиков, вышедших в последние годы хиппи-эры, сыгранный актером и режиссером Томом Лофлином ветеран Вьетнама в ковбойской шляпе, в жилах которого течет кровь индейцев навахо, мастер боевых искусств, защитник подростков-неформалов и либерализма. Но у Тарантино Бут хиппарей явно недолюбливает.

Наконец, ненастоящие, но узнаваемые образы фильма — это старый киноагент Далтона, Шварц (Аль Пачино), который продает его режиссеру италовестернов Корбуччи, собирательно-карикатурный образ кинопродюсера, вдохновленный всеми киномагнатами, от Майера и Селзника до Джозефа Ливайна, и маленькая актриса Труди Фрейзер (Джулия Баттерз). Ее прототип, видимо, Джоди Фостер, которая ребенком играла в телевестерне «Дымок из ствола».

И еще несколько актеров из фильма и их реальных прототипов:

Уэйн Маундер – Люк Перри

Кэтрин "Китти" Лютесингер - Маргарет Куэлли

Чарльз «Текс» Уотсон - Остин Батлер

Кэти (наст. имя Патрисия Кренвинкель) - Мэдисен Бити

Стив «Клем» Гроган - Джеймс Хэберт

Сьюзен Аткинс - Мики Мэдисон

Источник: https://www.kinopoisk.ru/media/article/3401758/

В конце года обычно подводят итоги, но это мы оставим на следующую неделю. А сегодня вспоминаем лучшие фильмы, вышедшие 20 лет назад – время, когда трава была зеленее, а фильмы – шедевральнее. Я выделил из них 10 любимых, а другие достойные упомянул в конце поста. Кстати, рейтинг всех кинолент из списка выше 7 баллов.

***

1.Дом из песка и тумана
Рейтинг: КП 7,8 / IMDb 7,5 / Skalkino 9
Жанр: драма, криминал
Режиссер: Вадим Перельман
В ролях: Дженнифер Коннелли, Бен Кингсли, Рон Элдард, Шохре Агдашлу и др.
Для Кэти Николо последняя надежда на возвращение к жизни – это небольшое бунгало в Северной Калифорнии. В результате бюрократической ошибки её выселяют, и Кэти оказывается на улице. Ей остаётся лишь беспомощно наблюдать, как дом продают на аукционе за мизерную цену. Но она готова на всё, лишь бы доказать свое право на владение им.

"В какой-то степени к Дженнифер в начале 2000-х прицепилась амплуа страдалицы в кино после прорывного "Реквиема по мечте", но это не мешало ей поднять планку еще выше и сыграть тут свою лучшую роль. Фильм рассказывает трагическую историю одного дома и тяжелых жизненных обстоятельств нескольких людей. Здесь как нельзя лучше раскрыта разница между культурами (американцы и выходцы из Ирана). Все герои потрясающе отыграны так, что сопереживаешь каждому. А снял фильм наш ближайший соотечественник, выходец из СССР Вадим Перельман. Рекомендую как одну из любимейших драм, если не боитесь тяжелых и душераздирающих фильмов" из моего поста.

***

2. Матрица: Перезагрузка
Рейтинг: КП 7,7 / IMDb 7,2 / Skalkino 9
Жанр: фантастика, боевик
Режиссер: Ларри Вачовски, Энди Вачовски
В ролях: Киану Ривз, Лоренс Фишбёрн, Хьюго Уивинг, Кэрри-Энн Мосс, Джада Пинкетт Смит, Моника Беллуччи, Ламбер Вильсон и др.
Борцы за свободу Нео, Тринити и Морфеус продолжают руководить восстанием людей против армии машин. Они вынуждены использовать не только арсенал превосходного оружия, но и свои выдающиеся навыки. Участие в миссии по спасению человеческой расы от истребления приносит им более глубокое понимание Матрицы и осознание центральной роли Нео в судьбе человечества.

Один из лучших сиквелов в истории кино: хотя он уже не так удивляет и раскрывает мир, как первая часть, зато авторам завезли увеличенный бюджет – это позволило раскрыть экшн-составляющую на полную. Особенно выделю сцену погони на шоссе – просто услада для любителей зрелищных боевиков.

***

3. Догвиль
Рейтинг: КП 8,0 / IMDb 8,0 / Skalkino 8,5
Жанр: триллер, драма, детектив
Режиссер: Ларс Фон Триер
В ролях: Николь Кидман, Пол Беттани, Харриет Андерссон, Патриша Кларксон, Бен Газзара, Филип Бейкер Холл, Джереми Дэвис, Хлоя Севиньи, Стеллан Скарсгард и др.
Юная Грейс, сбежав от банды гангстеров, находит спасение в маленьком городке Догвилль где-то в Скалистых горах. Местные жители – один прекраснее другого – готовы ее укрыть. А взамен им совсем ничего не надо, ну, разве что помочь по дому или присмотреть за детьми. Но постепенно милый Догвилль превращается для девушки в тюрьму.

"Пожалуй, самый известный фильм культового, но в тоже время весьма неоднозначного датчанина Ларса Фон Триера. Режиссера, очень не любящего общество, да и самих людей, в общем, тоже. Рассматриваемая картина, является для Ларса особым поводом для гордости, ведь именно в ней, он достиг своеобразного максимума. Арсенал художественных средств в ленте, наоборот, нарочито сведен к минимуму. Даже пресловутые декорации в фильме практически отсутствуют. В абсолют возведена одна лишь идея. Триер ставит своеобразный эксперимент над замкнутым сообществом людей, эдакое реалити-шоу. Оглянитесь по сторонам, возможно, сможете рассмотреть Догвилль вокруг вас, а самые смелые, может быть, даже увидят его в самом себе" Ergus, пользователь КП.

***

4. Олдбой
Страна: Южная Корея
Рейтинг: КП 8,1 / IMDb 8,4 / Skalkino 8,5
Жанр: триллер, детектив, драма, криминал
Режиссер: Пак Чхан Ук
В главной роли: Чхве Мин-сик
1988 год. Обыкновенный и ничем непримечательный бизнесмен О Дэ-cу в день трёхлетия дочери по пути домой напивается, начинает хулиганить и закономерно попадает в полицейский участок. Из участка его под своё поручительство забирает друг детства. Пока тот звонит жене незадачливого пьяницы, О Дэ-су пропадает. Неизвестные похищают его и помещают в комнату без окон на 15 лет.

"Вся эта хитро выстроенная, продуманная до малейших мелочей ловушка мести не может не вызывать восхищения. Зрителя поначалу настраивают на более-менее стандартную историю, когда какие-то не очень хорошие дяди обидели благочестивого (ну, почти) гражданина, надругались и заставили страдать, а потом дали шанс отомстить. Потом сюжет перевернут с ног на голову, а потом с головы на ноги, с ног на бок, с бока на другой бок и так до тех пор, пока голова окончательно не закружится. Но финал все расставит на свои места, эта чудная мозаика повествования откроется взору неспешно, но молниеносно, оставив после себя чувство безысходности и отторжения. Зритель хочет хеппи энда или просто логичного конца. Не получит. Он получит ответы на загадки, но никак не удовлетворение" Dolphin, пользователь КП.

***

5. Трудности перевода
Рейтинг: КП 7,2 / IMDb 7,7 / Skalkino 8,0
Жанр: драма, мелодрама
Режиссер: София Копполла
В ролях: Билл Мюррей, Скарлетт Йоханссон, Джованни Рибизи, Анна Фэрис и др.
Токио, ночь, фешенебельный бар дорогого отеля. Спасаясь от бессонницы, здесь встречаются двое американцев: немолодой телеактер Боб Харрис и симпатичная девушка Шарлотта. Он снимается в японской рекламе виски, а она приехала вместе с мужем, оба - потерялись в этом незнакомом городе.

"Фильм о любви. Несостоявшейся и невозможной. Даже не о самой любви, а о предчувствии ее, о близости духовной и о понимании, отсутствие которого объясняется отнюдь не языковыми и культурными барьерами. Красивая история на фоне ночного Токио. Печальная история. Великолепный Мюррей и лучшая роль Скарлетт. It hurts, однако" Ava, пользователь КП.

***

6. Реальная любовь / Love Actually
Рейтинг: КП 7,9 / IMDb 7,6 / Skalkino 8,0
Жанр: мелодрама, комедия, драма
Режиссер: Ричард Кертис
В ролях: Хью Грант, Билл Найи, Лиам Нисон, Эмма Томпсон, Колин Фёрт, Алан Рикман, Кира Найтли, Крис Маршалл, Лора Линни и др.
Любовь поистине правит всеми вокруг — от премьер-министра, влюбившегося в сотрудницу своего аппарата, до писателя, сбежавшего на юг Франции, чтобы склеить свое разбитое сердце.

"Фильм, вышедший на Рождество, имеет всё необходимое для создания романтичного праздничного настроения. Сразу несколько историй, несколько судеб, переплетающихся самым удивительным образом. От одних историй хочется смеяться, от других - плакать, настолько они трогательные, но даже тут то и дело хочется улыбнуться. После этого фильма веришь, что всё обязательно будет хорошо, если не сейчас, то потом – обязательно" Victoria Cole-Kinney, пользователь КП.

***

7. Последний самурай
Рейтинг: КП 8,1 / IMDb 7,8 / Skalkino 8,0
Жанр: боевик, драма
Режиссер: Эдвард Цвик
В ролях: Кэн Ватанабэ, Том Круз, Билли Коннолли, Тимоти Сполл, Хироюки Санада и др.
Действие разворачивается в Японии 70-ых годов девятнадцатого века. Капитан Нейтон Альгрен, уважаемый американский военный офицер, нанят Императором Японии для обучения первой армии Страны Восходящего Солнца современному искусству ведения боевых действий. Император пытается искоренить древних воинов-самураев, готовясь к более прозападной политике правительства…

"Фильм рассказывает о соприкосновении совершенно разных культур и цивилизаций, о столкновении и переплетении старого с новым, о вопросах отваги, чести и места человека в жизни. И каждый раз, когда я его пересматриваю, то ощущаю на душе чувство спокойствия и умиротворения, как будто я медитировал, подобно героям фильма" Дамблдор Фиолетовый, пользователь КП.

***

8. Машинист
Рейтинг: КП 7,6 / IMDb 7,6 / Skalkino 8,0
Жанр: триллер, драма
Режиссер: Брэд Андерсон
В ролях: Кристиан Бэйл, Дженнифер Джейсон Ли, Айтана Санчес-Хихон, Джон Шэриан, Майкл Айронсайд и др.
Тревор Резник не спит уже целый год. Превратившись в живой скелет, он балансирует на грани сна и реальности. Он устал отличать пугающие видения от странных событий своей каждодневной жизни, но в последнее время они стали пересекаться самым страшным и непредсказуемым образом.

"Та самая роль, для которой Кристиан Бэйл экстримально похудел (хотя режиссер его не просил об этом!). Помимо потрясающего актерского перевоплощения, фильм дарит мистическую атмосферу и загадку, которую мы раскрываем вместе с героем. Нуарный психологический триллер с парой шокирующих сцен" из моей подборки.

***

9. Таинственная река
Рейтинг: КП 7,8 / IMDb 7,9 / Skalkino 8,0
Жанр: триллер, драма, криминал, детектив
Режиссер: Клинт Иствуд
В ролях: Шон Пенн, Тим Роббинс, Кевин Бейкон, Лоренс Фишбёрн, Марша Гей Харден, Лора Линни, Эмми Россам и др.
Джимми Маркум, Дейвид Бойл и Шон Девин — неразлучные приятели с детства. Они вместе играют в хоккей, взрослея на знакомых неспокойных улицах Бостона. Уже взрослыми судьба сводит их вместе перед лицом трагедии: зверского убийства дочери Джимми Маркума — Кэтти.

"Фильм на самом деле не о том, кто порешил очередную Лору Палмер. Когда режиссёрский палец указывает на убийцу, не хочется хлопнуть себя по лбу и воскликнуть: ну как же я не догадался, вот это сюжетный твист! Тут куда важнее вопрос: кто не убийца. Маскируя свою историю под детектив, Клинт Иствуд снимает стопроцентную драму про то, что ничто не бывает погребено в омуте памяти навечно – всегда остаются круги на воде, да воспоминания огромными снулыми рыбинами дрейфуют в глубине" ArmiturA, пользователь КП.

***

10. Идентификация
Рейтинг: КП 7,6 / IMDb 7,3 / Skalkino 8,0
Жанр: триллер, детектив
Режиссер: Джеймс Мэнголд
В ролях: Джон Кьюсак, Прюитт Тэйлор Винс, Рэй Лиотта, Аманда Пит, Джон Хоукс, Альфред Молина, Клеа ДюВалл, Джон К. Макгинли, Уильям Ли Скотт, Джейк Бьюзи и др.
Бушует сильный ливень. В поисках укрытия десять путешественников вынуждены остановиться на ночь в старом мотеле. Однако вскоре они с ужасом обнаруживают, что это место становится не спасительным укрытием, а смертельной ловушкой. Люди гибнут один за другим, а убийца по-прежнему не вычислен.

***

Достойны упоминания: Онг Бак; Аниматрица (сериал); Матрица: Революция; Эффект бабочки; Пункт назначения 2; Мечтатели; Плохой Санта; Весна, лето, осень, зима... и снова весна; Открытое море; Эльф.

ДИСКЛЕЙМЕР: Все фильмы в подборке просмотрены мной лично и поэтому я их рекомендую. В посте используются отрывки из моих отзывов, а так же из рецензий с Кинопоиска, с которыми я солидарен. В графе "рейтинг" я указываю и свою оценку фильмам по 10-бальной шкале (Skalkino).

Уже на носу церемония вручения главной кинопремии Оскар, а это значит, что все основные фильмы года уже просмотрены, и пора подводить самые итоговые итоги года по лучшим фильмам. Конечно, этот год был беден на большие проекты, но зато это дало место развернуться инди-драмам и экспериментальному кино. Итак, мой субъективный топ-10 фильмов 2020 года.

Учитывая, что как раз сейчас проходит наш киноопрос, то заодно упомяну свой выбор в различных категориях (см. «звание»), что как раз соответствует тем картинам, за которые я буду болеть на Оскаре.

___________________________

10. Фрагменты женщины (Pieces of Woman)

Звание: лучшая женская роль

Впечатляет работа Ванессы Кирби в роли пережившей трагедию женщины, которая столкнулась с непониманием близких. Начальная сцена родов, снятая одним мучительно длинным кадром, шокирует своей реалистичностью — никогда не видел чтобы этот процесс снимали настолько натурально и без приукрашиваний. В остальном - в меру тяжелая, но важная инди-драма о прощении с участием Шайи Лабафа и Эллен Берстин.

___________________________

9. Король Стейтен-Айленда (The King of Staten Island)

Звание: лучшая инди-драма/комедия

Комедийная инди-драма от режиссера фильма Джада Апатоу, который всегда снимал комедии и раскручивал молодых талантов. Тут он поставил на молодого стендап-комика Пита Дэвидсона с его автобиографичной историей, татуированного с головы до ног дрыща с наркоманским видом (этакий "Рок-н-рольщик"), и не прогадал. Начинаясь как стандартная история про неудачника, постепенно фильм становился совсем не похож на другие драмы и радует небанальными сюжетными ходами. Фильм получился очень живым и душевным.

Юмора тут не так много, но местами он бьет точно в цель. А темы утраты, взросления, страха принятия ответственности и особенно давления, которое создаёт идеализированный образ отца, показались мне очень близкими.

___________________________

8. В чужой шкуре (Possessor)

Звание: лучший фантастический триллер/фильм ужасов

Стильный и медленный фантастический хоррор с элементами арт-хауса. Режиссер фильма, Брэндон Кроненберг, – сын известного Дэвида Кроненберга, мастера жанра бади-хоррора и бюджетной фантастики. Это крепкий фантастический триллер с несколькими кровавыми сценами, в котором зрителя отлично погружают в голову главного героя, его ощущения и страхи. Финал тут весьма непредсказуемый и оставляет некоторые вопросы к персонажам, и немного смазывает впечатление, но в остальном фильм – настоящий подарок. Фильм подойдет любителям необычных фильмов и особенно фанатам Кроненберга.

___________________________

7. Неадекватные люди 2

Звание: лучший российский фильм, лучшая (анти)мелодрама

Неожиданное продолжение, казалось бы, самодостаточной романтической комедии Романа Каримова. Еще в первой части молодой режиссер сумел совместить жанровые особенности западных фильмов с русскими реалиями, менталитетом и окружением. В сиквеле Каримову удалось придать особенную глубину и драматизм героям. Он показал развитие персонажей, выходящее далеко за рамки мелодрамы, по-своему перевернув правила жанра – отчего фильм хочется скорее антимелодрамой. А полюбившиеся еще с первой части герои заставляют нехило сопереживать им, ведь история очень жизненная.

Нужно быть готовым к сложному стилю повествования: события запутанно переплетаются, словно в детективе, подаваясь в нелинейном порядке, но очень выгодно с точки зрения драматургии и развития сюжета.

___________________________

6. Откуда ты родом? (Mogul Mowgli)

Звание: лучший режиссерский дебют

Главный герой узнает об аутоиммунном заболевании, которое вызывает слабость мышц и трудности с передвижением. "Откуда ты родом" успешно исследует сразу две темы, умудряясь делать это глубоко. Помимо подготовки к отходу в мир иной, тут ярко выражен быт консервативных пакистанцев: нас увлекательно знакомят с культурой и образом жизни мусульман. Но еще одной удачной находкой фильма являются психоделические элементы – галлюцинации, которые видит главный герой из-за болезни. Они создают удивительную мистическую атмосферу, которая делает просмотр странным и таинственным. В целом это довольно тяжелый фильм, который исследует важные темы, умудряясь быть и глубоким, и интересным с точки зрения режиссуры дебютанта Бассама Тарика.

В этому году вышли сразу два фильма с Ризом Ахмедом, которые еще и имеют схожую завязку. В обоих историях герой-музыкант шокирован новостью о своем физическом недуге, которое ставит под угрозу его карьеру. И там, и там он будет переходить стадию отрицания, но ему все же придется учиться жить с ограниченными возможностями. Забегая вперед, могу с уверенностью сказать, что Риз Ахмед в обоих фильмах на самом деле играет отлично и заслуживает всяческих наград. Но все же "Откуда ты родом?" произвел на меня большее впечатление, не смотря на обычно отталкивающие меня темы рэп-музыки и мусульманской культуры.

___________________________

5. Джентльмены (The Gentlemen)

Звание: лучшая криминальная комедия, лучший мужской персонаж

Триумфальное возвращение Гая Ричи к своему фирменному жанру криминальной комедии. Перед нами все тот же динамичный, стильный и уморительный Ричи, которого мы помним по фильмам "Карты, деньги два ствола", "Большой куш" и "Рок-н-рольщик". Можно много писать про то, как шикарно актеры раскрываются у британского режиссера, и то как вновь хорош клиповый монтаж, и то как задорно складывается сама история, но больше хочется обратить внимание на костюмы. Этот фильм уже называли самым стильным в 2020 году. В-общем, спасибо Гаю Ричи за его стиль – такое кино как будто никогда не надоест.

___________________________

4. Вечный свет (Lux Aeterna)

Звание: лучший психологический триллер

Психоделический триллер от Гаспара Ноэ, режиссера-провокатора, любителя экспериментов и хождения на грани цензуры. Фильм расскажет о кошмаре на съёмках, на которых все пошло не по плану. Удачный каст радует своей искренностью: видно, что актёрам была предоставлена свобода, а это приковывает к экрану и завораживает. В чем отличился этот фильм, так это в визуальном стиле – помимо излюбленной красно-зеленой гаммы, Ноэ поэкспериментировал с форматом (например, разделение экрана). По итогу можно сказать, что режиссеру шикарно удалось создать напряжение, не смотря на маленький хронометраж и практически полное отсутствие жестоких и кровавых сцен.

Фанатам Гаспара Ноэ кино точно понравится, а те кто еще не смотрел его фильмы, рискуют испытать свои нервишки и испытать то уникальное напряжение, которое они неизменно вызывают.

___________________________

3. Довод (Tenet)

Звание: лучшая фантастика, лучший боевик, лучший кинозлодей, лучшие визуальные эффекты, лучший саундтрек, лучший режиссер

Фантастический фильм Нолана-гения, снова бросающий вызов зрителю по части концепции и сложности сюжета. Завораживает изобретательность экшен-сцен, особенно бои с инвертированными персонажами. Актеры красиво смотрятся в кадре, но особенно хочется выделить Кеннета Брану, который круто сыграл злого русского олигарха. Что по атмосфере и съемке, так это высший уровень качества, как и всегда у Нолана. Отличная операторская работа, отточенный монтаж и задающий напряжение саундтрек. На выходе имеем отличный блокбастер от Нолана, который как всегда радует высочайшим качеством съемки и всех технических аспектов.

Как и в Inception, тут нас бросают в самый эпицентр событий, попутно объясняя правила игры, обращаясь к зрителю как бы через главного героя. А так как у Нолана эти правила очень сложны, то на объяснение уходит добрая половина фильма. К счастью режиссер это понимает и поощряет зрителя бодрыми экшн-сценами, которые были сняты по всему миру, напоминая фильмы о Джеймсе Бонде.

___________________________

2. Думаю, как все закончить (Im Thinking of ending things)

Звание: лучший арт-хаус, лучший актерский дуэт, лучшая операторская работа

По сюжету фильма от Чарли Кауфмана героиня едет на встречу с родителями своего парня, но при этом планирует расстаться с ним. Такое тривиальное описание вряд ли передаст странный дух фильма, который накрывает нас с первых минут. Начинаясь как медленное диалоговое кино в машине на заснеженной дороге, "Думаю, как все закончить" сразу выделяется уж очень личными и откровенными темами. Диалоги и монологи о смерти, смысле жизни и прочем поданы в весьма пессимистичном ключе, что может отпугнуть зрителя. Во второй части мы попадаем в этакий камерный триллер с неприятной гнетущей атмосферой, в которой начинаются совсем уж необъяснимые вещи с перемещениями во времени и мистикой. Стоит сказать, что даже без понимания общего сюжета можно получить удовольствие от диалогов, актерской игры и красоты кадра. Рекомендую только самым усидчивым зрителям, не боящимся странного кино.

Чарли Кауфман подарил нам такие оригинальные сюжеты, как "Вечное сияние чистого разума", "Быть Джоном Малковичем" и снял "Нью-Йорк, Нью-Йорк". Я уже давно стал фанатом его творчества и считаю Кауфмана одним из самых безумных сценаристов в Голливуде.

Кауфман не был бы Кауфманом, если бы не перевернул ожидания зрителя в очередной раз. Концовка оставляет множество вопросов, и возможно придется ознакомится с кратким содержанием первоисточника, чтобы понять замысел фильма.

___________________________

1. Отец (The Father)

Звание: лучший фильм, лучшая драма, лучшая мужская роль

Мощнейшая драма с крутым перфомансом почтенного Энтони Хопкинса и уникальной структурой повествования. В чем же уникальность? Мы наблюдаем за происходящим не со стороны, а погружаемся в голову героя и его восприятие. Сделано это за счет хитрого монтажа и визуальных иллюзий – зритель, как и сам старик, вроде бы впервые видит лица, но вдруг оказывается, что по сюжету эти люди давно ему знакомы. Эти ухищрения со временем, пространством и лицами персонажей, передают внутреннюю тревогу героя, превращая и без того отличную драму в психологический триллер, в котором мы оказываемся в западне угасающего разума.

Можно говорить о многих плюсах в лице Оливии Колман, работе художников с цветом и окружением, пробирающей музыкой Людовико Энауди, упомянутым крышесносным монтажом с режиссурой, и появлением милейшей Имоджен Путс, но конечно это все не сравнится с игрой Хопкинса. Просто браво!

___________________________

Достойны упоминания:

— Разрабы (Лучший сериал)

— Офицер и шпион (лучший исторический фильм, лучший детектив)

— Последняя капля (лучшая мелодрама)

— Звук металла (лучший звук)

— Суд над Чикагской семеркой (лучшая судебная драма)

— Дьявол всегда здесь (лучший криминальный триллер)

— Мартин Иден (Лучший иностранный фильм — Италия, Открытие года среди актеров)

— Манк (Лучшее художественное оформление)

— Пушки Акимбо (лучший трэш, лучший женский персонаж)

— Дичь (самый забавный персонаж)

___________________________

Спасибо за прочтение!

А какие фильмы стали вашими любимыми в этом году?

Приглашаю в свой паблик ВКонтакте (vk.com/skalkino) или инстаграм (www.instagram.com/skalkino), там мои отзывы выходят почти сразу после просмотра фильмов.

P.S.: Напоминаю, что сегодня последний день киноопроса "Золотая печенька", поэтому если вы еще не успели оставить свой выбор в пользу любимых фильмов 2020 года, то спешите пройти в ближайшее время.

Источник: @skalkino-top-10-filmov-2020