Подлинное авторство картины "Триумф Вакха", хранящейся в Саратовском государственном художественном музее имени Радищева, действительно остается под вопросом. Хотя в некоторых источниках ее приписывают Джорджо Вазари, это авторство неоднократно подвергалось сомнениям.
Возможно, причина этого состоит в том, что многие атрибуции искусств прошлого, особенно тех, что имеют нечеткую историю происхождения или прошли через множество коллекций, могут оставаться спорными даже при наличии экспертных оценок. В случае "Триумфа Вакха" атрибуция подвергалась сомнению не только из-за неясности происхождения, но и из-за стилистических особенностей, которые могут не полностью соответствовать стилю Вазари.
Однако несмотря на сомнения в авторстве, картина все равно представляет историческую и художественную ценность. Она сохранилась в отличном состоянии и отражает характерные черты творчества эпохи, даже если она не была написана Вазари.
Поэтому несмотря на вопросы, связанные с авторством, "Триумф Вакха" продолжает привлекать внимание исследователей и любителей искусства, представляя интерес как объект для изучения и анализа.
Объясняем, почему нарисовать чёрный квадрат может каждый, но вошёл в историю ― только квадрат Малевича.
8 июня 1915 года считается датой окончания работы Казимира Малевича над его знаменитой картиной «Чёрный квадрат». Вот уже более ста лет не утихают споры, в чём же гениальность этого произведения и почему оно достойно лучших мест в музеях.
О чём, собственно, речь?
Картина «Чёрный квадрат» Казимира Малевича была написана в 1915 году, и сегодня это одно из ключевых произведений русского авангарда. Изображённое на картине полностью соответствует её названию. На ней нарисован, собственно, только сам квадрат. Вот он:
Картина Казимира Малевича «Чёрный супрематический квадрат»
Но ведь картина должна быть красивой!
Не совсем. Ещё со времён античности повелось, что искусство в первую очередь обращается к прекрасному: оно демонстрирует красоту, гармонию, радует глаз. Но эта картина написана сильно позже.
К ХХ веку ситуация в искусстве начала меняться ― изобретение фотографии позволило художникам отойти от привычного подражания реальности и сосредоточиться на своих чувствах. Так искусство перестало служить только красоте ― художники начали изображать свои ощущения и субъективное восприятие мира.
А затем стало ещё интереснее: они задались вопросом «А что такое вообще ― искусство?» и начали экспериментировать ― искать его границы. «Чёрный квадрат» ― как раз один из результатов такого поиска.
Такую картину и я могу нарисовать.
Суть этого произведения не в его форме, которую, действительно, может повторить любой. Дело в том, что до Малевича никому не приходило в голову, что живопись может быть т а к а я. Не парадный портрет или красивый пейзаж, бытовая сценка. Что живопись может быть принципиально другой, что можно изобразить неосязаемую мысль. Что можно в форме искусства создать антиискусство.
В своей книге «Чёрный квадрат» Казимир Малевич объяснял свой подход к искусству так: «Когда исчезнет привычка сознания видеть в картинах изображение уголков природы, мадонн и бесстыдных венер, тогда только увидим чисто живописное произведение».
Поэтому закрасить квадрат чёрным, или зелёным, или любым иным цветом может каждый. Гениальность Малевича в том, что он придумал принципиально новый подход.
Неужели до него никто не догадался сделать что-то подобное?
Формально ― были похожие произведения. Например, в 1883 году ― за тридцать лет до «Чёрного квадрата» журналист и писатель Альфонс Алле представил свою картину «Битва негров в пещере глубокой ночью». Это был просто чёрный прямоугольник. Вот он:
Альфонс Алле. «Битва негров в пещере глубокой ночью», 1883 год
Внешне ― мы видим очень большое сходство. Но это два принципиально разных произведения. Картина Алле входила в серию из семи листов, один из которых был чёрным, другой ― зелёным («Сутенёры в самом соку, валяющиеся на траве и пьющие абсент»), третий ― жёлтый («Возня с охрой желтушных рогоносцев»).
Несмотря на то что на этих картинах не изображено ничего, кроме цветного прямоугольника, они имеют вполне конкретный сюжет. Играя со зрителем, Алле предлагает найти, например, на красной картине красных кардиналов на фоне Красного моря. Он намекает, что всё это там есть, просто слилось в единую красную плоскость.
В отличие от шутника-Алле, Малевич предельно серьёзен. Он не пытается спрятать в своём «Квадрате» тёмных персонажей и окружить их чёрными декорациями. Он заявляет прямо ― персонажей здесь нет. И нет ничего привычного, на что мы могли бы опереться как зрители. Есть только форма ― квадрат и цвет ― чёрный.
Неизвестно доподлинно, знал ли Малевич об альбоме Алле. Исследования, проведённые специалистами Третьяковской галереи в 2015 году, показали, что в инфракрасном спектре в углу картины из их собрания можно обнаружить надпись, отсылающую к работе француза. Но сделана ли эта приписка самим мастером или, спустя годы, неким шутником ― сегодня установить уже невозможно.
Алле выбирал яркие цвета, а у Малевича получилось довольно уныло.
Выбор цвета картины легко объясним: чёрный цвет ― это квинтэссенция всех цветов, если смешать все краски разом, то получится именно чёрный. При этом для создания и восприятия живописи необходим свет. Чёрный цвет ― это отсутствие света. Поэтому «антикартина» Малевича будто бы показывает нам все цвета разом. И вместе с этим на ней изображено то состояние, при котором живопись невозможна.
Если же рассмотреть «Чёрный квадрат» вблизи, то можно также подметить интересные детали.
Во-первых, Малевич использовал не чистый чёрный цвет, макая кисточку прямо в банку. Тёмный оттенок, которым написан «Чёрный квадрат», получен из смеси жжёной кости, которая заменила сажу, а также чёрной охры и арсенида меди ― темно‑зелёного пигмента. Кроме того, художник добавил в краску мел, чтобы картина не бликовала и цвет казался глубоким.
Во-вторых, если вы решите рассмотреть самый первый из «Чёрных квадратов» внимательно, то обнаружите, что картина покрыта трещинами (художники их называют кракелюрами) и через них проступают другие цвета. Картина предлагает будто бы заглянуть за неё, узнать, что же сокрыто за чёрной фигурой.
И что там скрыто?
Учёные выяснили это не так давно. В 1915 году Малевич был небогат и поэтому написал первый из своих «Квадратов» на уже использованном холсте. Рентгенограмма 2015 года показала, что под «Чёрным квадратом» находятся ещё две картины ― обе также в духе авангарда. Одна ― кубофутуристическая, вторая ― одно из очень ранних супрематических произведений.
Термин «супрематизм» придумал и ввёл Казимир Малевич. Картины этого направления состоят из плоских преимущественно геометрических форм, залитых сплошным цветом. Под первым вариантом «Чёрного квадрата» скрывается, по всей видимости, один из ранних не удовлетворивших художника экспериментов.
Первым? «Квадратов», получается, много?
Всего существует четыре «Чёрных квадрата». Первый из них был написан к выставке футуристов «0,10», открывшейся в 1915 году. На ней было сорок работ Малевича, а квадрат занял центральное место в экспозиции. Художник повесил его так, как вешались иконы в русских избах, ― в «красном углу».
«Чёрный квадрат» на выставке «0,10», 1915 год
Этот «Квадрат» сейчас хранится в Третьяковской галерее. Там его можно внимательно рассмотреть, увидев своими глазами и специально созданный чёрный цвет, и кракелюры под ним.
А откуда появились ещё три дополнительных «Квадрата»?
Второй «Чёрный квадрат» хранится в Русском музее. Он был написан в 1923 году как фрагмент триптихадля Международной выставки в Венеции. Картины триптиха повторяли известные работы Малевича — «Чёрный квадрат», «Чёрный круг» и «Чёрный крест», которые демонстрировали зрителю базовые фигуры супрематизма. Проект был сделан совместно с учениками, и у исследователей есть все основания предполагать, что этот «Чёрный квадрат» Малевич писал не сам, будучи лишь наставником.
Третий «Чёрный квадрат» Малевич написал в 1929 году для персональной выставки в Третьяковской галерее. Это практически полная копия произведения 1915 года. Сейчас он также хранится в Третьяковской галерее, и в 2019 году оба «Квадрата» можно было увидеть рядом.
С последним, четвёртым, «Чёрным квадратом» наиболее интересная история. Он был написан в 1931–1932 годах для выставки «Художники РСФСР за 15 лет», однако потом был забыт более чем на полвека. Обнаружили его лишь в 1993 году, когда некий мужчина принёс картину в один из крупных банков, чтобы продать. Оказалось, что жена этого человека была достаточно далёкой, но единственной оставшейся наследницей мастера. Семья также передала банку в дар ещё некоторые произведения, а экспертиза Третьяковской галереи подтвердила подлинность картины. С 2000 года она находится в постоянной экспозиции Государственного Эрмитажа — то есть увидеть «Чёрный квадрат» можно не только в Москве в Третьяковке, но и в Санкт-Петербурге.
Зачем идти в музей, если всё можно посмотреть в интернете?
В теории, конечно же, в интернете есть всё. По фотографиям вы вполне составите представление, на что эта картина похожа и что на ней изображено (квадрат).
Однако мы бы советовали всё же посмотреть на «Чёрный квадрат» в музее. При взгляде на живопись, если хочется её понять, важен не только сюжет или цвета картины. Большое значение имеет её размер, фактура холста, как художник накладывал мазки ― это можно увидеть только на подлиннике. Также можно подметить разные интересные детали, которые не умеет передать репродукция.
Подводя итог: никто не додумался до «Чёрного квадрата» раньше, и в этом его гениальность. Верно?
Да, всё правильно. «Чёрный квадрат» ― это одно из самых новаторских произведений в истории не только современного искусства, но и мировой живописи. Несмотря на внешнюю простоту, он имеет вполне конкретные смыслы.
Жил-был король. Был он, мягко говоря, уродлив: морщинистый старик с бельмом на правом глазу, правая рука скрючена, правая нога короче другой. И велел король позвать лучших художников, чтобы нарисовали они его портрет. Первый художник нарисовал короля молодым красавцем, полным жизни, размахивающим саблей, верхом на вороном скакуне. Король сказал: — Это непохоже. И велел казнить художника. Так погиб романтизм.
Второй художник нарисовал короля как он есть, во всём его уродливом безобразии – морщинистого, скрюченного, бельмастого. Король посмотрел и сказал: - А это мне не нравится. И повелел казнить и второго художника. Так погиб натурализм.
А вот третий художник нарисовал короля как он есть, но... с левой стороны. И король осыпал его золотом. Вот так и возник социалистический реализм.
Это бюст Никколо да Уццано, флорентийского оппозиционного политика XV века. Он был банкиром и выступал против могущественной семьи Медичи. Легендарный итальянский скульптор эпохи Возрождения выполнил эту работу в 1430 году.
На первый взгляд кажется, что мужчина выдувает мыльные пузыри. Однако это особый химический раствор, который после высыхания не смывается водой и формирует узор.
Фрегат -
трёхмачтовый парусный корабль с мощным артиллерийским вооружением (до 60 пушек), расположенным на одной или двух закрытых артиллерийских палубах, предназначенный для широкого спектра боевых действий. Начиная от самостоятельных действий на морских коммуникациях (крейсерства) против торгового флота противника, так участие в сражении эскадр в кильватерной колоне. Эра этих парусников пришлась на XVII—XVIII века. С середины XIX века появились паровые колёсные, затем винтовые фрегаты с бронированным корпусом.
В одном из старейших медицинских музеев Франции стоит фигура, которая сначала кажется странной скульптурой. Это человек верхом на лошади. Лошадь подняла голову, её мышцы напряжены, всадник вытянул руку вперёд, будто указывает дорогу. Поза почти героическая, даже красивая. Но стоит подойти ближе, и становится ясно: перед вами не скульптура и не восковая модель.
Это настоящие тела.
У человека и лошади нет кожи. Она была полностью снята и на поверхности остались только мышцы, сухожилия и переплетённые сосуды. Всё это высушено и сохранено так, что выглядит почти как тёмно-красная древесина.
Эту работу создал французский анатом Оноре Фрагонар в XVIII веке. Он работал преподавателем анатомии в ветеринарной школе недалеко от Парижа. Его задачей было готовить учебные препараты для студентов — тела животных и людей, на которых можно было изучать мышцы и органы. Обычно такие препараты были простыми и функциональными. Но Фрагонар начал делать из них нечто совершенно другое.
Он превращал трупы в целые сцены.
У человека видны отдельные мышечные пучки на груди и руках. Они выглядят как плотные волокна, похожие на скрученные верёвки. На ногах можно заметить сухожилия, натянутые вдоль костей. Там, где раньше проходили крупные сосуды, видны тонкие трубки, иногда выделенные тёмным воском.
Лошадь выглядит не менее тревожно. Без кожи её тело напоминает сложную сеть мышц, каждая из которых выделяется отдельным слоем. Шея вытянута, вокруг челюсти можно увидеть плотные связки, удерживающие кость. Когда смотришь на всё это вместе, возникает странное чувство: фигура выглядит как движение, застывшее в моменте, но при этом понимаешь, что перед тобой когда-то были живые существа.
Когда эти работы начали показывать людям в XVIII веке, реакция была очень разной. Некоторые восхищались мастерством анатома. Но многие считали его работы пугающими и даже безумными. Люди говорили, что он слишком увлечён смертью и превращает анатомию в странный театр.
Со временем слухи вокруг Фрагонара стали настолько сильными, что его карьера резко оборвалась. Его неожиданно уволили из ветеринарной школы, где он преподавал. Точных причин в документах не осталось, но современники писали, что руководство было шокировано его методами и тем, насколько странными становились его анатомические композиции.
После этого Фрагонар почти исчез из научной жизни. Он больше не занимал крупных должностей и работал гораздо менее заметно. Когда он умер в 1799 году, о нём почти не вспоминали.
Но его работы пережили его самого.
Сегодня этот экспонат хранится в музее анатомии и выглядит почти так же, как двести пятьдесят лет назад. Он стоит под стеклом, освещённый мягким светом и многие посетители сначала думают, что перед ними искусная скульптура. Но через несколько секунд приходит понимание, что это не искусство в привычном смысле.
Это настоящие тела, превращённые в неподвижную сцену.
Картина "Клятва Горациев" Жака-Луи Давида действительно является важным произведением не только в его собственной карьере, но и в истории искусства, отмечая зарождение нового стиля - французского неоклассицизма.
Сюжет картины, взятый из римских легенд, показывает борьбу между Римом и Альба-Лонгой через ритуальный поединок между тремя братьями Горациями и тремя братьями Куриациями. Драматизм ситуации усиливается тем, что семьи братьев были связаны родственными и дружескими узами, но долг перед отечеством в Риме ставился выше личных отношений.
Основные элементы композиции картины также символичны: симметрия и равновесие геометрических форм, использование числа "три" для создания гармонии, а также выразительные жесты персонажей. Отец Горациев дает своим трем сыновьям мечи, подчеркивая готовность к смертельному поединку.
"Клятва Горациев" стала одним из самых известных произведений Давида и внесла значительный вклад в его успех и признание. Картина получила признание не только во Франции, но и за ее пределами, став символом не только неоклассицизма, но и патриотизма и героизма. Различные эскизы картины дополняют общее восприятие произведения и демонстрируют трудоемкость и внимание к деталям, характерные для Давида.
Итак, "Клятва Горациев" Жака-Луи Давида не только знаменует начало нового стиля в живописи, но и оставляет глубокий след в истории искусства, олицетворяя силу и могущество не только физического, но и духовного героизма.
Картина "Свидание" Фрагонара, вторая часть цикла "Любовные приключения", является частью удивительной истории в истории искусства. Фрагонар создал этот цикл для графини Дюбарри, фаворитки Людовика XV, и предназначал его для украшения садового павильона в ее поместье.
Фрагонар задумал серию картин как единое целое, где каждая часть была бы взаимосвязана и дополняла друг друга. Великолепно, что все картины из этого цикла сейчас находятся в одном месте - в Зале Фрагонара в частном музее Генри Клея Фрика в Нью-Йорке. Это позволяет зрителям насладиться всем циклом в его оригинальном контексте.
Картина "Свидание" передает атмосферу тайного встречи двух молодых людей в саду. Фрагонар мастерски воссоздал момент, наполненный волнением и радостным предвкушением. Интересно, как художник использует элементы природы, чтобы усилить атмосферу картины, включая игру света и зелени.
Особенно примечательно, как Фрагонар вписывает в сцену образ Венеры и купидона. Это не просто украшение, но и своеобразная шутка художника, добавляющая глубину сюжету.
История создания цикла "Любовные приключения" также отражает сложные отношения художника и его заказчицы. По всей видимости, Фрагонар был доволен своей работой, но графиня Дюбарри отвергла картины, ссылаясь на их несовместимость с архитектурой павильона. Однако многие исследователи утверждают, что реальная причина могла быть связана с схожестью лица героини с лицом самой графини.
В одной из бутылок каплевидной формы плывет галеон Хавфруэн. Дует хороший ветер и корабль плывет на полных парусах. В другой бутылке Ларсен соорудил китайскую джонку. Если присмотреться, то можно увидеть, что это пиратский корабль.
