Искусство

Красиво срать не запретишь...

Наткнулся на Авито. Комплекты для декорирования туалета. Бабушкины ажурные салфеточки на телевизоре отдыхают просто...

Где можно посмотреть огромную и разнообразную коллекцию истории и достижений ислама, спросите вы. Конечно же в Израиле, в сердце Иерусалима.

Там анонсировалась выставка ковров, которую я очень хотела посмотреть. Но буду делать посты по залам, так как экспонатов очень много.

Весь музей оформлен в восточном стиле.

Первый зал музея вводит посетителя в тему ислама, рассказывая о его истории, объясняя его основные понятия. Здесь представлены образцы оформления Корана, элементы интерьера мечетей.

Старинная посуда не может не вызывать восторг.

Освещены темы исламской посуды, каллиграфии, музыкальных инструментов, шахмат, образцы научных исследований.

Мусульманская цивилизация начиналась с неграмотных бедуинов. Даже сам Пророк Мухамад, согласно Корану, был неграмотен. Но по мере своих завоеваний, ислам впитывал знания и культуру других народов, создавая свою цивилизацию. Коран содержит много еврейских и христианских материалов. Это хорошо видно и в раннем исламском искусстве. В нём отразились опыт Византии, коптов и других христианских народов.

С предметов искусства просто убирались изображения людей и другая, чуждая исламу, символика.

Сады и парки. Обратите внимание на фонтаны, каскады, аллеи. Женщины в ярких одеждах. Никаких хиджабов и чёрных хламид. На заднем плане Пушкин с тросточкой забавляет толпу игрой на шарманке.

  Период его активного творчества охватывает примерно 12 лет: с 1812 по 1824 год.

В истории мировой живописи трудно найти пример более пугающей и самоотверженной одержимости реализмом, чем период работы Теодора Жерико над его монументальным полотном «Плот Медузы». Чтобы передать подлинный ужас человеческих страданий, художник добровольно заточил себя в пространство, которое современники старались обходить стороной.

Замысел мастера требовал запредельной достоверности. Жерико взялся описать трагедию выживших после крушения фрегата «Медуза», которые тринадцать дней дрейфовали на плоту, погружаясь в безумие и каннибализм. Понимая, что обычные натурщики из парижских студий выглядят слишком цветущими и здоровыми для такой темы, художник решил работать с самой смертью. Он заключил негласное соглашение с врачами близлежащей больницы Божон, которые начали поставлять ему ампутированные конечности, и даже получал фрагменты тел казненных преступников прямо с эшафотов.

Мастерская Жерико на окраине Парижа на долгие месяцы стала местом жуткого эксперимента. Художник намеренно оставлял фрагменты тел разлагаться подле своего мольберта, чтобы скрупулезно фиксировать тончайшие изменения цвета кожи, проступание вен и специфическую трупную бледность. Запах тления в помещении был настолько тяжелым, что в нем невозможно было находиться неподготовленному человеку, однако сам Жерико, обривший голову наголо в знак отречения от светской жизни, работал в этой атмосфере с фанатичным упорством.

Итогом этих изысканий стали подготовительные этюды, которые сегодня пугают зрителей даже больше, чем финальная картина. На полотне, известном как «Анатомические фрагменты» (или «Натюрморт из рук и ног»), переплетенные конечности выписаны с той же тщательностью и эстетическим вниманием, с какими классики писали фрукты или цветы. Еще более шокирующей стала работа «Головы жертв» (или «Отрубленные головы»), где запечатлены посмертные маски мужчины и женщины, сохранившие выражение предсмертной муки.

Жерико стер грань между академическим искусством и биологическим распадом, превратив физическое отвращение в мощный художественный инструмент. Эти работы, ныне хранящиеся в Лувре, остаются не просто анатомическими набросками, а свидетельством того, как далеко может зайти творец в попытке запечатлеть абсолютную, невыносимую правду человеческого существования.  

Имя Дэмиена Хёрста слышали все. Его самая известная работа — усыпанный бриллиантами череп под названием «Ради любви к Богу» — в каком-то смысле является символом современного искусства: нечто эпатажное, очень дорогостоящее, вызывающее ожесточенные споры среди критиков и зрителей. Во многом, считает Армен Апресян, на эпатажности и строится репутация Хёрста в мире искусства. Читайте об этом в отрывке из его книги «Циничное искусствоведение».

Хёрст — не только один из самых известных художников современности, он еще и один из наиболее противоречивых персонажей мировой арт-сцены. Его работы продаются за миллионы долларов, им восхищаются кураторы и галеристы, но в то же время некоторые критики вовсе отказывают ему в праве называться художником, а собратья по цеху называют мошенником и плагиатором. Его постоянно сопровождают скандалы, но создается впечатление, что он не старается их избежать: наоборот, Хёрст словно купается в них, наслаждаясь шумихой вокруг своего имени, не обращая внимания на то, в каком контексте его обсуждают.

Не секрет, что в искусстве дня сегодняшнего идея, концепция зачастую важнее, чем ее воплощение. Так вот, Хёрст ухитрился стать суперпопулярным, продавая работы, идеи которых не являются оригинальными, и примеров тому немало. Цены на его работы стремительно росли вплоть до 2008 года, кураторы прославляли художника на все лады, а специалисты по инвестициям в искусство называли очень перспективным, но после кризиса цены на его работы не просто упали — они рухнули, потеряв за год почти 90%! Несмотря на это, Хёрст не растворился — он, словно Феникс из пепла, восстал и продолжает творить.

Жизнь Хёрста (по крайней мере, официальная версия) напоминает волшебную сказку. Этакая арт-версия «Золушки» рубежа ХХ-ХХI веков.

Дэмиен Хёрст родился 7 июня 1965 года в Бристоле, но детство провел в Лидсе в не самой благополучной семье. В юности его дважды арестовывали за мелкое воровство, но тем не менее он как-то закончил среднюю школу и даже попытался получить художественное образование в местном колледже, но в этом не преуспел и отправился в Лондон, где пару лет отдал отнюдь не художественной деятельности, подрабатывая на стройках, а затем после двух неудачных попыток поступить в художественные учебные заведения был принят в Голдсмитс-колледж, в котором обучался с 1986 по 1989 год.

Впервые Хёрст привлек к себе внимание публики в 1988 году, когда организовал выставку Freeze, где с его работами познакомился Чарльз Саатчи — один из наиболее влиятельных игроков современного арт-рынка, владелец галереи и коллекционер. С тех пор Саатчи стал покровителем Хёрста — и не только с удовольствием приобретал его работы, но и продвигал молодого перспективного художника, а также поддерживал его стремление создавать во всех отношениях масштабные произведения. Надо понимать, что создание таких произведений требует изрядных финансовых вложений, и небогатый в те времена Хёрст просто не смог бы реализовать свои смелые планы, но Саатчи выделил ему 50 тысяч фунтов. Именно на эти деньги и был создан арт-объект, название которого стало нарицательным. Точнее, не название — все-таки с первого раза непросто запомнить, что чучело акулы, помещенное в аквариум, наполненный формальдегидом, — это «Физическая невозможность смерти в сознании живущего».

«Акула в формалине» была представлена миру, Хёрст был номинирован на получение премии Тёрнера (которую тогда, правда, не получил). Сам же объект несколько лет спустя был продан коллекционеру Стиву Коэну аж за 6,5 миллиона фунтов.

В последующие годы Хёрст продолжал работать с фауной, используя для создания шокирующих образов туши овец, разделанных свиней, а также внутренности самых разных животных. Но для того чтобы оставаться на вершине популярности, ему был необходим скандал, и тот не заставил себя ждать. В 2000 году Саатчи оповестил общественность, что стал владельцем нового шедевра, уплатив около миллиона долларов за огромную бронзовую скульптуру «Гимн», формально являющуюся увеличенной копией обычной анатомической модели, которые можно встретить в школьных кабинетах биологии. Хёрст был обвинен в нарушении авторских прав и выплатил немалые отступные создателю модели.

С начала 2000-х годов художник начинает создавать спот-картины — белые полотна с рядами разноцветных кружочков одинаковых размеров. Но просто разноцветные пятна — это не вполне концептуально, поэтому каждая работа получила название какого-то химического соединения (например, «Аргинин-янтарная кислота»). К этому времени имя Хёрста стало настоящим брендом, поэтому неудивительно, что за эти картины коллекционеры платили сотни тысяч долларов, а некоторые работы преодолевали рубеж в миллион. И все было бы хорошо, да только идея была, мягко говоря, не очень нова. Ведь подобные работы делал еще в 1960-е годы Томас Даунинг — только вот кто знает этого художника?

В 2003 году, вероятно, решив, что обладает достаточно высоким статусом в арт-мире, Хёрст прекратил сотрудничество с Саатчи. Судя по всему, это не сказалось отрицательно на его положении: выставки, которые он проводил, были стабильно успешными, а в 2007 году он и вовсе стал самым дорогим художником мира — на торгах аукционного дома Sotheby’s его объект «Весенняя колыбельная» был продан за без малого 10 миллионов фунтов.

Но не прошло и нескольких месяцев, как появилась новость о том, что Дэмиен Хёрст создал самое дорогое произведение искусства — платиновый череп, инкрустированный бриллиантами, получивший название «Ради любви к Богу». Писали, что это слегка уменьшенная копия черепа 35-летнего европейца, жившего между 1720 и 1810 годами, причем зубы настоящие. Назывались невероятные цифры: дескать, вся площадь черепа усеяна 8601 бриллиантом общим весом 1106,18 карата, а себестоимость арт-объекта составила 14 миллионов фунтов. В августе 2007 года мировые СМИ сообщили, что сделка века состоялась: череп был приобретен анонимной группой коллекционеров за впечатляющие 50 миллионов фунтов. Правда, сделка прошла «за закрытыми дверями», никаких подтверждающих документов предъявлено не было, да к тому же поговаривали, что среди этой «анонимной группы» был и сам художник, поэтому некоторые скептики выражали сомнения…

Однако рекордов много не бывает, и в сентябре 2008 года — как раз в то время, когда финансовый мир в ужасе следил за крахом Lehman Brothers и набирающим обороты финансовым кризисом, — Sotheby’s провел небывалые торги. Никогда прежде столь крупные аукционные дома не проводили соло-аукционов живущих художников, но для Хёрста было сделано исключение. Аукцион получился более чем успешным: были проданы более 200 лотов, принеся Sotheby’s почти 198 миллионов долларов.

Несмотря на столь впечатляющие финансовые успехи, многие критики и художники были настроены весьма агрессивно по отношению к Хёрсту. Когда в 2012 году персональная выставка Хёрста открылась в его родном Лидсе, публика была в восторге: в первую же неделю экспозицию посетили 11 тысяч человек (что очень неплохо для города с населением чуть больше полумиллиона). Но бывшая преподавательница Хёрста из художественного колледжа Лидса Глория Саймонс подвергла критике увлечение художника дорогими, сделанными на продажу вещами, начисто лишенными «художественности». По ее мнению, хотя он и является богатейшим художником Великобритании, но кажется самым духовно нищим из всех. Пока он устраивает метафорические пляски на костях беззащитных людей и животных, деньги, словно цунами, льются в его карманы.

Конечно, если верить некоторым современным искусствоведам и гламурным изданиям, в той или иной степени освещающим вопросы арт-мира, произведения Хёрста заставляют задуматься о неких эфемерных «вечных вопросах». Авторы подобных публикаций с многозначительным видом говорят о новом слове в современном искусстве, отмечают, что художник вдохновляется традициями разных культур: от религиозных изображений Древнего Египта до Эзопа, Льюиса Кэрролла и Джорджа Оруэлла. Его работы способны вызывать чрезвычайное визуальное напряжение. Животные в формальдегиде одновременно подчеркивают ограниченность человеческого бытия и идеализируют его — нашу мимолетную жизнь и постоянное стремление посредством религии или науки продлить ее, на этом свете или на том. Хёрст, по-видимому, приписывает животным свойственное человеку психологическое состояние отчужденности, а также осознание собственной смертности, хорошо знакомое каждому из нас, — невозможность победить смерть и нашу неспособность понять, почему мы вообще должны умирать.

Остается только в меру иронично поразмышлять: умопомрачительный успех художника — результат глубочайшего символизма его работ или, наоборот, бренд «Дэмиен Хёрст» делает любой (даже самый абсурдный) объект многоплановым и интересным для обсуждения?

Пожалуй, наилучшей иллюстрацией всей деятельности «самого дорогого художника современности» можно считать необычный аукцион, состоявшийся в 2007 году в Ирландии, на котором были выставлены имитации его работ.

Из 41 представленного лота лишь один был создан Хёрстом, остальные же были выполнены в его манере начинающими художниками, а то и вовсе студентами художественных колледжей. Участники аукциона, конечно же, не знали, какая из представленных работ — бесспорный шедевр от самого известного художника, поэтому совсем не удивительно, что все лоты были проданы. По окончании торгов аукционист указал на «настоящего Хёрста» и выдал сертификат, подтверждающий подлинность. К слову, счастливый обладатель картины кинопродюсер Алан Малоуни заплатил за нее всего 200 фунтов. По-видимому, он не успел ощутить глубокую внутреннюю связь с доставшимся ему произведением и практически сразу же согласился повторно выставить его на торги. На сей раз покупатели, уверенные в авторстве художника, приобрели картину более чем за 95 тысяч фунтов… Возможно, это лучший ответ на вопрос, каково соотношение реальной стоимости произведения искусства и того бренда, под которым оно продается. У особенно циничного наблюдателя может сложиться впечатление, что подобная деятельность не имеет отношения к искусству, а скорее является частью некоего шоу-бизнеса.

Как в сказке Андерсена, публика недоумевает, видя голого короля, но тем не менее не спешит выражать свои ощущения. Хотя некоторые критики и пытаются как-то изменить ситуацию. Один из них, Джулиан Сполдинг, даже написал книжку «Спорное искусство — Почему стоит продать вашего Дэмиена Хёрста при первой же возможности». Его главный аргумент: Хёрст не является художником просто потому, что не создал ничего, что можно было бы назвать произведением искусства. Вот уже больше десяти лет Сполдинг раздает интервью, выступает в телевизионных шоу, пытаясь разоблачить Хёрста. Однако пока рынок убедительно показывает несостоятельность его аргументов: цены на работы Хёрста растут, а сам он не теряет актуальности.

В 2022 году, на волне бума NFT, Дэмиен Хёрст представил серию из 10 тысяч работ, названную The Currency. Формально это были уже давно знакомые публике спот-картины, вот только в этот раз покупатели получили возможность выбора между физически существующей картиной и ее NFT-копией. Художник утверждал, что в случае если коллекционер выбирает «цифру», то оригинал на бумаге будет сожжен. Выбор в итоге распределился практически поровну: 5149 покупателей коллекции предпочли оригиналы на бумаге, а 4851 — цифровые копии. Приобретая работу, покупатель получал и сертификат с уникальным номером. Сжигая каждую работу, Хёрст демонстрировал этот номер, чтобы никаких сомнений не возникало. В итоге получилось настоящее шоу, которое демонстрировалось в прямом эфире.

Подобные акции можно воспринимать двояко: как аттракцион на потеху публики или же как зафиксированный на видео процесс трансформации произведений искусства. Что же это такое на самом деле? Зрители будут радоваться зрелищу, коллекционеры — наслаждаться произведениями Хёрста (или хотя бы осознанием их обладания), критики — бить тревогу, а художник — подсчитывать прибыли. При этом кто-то наверняка задумается, кем был бы сегодня Дэмиен Хёрст, если бы тридцать с лишним лет назад на него не обратил внимания Чарльз Саатчи?

Источник: gorky.media

Древнеримский оратор написал о своём искусстве несколько трактатов. В них — рецепт красноречия, полезный и в наши дни.

Марк Туллий Цицерон (106 — 43 гг. до н. э.) не был аристократом. Он происходил из сословия всадников, не наделённых властью от рождения. Чтобы оказаться в сенате, Цицерон использовал единственное своё оружие, в античном мире превосходившее подчас богатство и личные связи, — ораторское мастерство. Он учился в Греции и риторических школах Малой Азии, изучал Демосфена, Платона, почитал Перикла и Аристотеля — лучших риторов Античности. В Риме же наблюдал за работой актёров театра и понял, как возбуждать чувства слушателей.

К 35-летнему возрасту мастер политического и судебного красноречия, Цицерон стал первым оратором Рима. Его искусство открыло ему путь в политику. Он занял пост квестора, затем эдила и претора. После этого Цицерон поднялся на вершину формальной республиканской иерархии — народ избрал его консулом. В этом качестве велеречивый Цицерон совершил в 63 г. до н. э. главное политическое дело своей жизни. Когда был раскрыт заговор Катилины (аристократы вооружённым путём хотели взять власть), Цицерон предотвратил переворот словом — он прочёл в сенате четыре речи против заговорщика и убедил собрание не только свергнуть Катилину, но и казнить его без должных судебных процедур.

«О времена! О нравы! Всё понимает сенат, всё видит консул, а этот человек ещё живёт и здравствует! Живёт? Да если бы только это! Нет, он является в сенат, становится участником государственных советов и при этом глазами своими намечает, назначает каждого из нас к закланию. А что же мы? Что делаем мы, опора государства? Неужели свой долг перед республикой мы видим в том, чтобы вовремя уклониться от его бешеных выпадов? Нет, Катилина, на смерть уже давно следует отправить тебя консульским приказом, против тебя одного обратить ту пагубу, что до сих пор ты готовил всем нам…»

Из первой речи Цицерона против Катилины, произнесённой в сенате

Однако политическая звезда Цицерона очень быстро померкла. Ему не только не удалось удержаться в сенате и вообще в Риме (из-за Цезаря), но и в принципе пришлось надолго покинуть политическую арену. Республика, которую он защищал, пала. Его политическая программа — единение сословий — полностью провалилась. Когда голос Цицерона вновь зазвучал громко, на сей раз против деспота Марка Антония (против него оратор прочёл около 20 сильных речей), тот устранил его самым грубым образом: послал убийц. Пожилому республиканцу и философу отрубили голову.

По легенде, жена Антония Фульвия втыкала булавки в язык отрубленной голове Цицерона, а после голову повесили на ростре на Форуме. Правда, политические убийства не спасли Антония от печальной развязки — политического и военного поражения, а затем суицида. И если он остался в истории лишь как любовник Клеопатры, малоприятный политик и оппонент Октавиана, то Цицерон занял в ней куда большее место. Оратор составляет важную часть наследия древнеримской культуры. Его речи — лучшие образцы латыни I в. до н. э., его трактаты — отражение древнеримской политической и правовой философии.

Некоторые сочинения Цицерона — своеобразные пособия по ораторскому искусству. Главные из них, «De oratore» («Об ораторе») и «Orator» («Оратор»), он написал на склоне лет и в них включил все познания. Основные наставления и рассуждения Цицерона можно свести к 10 пунктам.

1. Оратор должен обладать философским образованием

Чтобы воздействовать на душу человека словом, надо её познать, а для этого нужна философия. Цицерон: «Вся мощь и искусство красноречия в том и должны проявляться, чтобы или успокаивать, или возбуждать души слушателей».

2. Оратор должен обладать научным образованием

Науки же нужны, потому что без знаний «беглость в словах бессмысленна и смешна». Оратору следует знать историю, дабы «черпать из неё примеры», а также знать законы, ибо «незнание права — бесстыдство» (здесь в Цицероне говорит римское чувство гражданского долга). Если же предмет речи связан с другими науками, оратору следует консультироваться с лучшими в этом деле и изучить вопрос так, чтобы казалось, будто говорящий разбирается в нём лучше специалистов.

3. Память

Оратор должен совершенствовать «сокровищницу всех познаний».

4. Оратор должен владеть всеми тремя стилями речи

Античное красноречие знало три стиля — простой (служит только для убеждения), средний (ещё и для услады слушателя) и высокий (с его помощью оратор волнует и увлекает публику).

5. План

По мнению Цицерона, «нельзя замыкаться в одном стиле». Настоящий оратор действует гибко и всегда составляет план — он знает, «что сказать, где сказать и как сказать»; он умеет для каждой ситуации выбрать стиль, подобрать красивые слова и правильно расположить их в речи (например, поставить в её начало и в заключение самые сильные доводы, чтобы их лучше запомнили).

6. Риторическая техника

Произнести хорошую речь может лишь тот, кто умеет просчитать реакцию публики на слова и их порядок. Даже молчание — композиционный приём. Оратор должен быстро привлечь слушателя во вступлении речи, изложить всё ясно и лаконично, аргументировать свою точку зрения и опровергнуть противную, а затем завершить всё эмоциональным заключением.

7. Актёрское мастерство

Не зря Цицерон восхищался Росцием и другими актёрами. Подлинное красноречие также требует актёрского мастерства, так как чувства убеждают людей даже лучше рациональных доводов. Цицерон отлично умел вызвать сострадание и гнев, страсть и восторг, отвращение и страх… Он помнил о жестах, звуке и тоне голоса, выражении своего лица.

8. Ритм

Речь — произведение искусства. Новаторство Цицерона в том, что он привнёс в речь поэтическую художественность. «Приятность ритмов», считал он, важна так же, как приятность слов. Например, можно в какой-то части речи повторять одно слово или синтаксическую конструкцию, или держать определенный темп, или перечислять предметы резко, без союзов. Точно так же можно придать ритм «фигурам мысли» — намёкам, переходам, иллюстрациям, противопоставлениям.

9. Смех

Очевидное правило. Шутка делает речь интереснее и убедительнее. Цицерон умел смешить до слёз. Но он же предостерегал — оратору надо использовать юмор умеренно и «всячески избегать шутовского острословия».

10. Дарование

Без природного таланта оратором не стать. Цицерон считал, что не способным к красноречию нужно прямо говорить об этом. Остальным же нельзя мешать, а особенные дарования изо всех сил надо поддерживать.

Источник: diletant.media

Просто восхищаюсь стилем этой художницы, разнообразием фантастических вселенных, затронутых в ее иллюстрациях, и, конечно же, непередаваемым духом моего любимого Санкт-Петербурга.

Решил посмотреть от нехрен делать, какие пленочные фотоаппараты продаются на онлайн-маркетах. Оказалось, в 2023 году в очередной раз возобновился выпуск плёночного фотоаппарата ЛОМО Компакт-Авто

Производится он уже не в Ленинграде, а по заказу венского бренда Lomography AG на китайских заводах.

В 1991 году два австрийских студента тусили в СССР и искали дешёвую фоткалку. Среди самых бюджетных вариантов нашли ЛОМО ЛК-А, и он привёл их в экстаз своей паршивостью - фотоаппарат был настолько плох, что даже хорош. Говнофото выглядели как произведения артхаусного искусства: хреновый автомат экспозиции предлагал неверные экспопары; никакой защиты от бокового засвета; сомнительная точность выдержек; низкое качество сборки корпуса, из-за чего свет попадал на плёнку сквозь зазоры... Тогда предприимчивые студенты и придумали легендарные "10 правил ломографии". Они, по сути, основали культ вокруг этого фотоаппарата и бренда ЛОМО и быстро обрели мировую популярность: на первой фотовыставке ломографов в 1992 году реализовали 700 фотоаппаратов ЛОМО ЛК-А. Если бы не они, производство пленочных фотоаппаратов на ЛОМО могло бы закончиться гораздо раньше, чем в 2005 году. После того, как объединение сказало, что больше не могёт, производство перенесли в Китай и расконсервируют его раз в несколько лет. И каждый раз цена увеличивается. Я еще помню юбилейный выпуск 25-летию модели ЛОМО ЛК-А, который стоил 10 тысяч рублей, что по тем временам было уже дохрена за фотоаппарат, единственной целью которого является делать бракованные снимки.

Текущая итерация называется LC-Wide. Она не новая, известна по крайней мере с 2011 года, просто вернули классику. Особенность этой модели в том, что в неё вкорячили широкоугольный объектив Минигон. Причем объектив серьёзный,  Характеристики объектива: 17mm f/4.5 и ебейшее виньетирование. 

Возможность делать мультиэкспозицию тоже никуда не делась.

Я, конечно, рад видеть, что оно ещё живое, и что культ ломографии разросся до самостоятельного бренда, который производит большую номенклатуру фотоаппаратов и фотоплёнок (многие из сортов плёнок тоже имеют заложенный "брак" типа цветной или текстурной подложки). Однако хотелось бы видеть более серьёзные плёночные камеры в эту цену. Но ничего, на онлайн-маркетах можно найти продавцов старых полупрофессиональных и профессиональных фотоаппаратов в исправном или ремонтопригодном состоянии.

Представил свою работу в преддверии года Кролика, White Cube Гонконг.

На одной из улиц Тбилиси, в старом городе, находится театр марионеток - Gabriadze Theatre. Он занимает вот такую причудливую башню.

Справка из интернета: 

"Резо Габриадзе - художник, театральный и кинорежиссер, писатель и скульптор. Резо Габриадзе родился в 1936 году в городе Кутаиси, Грузия. Автор более чем 35 фильмов ("Мимино", "Кин-дза-дза", "Чудаки" и др).В 1981-м Резо Габриадзе основал Театр марионеток в Тбилиси. С первого спектакля театр покорил сердца зрителей и до сих пор гастролирует по всему миру. Резо пишет пьесы, создает кукол и оживляет их на сцене своего театра. За более чем 30 лет спектакли успели побывать во многих странах мира и принимали участие в крупнейших международных театральных фестивалях – в Авиньоне, Эдинбурге, Нью-Йорке, Торонто, Белграде, Чарльстоне, Дрездене, Москве и других городах."

Гуляя около театра, я подслушала экскурсовода, который сказал, что сейчас делами в театре занимается сын Габриадзе. 

Я смотрела спектакль "Осень моей весны". Все спектакли с 12 лет (сначала я удивилась, но потом поняла почему - ну например потому что есть мат, единично конечно, всё-таки настоящий жизненный спектакль, как без крепкого словца!) ну и сюжет взрослый, хоть и с говорящей вороной в главной роли)). В программе 4 спектакля. Спектакли на грузинском языке, сверху небольшой экран, на котором показывают английские субтитры к спектаклю, при входе при необходимости дают наушники, в которые транслируется спектакль на русском языке. 

Всего в постановке участвовало 6 актёров-кукловодов, все они в черных мантиях и черных перчатках. В момент постановки они вместе с куклами находятся на сцене - зритель видит их лица, иногда улыбаются, но в основном сосредоточенные). Кукол очень много, сколько в них жизни! Полицейский ездит на настоящем маленьком байке, с пистолетом! Куклы играют на барабанах, бьют в тарелки.. волшебство.. Постановка про птичку Бориса, про Кутаиси после войны.. 1948 год кажется, про жизнь.. такая грузинская сказка, есть место и смеху и слезам. 

Фото спектакля из интернета:

Такая магия, такие дела)

Работал в основном в Тоскане.В раннем возрасте его отдали под покровительство графа Альберто д'Отавио Барди ди Вернио, помощника кардинала Карло де Медичи.

В 1629 году он поступил в Академию изящных искусств. Граф Барди умер в 1632 году, оставив завещаниие, по которому Феличе Фичерелли смог остаться в доме графа в обмен на предоставление одной большой картины в год. Многие из его работ до сих пор находятся во владении семьи Барди.

В течение 1650-х годов он создал множество религиозных произведений, в основном с изображением Мадонны, в часовне базилики Санто-Спирито, церкви Сант-Эгидио, церкви Сан-Джованни Баттиста и Флорентийском Чартерхаусе, среди прочих. Большинство других его работ носят декоративный характер.

Его наиболее известной работой является Святая Пракседа, которая существует в двух версиях. Копия более поздней версии подписана Вермеером и датирована 1655 годом, что делает ее одной из его ранних работ.

Магдалена Вентура была обычной, ничем не примечательной женщиной, жившей в итальянском городке Абруццо в первой половине 17 века. У нее был муж, трое детей, повседневные обязанности и заботы. Но стоило ей достичь возраста 37 лет, как все изменилось. Сначала Магдалена даже не придала особого значения некоторым странным метаморфозам собственного тела, пока все окончательно не вышло из под контроля.

В современной медицине изменившуюся внешность Магдалены объяснили бы гормональным сбоем, но тогда, почти 400 лет назад, люди видели в "превращении женщины в мужчину" страшную Божью кару. И, разумеется, сразу же нашлось множество любопытствующих, желающих взглянуть на это страшное чудо.Слухи о Магдалене дошли и до самого вице-короля Неаполя. Герцог обожал различные природные аномалии и повелел придворному художнику Хосе де Рибера написать портрет семейства Вентура. Изначально картина задумывалась как развлекательная, но после знакомства с Магдаленой живописец свою идею поменял.

Работа над полотном длилась долгих три года, которые супруги по повелению вице-короля проживали в его дворце. Рибера очень точно сумел передать растерянность этих людей, их усталость, тоску, смирение перед силами природы и человеческой бестактностью.

Ответ на пост Кажется у нас закончились вещи, ради которых можно создать срач. Обсудим-ка добавки в колбасу)))